LA PER EZA€¦ · ELOGIO DE LA PER EZA Texto y dirección Gianina Cărbunariu 21 noviembre — 16...

ELOGIO DELA PEREZATexto y direcciónGianina Cărbunariu

21 noviembre — 16 diciembre 2018Teatro Valle-Inclán

Producción CDN

EL MAGOTexto y direcciónJuan Mayorga

23 noviembre — 30 diciembre 2018Teatro Valle-Inclán Sala Francisco Nieva

Coproducción CDN, Entrecajas Producciones Teatrales, Avance y García - Pérez Producciones

CALÍGULADe Albert CamusTraducción Borja SitjàDramaturgia y dirección Mario Gas

4—30 diciembre 2018 Teatro María Guerrero

ProducciónTeatre Romea, Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida,Grec 2017 Festival de Barcelona

Dirección CDNErnesto Caballero

cdn.mcu.es@centrodramatico

QUIRÓFANO

entradasinaem.es902 22 49 49

Texto y dirección Almudena Ramírez-Pantanella[Escritos en la escena I]

14—23 diciembre 20181—13 enero 2019Teatro María GuerreroSala de la Princesa

Producción CDN

CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

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El traje contemporáneo del emperadorHace muchos, muchos años, había un emperador tan aficionado a los trajes contemporáneos, que gastaba todos sus presupuestos en vestir a la última. Solo iba a la guerra o a las fiestas si era para lucir sus con-temporáneas adquisiciones. Tenía un traje para las 11h30, otro para las 18h, otro para las 20h y otro para las 22h. Pasaba más tiempo en el vestidor que en el trono. Se jactaba de conocer a todos los diseña-dores del mundo, hasta que un día se presentaron unos tipos extraños diciendo que tenían lo más de lo más contemporáneo que jamás se había visto. Lo que ellos creaban poseía la milagrosa virtud de ser invisible a toda persona no apta para su cargo o que fuera irremedia-blemente estúpida. El emperador se dijo: “con estos trajes podré saber que funcionarios del reino son unos ineptos, podré distinguir a los in-teligentes de los gilipollas”. Y encargó el traje contemporáneo definiti-vo, pagando por adelantado una suma considerable. Con ese dinero, aquellos extraños diseñadores hicieron unas residencias de creación en algunas salas inutilizadas del palacio. De vez en cuando, el empe-rador enviaba a alguno de sus esbirros para que viera lo que se estaba cociendo, y aunque los esbirros no entendían nada, elevaban informes muy favorables a su jefe, diciendo que aquello tenía un pintón, que iba a ser la hostia bendita. El emperador se mordía las uñas, nervioso por ver el resultado final. Consiguió ser paciente, aunque un día no pudo resistir la tentación y se asomó a ver cómo se desarrollaba la residen-cia. Lo que vio le pareció un poco pobre: “¿seré un gilipollas?”, se dijo, “si es así, nadie debe saberlo”. Y así llegó el momento de estrenar el nuevo traje contemporáneo del emperador. Entre el público atónito del festival en el que el emperador estrenó el traje, cuando todos disimu-laban diciendo que aquello era una obra de arte, un niño se levantó y gritó rabioso, señalando al emperador: “¡eso es una puta mierda!”.

EDICIÓN GDT Ediciones S. L. c/ Juan Bravo 3-A. 28006 Madrid. Tel. 91 436 74 43. COORDINADOR PUBLICACIONES David Hinarejos [email protected] GODOT Álvaro Vicente [email protected] JEFE REDACCIÓN Sergio Díaz [email protected] REDACCIÓN [email protected], Ka Penichet, Yaiza Cárdenas. DIRECCIÓN COMERCIAL Marisa Navajo [email protected] MAQUETACIÓN Y DISEÑO GDT EdicionesCOLABORADORES Jorge G. Palomo, Ester Bellver, Celso Giménez, Pablo I. Simón, Javier de Pascual, Miguel P. Valiente, Neus Molina. IMPRIME Exce Consulting Group DEPÓSITO LEGAL M-37604-2010 La propiedad intelectual prohibe la reproducción total o parcial de textos e imágenes sin el consentimiento del autor.

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editorial

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sumario

performundo.4cómic.6másCaras.840 aniversario BNE.10madrid en danza.14manuela barrero.18lírica.20nuria gallardo.22barro.26pablo derqui.28performance.30mapa teatro.32modus.34quirófano.36estrenos.40cómicos.46lukazs twarkowski.48libros.50cine.52en famillia.54

Foto portada: Jesús Vallinas. 40 Aniversario BNE. Pág.10.

p.18

www.revistagodot.com

Las leyes del espectáculoQue el parlamento de cualquier país es un es-cenario, literalmente, no es nada nuevo. Que la política tiene mucho de espectáculo, tampo-co. Ahora bien, que extractos de las sesiones de control en el Congreso de los Diputados iban a ser virales en YouTube nadie podía preverlo. Llegó la crisis, nos sacó del letargo y varias generaciones empezaron a apasionarse por asuntos tan áridos como los Presupues-tos Generales del Estado, las competencias autonómicas o los entramados financiero-po-lítico-judiciales. Queríamos saber por qué no llegábamos a fin de mes y pensábamos que la respuesta estaba en el hemiciclo.

Pero las leyes del espectáculo son, posible-mente, las únicas que la sociedad respeta de forma natural, sin que una autoridad ex-terna vele por su estricto cumplimiento. Cada época tiene sus espectáculos dominantes, que marcan la pauta a los demás. Y nosotros llevamos casi dos décadas de siglo XXI, mar-cados espectacularmente por el nacimiento de la telerrealidad.

El primer Gran Hermano se emitió en 1999 en Holanda y, además de proliferar como franquicia, ha sido el origen de múltiples formatos con la misma premisa: gente real en situaciones reales que compite entre sí por el

favor de la audiencia. Casi 20 años de realities han hecho que el formato evolucione hacia el barroquismo: la gente “real” cada vez es más friki, las situaciones “reales” cada vez más guionizadas y estrambóticas, y el favor de la audiencia se consigue retorciendo ambas “realidades”. El personaje (personajillo, perso-najazo) está por encima de la “trama”, porque es lo que permite al espectador apasionarse, sentirse superior o compadecer: en definiti-va, emocionarse. Las redes y el clickbait, de aparición posterior, fomentan la descontex-tualización, la ausencia de visión de conjunto y la compulsión irreflexiva en la difusión de información. El público, en última instancia, es permanentemente apelado, mediante votaciones, likes, videochats..., lo que genera la sensación de participación y pertenencia a una comunidad. Y todo ello, a través de los dos canales de mayor implantación en la sociedad: la televisión e Internet.

Estas son las leyes del espectáculo de nuestra era. Son las que gobiernan el Congreso de los Diputados. Por eso hablamos sobre los exabruptos de Gabriel Rufián y no sobre el trabajo de cualquier comisión o subcomisión del parlamento. La política se pliega, como siempre ha hecho, a la única ley que está por encima de la Constitución.

performundo

Pilar G. AlmansaPeriodista, dramaturga y directora de escena

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Los cuadernos ucranianos, rusos y japoneses de IgortIgort, pseudónimo de Igor Tuveri, es un artista italia-no polifacético que, sobre todo, es conocido como autor de cómics y, especialmente, de los cuatro cuadernos que dedica a Ucrania, Rusia y Japón.Todos ellos tienen en común su composición en forma de collage, que yuxtapone episodios apa-rentemente inconexos, su interés por indagar en el presente para desvelar las huellas del pasado o la mirada propia del foráneo que le permite, a través de la incomprensión, la fascinación y la extrañeza, descubrir lo que lo cotidiano oculta a los ojos de sus protagonistas. En el caso de los dos primeros que escribió, los Cuadernos ucranianos: memorias de los tiempos de la URSS y los Cuadernos rusos: la guerra olvidada del Cáucaso, quizás debido a la crudeza de los te-

mas tratados, adopta un tono cercano a lo periodísti-co, donde abunda un intento de análisis objetivo, va-liéndose de entrevistas a los testigos de los hechos. Este acercamiento impersonal, centrado en los otros, le permite afrontar la difícil tarea de enfrentarse a la terrible hambruna, provocada por el régimen sovié-tico contra la población en lo que se conoció como el ‘holodomor’, el holocausto ucraniano de los años treinta, donde por medio de la carestía se condenó a varios millones de personas a morir de inanición o a

devorarse los unas a las otras. También, en el caso del segundo de los cuadernos, le da fuerzas para contar los sucesos que rodearon el asesinato de la periodista y activista, Anna Politkóvskaya, quien denunció las atrocidades cometidas en Chechenia.En los cuadernos japoneses cambia completamen-te el tono, apropiándose la primera persona del relato, inundándolo de sus experiencias subjetivas y adoptando un tempo sosegado. En Cuadernos japoneses: un viaje por el imperio de los signos nos habla de su primera larga estancia, en calidad de

dibujante de la editorial Kodansha, en la que queda fascinado por las bellezas de este país y exhausto por los rigores del duro trabajo de dibujante en la industria del manga. En Cuadernos japoneses: el vagabundo del manga rememora una visita posterior donde, casi en calidad de turista accidental, se permite deambular para entregarse al deleite de la soledad y al elogio de lo efímero y lo imperfecto, que tanto extrañan al forastero. Así, fascinado por una sociedad enraizada en su pasado y, al tiempo, sumergida en un caótico presente ultratecnológico, moviéndose entre el caos ruidoso y abrumador de Tokio y el reposo de los paisajes rurales, Igort nos permitirá acompañarle en su odisea “en busca del misterio que se oculta en el silencio”.

cómic

Pablo Iglesias Simón@piglesiassimon

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Madres con GuasáAsunta- Mirad lo que le he puesto en el guasá: “Ya te llega-rá a ti tu turno, tu hijo también está creciendo”. Pues, ni por esas: tampoco me ha contestado.Dolores- No te digo yo que me he caído y a mí, mi hijo, no me ha llamao ningún día.Soledad- No se habrá enterao, mujer.Dolores- ¿Que no? Me pasó estando él en casa. El sába-do pasado, que estuvo a comer. Pero no se ha vuelto a acordar. Y aquí sigo, hija. ¡Qué se le va a hacer! Tampoco los vamos a matar.Asunta- No parirlos, eso es lo que teníamos que haber hecho. A mí, la mía, cada vez que le llamo me dice: “Ay, mamá, estoy ahora haciendo una cosa muy importante. Te llamo en cuanto termine, ¿vale?” Te puedes quedar luego esperando lo mismo una semana que diez días: no te llama. A las dos semanas le vuelvo a llamar. ¿Y qué me encuentro? “Ay, mamá, me pillas que justo me estaba duchando”, o “es que vienen a recogerme en un cuarto de hora”, o... Le digo el otro día: “¿Sabes qué, hija? Cuando tengas tiempo tú, me llamas”. Pues, hasta ahora. Un mes ha pasao. ¡Un mes! Se dice pronto... Por eso le he puesto el guasá que os he leído. Pero, como si nada. ¡Ni pío ha dicho! Cría cuervos...Soledad- Yo, a mi hijo, lo llamo a su móvil -a la casa no, para que no lo coja ella-. Pero nada: lo llames donde lo llames, siempre se pone la mujer. Pareciera que lo tiene blindado. No sé si es que no le deja ella atenderme, o si es que no quiere él ponerse y le manda a ella que me coja. El caso es que no hablo con mi hijo por teléfono nunca. Por mi santo y por mi cumpleaños sí me llama. Pero fuera de eso ‘rian de rian’. Y la de Barcelona… ¡Menos sé de ella! No te vayas tú a creer que por ser chica y estar fuera… Nada. Allí, ni lo coge ella, ni lo coge nadie. Como no está casada ni tiene novio… Digo yo, que verá que tiene llamadas perdidas, ¿no? Y me pasa lo mismo que a ti, Asunta: si es que por casualidad doy con ella, siempre le viene mal. Asunta- ¿Y los gemelos?Soledad- ¡Bueno! Esos, como viven uno en Nueva York y el

Ester Bellver Actriz y dramaturga

másCaras

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otro en Australia, ni me lo planteo. Con eso de que vale caro, tampoco sé de ellos más que por Navidad. Y gua-sás ni uno. Como son otros horarios los que tienen, dicen que por no despertarme. Son así de considerados. Consuelo- Parece que estáis retratando mi vida. Cal-cadito, oye. Con mi hija también hablo yo poco, ¡cada montón! Y la tengo que llamar yo siempre, jamás sale de ella. Me dice: “Ay, mamá, ¡telepatía!, sí te iba a llamar yo ahora mismito”. Hace un rato, precisamente, le he llama-do, pero no daba ni señal.Asunta- ¡Las madres que los han parido a todos juntos!Dolores- ¡Pues nosotras, hija! No podemos echarle la culpa a nadie. Soledad- Yo, volvía para atrás y tampoco los tenía, Asun-ta. Ni uno, ni cuatro como tengo. Sin hijos me quedaba. Y tan ricamente. ¿Para qué los queremos? ¿Para no saber nada de ellos? Que les den morcilla. Tanto dejarte la vida en criarlos para que luego… Consuelo- Si necesitan que les paguemos algo gordo, verás qué pronto se acuerdan de nosotras. Pero, para preguntarte “qué tal estás” o si necesitas algo…

Suena el móvil de Consuelo. Lo coge. Oímos la voz de su hija al otro lado del aparato pues el volumen de escucha lo tiene muy alto. Hija- ¿Mama? Consuelo- Dime, hija.Hija- Te has dejado antes el teléfono descolgado.Consuelo- ¿Descolgado?Hija- Sí, me llamaste hace un rato y te cogí. Tú no me oías, pero yo a ti sí. Bueno, a vosotras…Consuelo- ¿Has oído toda la conversación?Hija- Sí. Estáis un poco amargadas, ¿no? Además, te lla-mo todos los días. No sé porqué dices que no hablamos. Consuelo- Por no aburrirnos, hija. Nos tenemos tan vistas y está entre nosotras todo tan requetehablao que hay que inventar nuevos temas. Despotricar siempre es entretenido. Hija- Bueno, entonces estás bien. Oye, mamá, que te oigo muy mal. Muy lejos y con interferencias. Hablamos en otro rato mejor, ¿vale?Consuelo- Vale, hija, vale. Ya hablamos en otro… ¿Hija? ¿Hija? ¿Hija?Teléfono- Pi. Pi. Pi. Pi. Pi. Pi…

Mucho más que folclore

por Álvaro Vicente

marca españa

El Ballet Nacional de España, dirigido desde 2011 por Antonio Najarro, celebra los 40 años de la creación de la compañía con un espectáculo único que recoge el enorme legado de danza española

dejado por los grandes maestros que han estampado su genio y su firma en un repertorio envidiable.

A finales de los años 70 del pasado siglo, la España de la Transición tuvo que reinventarse culturalmente y entre las entidades que se fueron creando para dar lustre y modernidad a la tradición estuvo el Ballet Nacional de España, que tuvo como primer director a un auténtico re-volucionario: Antonio Gades. A finales de 2018, el BNE viene de cosechar triunfos en en el leja-no Oriente, ya no tan lejano. Hong Kong, Japón y China han disfrutado de un arte que, como dice el titular de este reportaje, va mucho más allá del folclore. Ese ha sido uno de los máximos

objetivos de la gestión al frente de la compa-ñía de danza española de mayor envergadura de nuestro país de Antonio Najarro, su actual director: abrirse al mundo, contar y explicar el valor de un repertorio a la altura de cualquier tradición escénica, un repertorio genuino, único, auténticamente español, con sus cuatro estilos paradigmáticos: escuela bolera, danza estili-zada, folclor y flamenco. Ahora toca celebrar esa riquísima herencia con un espectáculo a su altura, que el propio Najarro nos detalla: “en los 7 años que llevo al frente del BNE siempre he

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sido consciente de que los espectáculos tienen que ser ágiles, atractivos, con ritmo, y para este 40ª aniversario elegir las piezas y darles una or-ganicidad ágil ha sido muy complejo, pero quería homenajear a todos los directores y coreógrafos que han pasado por la compañía”. 13 números y alguna sorpresaLas sorpresas no las vamos a desvelar, pero lo que sí contaremos es que este montaje de 40 cumpleaños tiene dos piezas de escuela bolera de Antonio Ruiz Soler, Antonio El Bailarín: Eritaña y Puerta de tierra (Foto 1. Página siguiente), el em-

blemático Zapateado (Foto 4. Página siguiente) de Sarasate, que interpretará uno de los primeros bai-larines de la compañía con música en directo de violín y piano. En lo que a folclor se refiere, habrá un extracto del ballet Romance, de Juanjo Linares, una pieza de tradición gallega que contará con la presencia en el escenario, en lo musical, de Eliseo Parra con un grupo de tres voces femeninas y un gaiteiro. De José Antonio Ruiz, se ha elegido una soleá flamenca extraída de su ballet La Leyenda, inspirado en la figura de Carmen Amaya, inter-pretado por tres primeros bailarines y cantada en directo nada más y nada menos que por el cataor

ANTONIO GADES (1978-1980)El primer director del BNE fue, según Antonio Najarro, “el artista que mejor ha sabido contar las obras argumentales a través de la danza española”. Ahí están, como prueba, las inolvidables Carmen, Bodas de sangre o la emblemática Fuenteovejuna. Verdaderas obras de arte.

MARÍA DE ÁVILA (1983-1986)“Para mí es la gran maestra”, confiesa Najarro, “una persona a la que todo el sector tenía muchí-simo respeto, por su elegancia, su rigor. Ella programó el espectá-culo bandera del BNE, que incluía Danza y Tronío de Mariemma, Rit-mos de Alberto Lorca y la Medea de Granero”.

ANTONIO (1980-1983)Con Antonio Ruiz Soler siente Najarro una identificación es-pecial, “por el interés que tenía en hacer evolucionar todos los estilos de la danza española. Era un maestro en todos ellos, un artista muy completo, con una personalidad arrolladora y un carisma tremendo”.

JOSÉ ANTONIO (1986-1992)“Mi carrera está absolutamente vinculada a José Antonio”, dice Najarro, “él me dio las primeras oportunidades como bailarín. Aprendí muchísimo, porque era un bailarín y un coreógrafo muy completo. Con él aprendí a ves-tirme bien, a pisar un escenario con rigor y elegancia”.

AÍDA GÓMEZ (1998-2001)“Que hay que arriesgar lo aprendí de Aída”, apunta Najarro. “En el riesgo está la evolución. Ella arriesgó conmigo, me hizo bailarín solista y primer bailarín del BNE e incluyó una coreogra-fía mía en el repertorio de la compañía cuando yo solo tenía 24 años. Fue maravilloso. Le debo mucho”.

LOS MAESTROS Y SU HERENCIA (ALGUNOS DIRECTORES DEL BNE)

Rafael de Utrera. También habrá un extracto del Concierto de Aranjuez, el segundo movimiento ejecutado a la guitarra por José María Gallardo e interpretado por una bailarina acompañada de cuatro parejas, con un toque muy virtuoso de castañuela, muy del estilo de su coreógrafa, Pilar Ló-pez. Alberto Lorca estará presente también con su ballet Ritmos (Foto 2), otra pieza emblemática de danza estilizada donde participará toda la compañía acompañada de la ORCAM, la orquesta y coro de la Comunidad de Madrid. En el apartado de los solos, destaca la Danza 9 de Granados coreogra-fiada por la mítica Victoria Eugenia Betty. Y no menos mítica, la Fuen-teovejuna de Antonio Gades, de la que se ha podido extraer, pese a su carácter argumental, dos pasos a dos y la escena de las lavande-ras, muy representativa de este ballet. El espectáculo lo cierran dos números perteneciente al ballet Sorolla (Foto 3), estrenado en 2013, uno con coreografía de Manuel Liñán y otro firmado por el propio Antonio Najarro, que se ha reservado lo que será sin duda

uno de los momentos álgidos de la noche junto a uno de los pia-nistas flamencos más cotizados: Dorantes. Él será el encargado de poner música en directo al único estreno de este espectáculo, ícaro, coreografía escrita por Naja-rro expresamente para el primer bailarín del BNE, Sergio Bernal, “un bailarín que está teniendo una carrera meteórica, invitado para galas de estrellas por todo el mundo. Creo que va a ser uno de los momentos más emocionantes, porque será el diálogo de un gran pianista como Dorantes con un bailarín tan virtuoso como expresi-vo”, apunta Najarro. Resumen perfectoAunque el repertorio del BNE es inmenso, esta colección hábil-mente confeccionada por Najarro servirá a los aficionados y a los que no lo son tanto para enten-der, asimilar y disfrutar de lo que ha sido la danza española en estos 40 años de la compañía. Sin duda, un patrimonio que merece todo el mimo y el cuidado para ganar la eternidad. ¡Felicidades y a por otros 40!

40 Aniversario BNE

Escuela bolera, danza estilizada, folclor y flamenco. Los cuatro estilos de la danza española estarán representados en este espectáculo que celebra las cuatro décadas de vida del Ballet Nacional de España y que, bajo la dirección de Antonio Najarro, quiere ser homenaje para todos los que antes que él estuvieron al frente de esta entidad. Teatro de La ZarzuelaDel 8 al 23 de diciembre

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FOTOS: Jesús Vallinas

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Temporada 2018/19

teatroespanol.es

SALA MARGARITA XIRGU

SALA PRINCIPAL

29 nov – 30 dic

Dirección Juan Echanove

Traducción José Luis Collado

RojoJohn Logande

ConJuan EchanoveRicardo Gómez

22 nov – 23 dic

La puta de las mil nochesdeJuana Escabias

DirecciónJuan EstelrichConNatalia DicentaRamón Langa

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EL DESTACAMENTO ROJO DE MUJERES. Ballet Nacional de China. 6,7 y 8 dic. Basada en una leyenda de 1930, la pieza recoge la histo-ria de Qionghua, una esclava que logra escapar de la casa del déspota Nabatian y se une al Ejér-cito Rojo para ser un soldado de la revolución.

TERRENAL. LaMov Compañía de Danza. 9 dic. Habla de la relación entre la vida y la muerte, de sentimientos contrarios, del miedo a que llegue el final, del amor y la amistad como redentores, de la enfermedad y sus tormentos, de la curación y del poder de atracción de la vida.

RADIO & JULIET - QUATRO. The Great Gatsby Ballet. 8 dic. La mítica historia de amor de Shakespeare llega a ritmo de Radiohead. Del coreógrafo rumano Edward Clug, es una versión que se plantea que hubiera pasado si Julieta no se hubiese quitado la vida.

TRIPLE BILL. Ballet British Columbia. 13 y 14 dic.El Ballet BC es un grupo de bailarines y artistas libres de prejuicios y grandes pensadores. Por primera vez llega a España su espectáculo com-puesto por las piezas coreográficas Beginning After, Solo Echo y Petite Cérémonie.

Un año más llega uno de los festivales más asentados de nuestra ciudad, organizado por la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid y dirigido por Aída Gómez. El festival, en su 33ª edición, mantiene su carácter de ser una cita prismática, abierta y cosmopolita que quiere servir de plataforma en forma de crisol uniendo en su programa desde el ballet académico y clásico más ortodoxo a las formas más actuales de la danza contemporánea y el teatro físico. Este 2018, en el 200 aniversario del nacimiento de Marius Petipa, Madrid en Danza le realizará su par-ticular homenaje con una gala (14 y 15 dic. Teatros del Canal) de artistas rusos. Otra de las iniciativas

de esta edición es hacerle hueco a la recientemen-te puesta en marcha Academia para la Difusión de la Danza Española. Para reforzar y respaldar esta idea se ofrecerá una gala de presentación (28 dic. Teatros del Canal) que reunirá piezas de repertorio desde la escuela bolera hasta la danza estilizada y el clásico español, con el aporte de nuestros mejo-res coreógrafos y bailarines tanto históricos como actuales. Finalmente, como acto excepcional, el festival aterrizará en las salas del Museo del Prado con artistas como Mattia Russo, Antonio de Rosa o Fabrice Edelman.Del 5 al 30 de diciembre. Varios espacios. www.madrid.org/madridendanza/2018

Madrid en danza por David Hinarejos

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OSKARA. Kukai Dantza. 18 dic. Ganador de tres Premios Max 2017, la obra le ha valido a la compañía vasca, además, el Premio Nacional de Danza 2017. La pieza recorre algunos pasajes de la cultura vasca y sus mitos, desde su origen hasta la época contemporánea.

FASE ALTERNA. Cía. Marco Flores. 21 dic. El bailaor y coreógrafo Marco Flores irrumpe con una pieza más abierta y abstracta, que contrasta con la línea conceptual de sus últimas creaciones. Sobre las tablas nos muestra la entereza para ceder en su supuesta identidad artística.

EL FESTÍN DE LOS CUERPOS. Compañía Dan-za Mobile / INcubo Teatro. 27 dic. Arturo Parrilla ha ideado esta pieza basando su proceso creativo en El Banquete de Platón, con textos de Antonio Álamo y la coreografía que ha compartido con los coreógrafos Ana Erdozáin y Manuel Cañadas.

SUBJECT #1. Resodancer Company. 19 y 20 dic.Visitaremos por un lado el Ambush, un espacio cercano al caos donde se funden recuerdos y, por otro, el Nacreous, con ambiente frío y hostil, donde los artistas exploran su deseo de emancipación y su capacidad para influir y ser influenciados.

LADY MACBETH. imPerfect Dancers Company. 22 dic. Inspirada en la famosa tragedia, todo empieza donde la versión de Shakespeare termi-na: la muerte de los Macbeth, al fin liberados de sus tormentos terrenales, condenados a vivir los momentos más oscuros de su pasado.

LES NUITS BARBARES OU LES PREMIERS MATINS DU MONDE. Cie. Hervé Koubi. 29 dic. El coreógrafo francés de ascendencia argelina Hervé Koubi ofrece una mirada a 3.000 años de culturas, mezcolanzas y relaciones que han tenido lugar en las cuencas del Mediterráneo.

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FARO. Compañía Eduardo Guerrero. 8 dic (en la foto). TEATRO REAL COLISEO CARLOS III (San Lorenzo de El Escorial). Espectáculo flamenco que en 2017 recorrió faros de España. BASERRI. Proyecto Larrua. 22 dic. CENTRO COMAR-CAL DE HUMANIDADES CARDENAL GONZAGAS III (La Cabrera). Unión de diferentes estilos y disciplinas, entre el breakdance y la danza contemporánea.

El día 16 el Museo del Prado albergará una jornada muy especial convirtiéndose desde las 12h. hasta las 14h. en escenario para cuatro pro-puestas muy diferentes. Abrirá la danza contemporánea de la compañía Kor’sia con su Salvatio (1). Mattia Russo y An-tonio de Rosa investigan sobre lo bello en esta coreografía creada ex profeso para esta ocasión. Después llegará FM Art Collective con una reflexión sobre la existencia: Bashdoor, la victoria absurda (2). Una muestra de Kjaj (3) vendrá de la mano de Fabrice Edel-man y, por último, Goyescas (4), donde tres bailarinas ofrecen una versión de la pieza musical homónima de Enrique Granados.

COSITAS MÍAS. Compañía Joaquín Grilo. 21 dic. El popular bailaor jerezano crea un espectáculo “Dedicado a mi Gran Amigo y Maestro Paco de Lucía desde lo más profundo de mi alma” sobrio y sencillo a la vez que creativo y original.

S E R. Cristian Martín. 30 dic. El debut como coreógrafo del bailarín Cristian Martín (nomi-nado a los Premios Max en 2017 como mejor intérprete por Hábitat, de Daniel Doña). Una reflexión sobre el inconformismo, la valentía, la libertad y los miedos del hombre.

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por Álvaro Vicente

¿Eres un bicho raro o has cogido la palabra Zèbre porque la palabra sirve también para calificar a personas con una alta capacidad emocional con tendencias melancólicas?Todos somos un poco bichos raros, ¿no? Todos somos distintos y de eso va Zèbre. Zèbre es el raro, el friki... me gustaba la palabra. Me la encontré en un libro referida a personas con altas capacidades, sí, pero eso no me interesa en realidad. Me gusta el término zèbre porque todos somos un poco cebras, todos tenemos nuestras cosas, nuestras rarezas...

Nuestras rayadas...Eso es. La palabra me latía y la conecté con otros raros de la Historia, que ya no lo son tanto, como Leonardo da Vinci, por ejemplo. Ahora los pensamos como grandes genios, pero las pasa-ron canutas. A lo mejor nosotros, que ahora las pasamos canutas también, dentro de un tiempo ya no seremos cebras, seremos genios.

¿Te identificas con el concepto por no tener a lo mejor ciertas facilidades para hacer lo que quieres hacer de forma digna?No desde el punto de vista profesional. Me siento una cebra en general, en la vida. Pero

es común, todos pasamos por momentos de in-comprensión: quieres expresar algo, tienes unas ideas muy claras en tu cabeza y nadie entiende qué te está pasando. Le pasa a todo el mundo todos los días. No es mi incomprensión como individuo de la que hablo, sino de la incompren-sión general, de la falta de comunicación, de por qué no nos entendemos. Y esto también va asociado a un estado melancólico. Al final estás triste y no sabes ni por qué.

¿La tristeza y la melancolía no tienen muy buena prensa?No, no la tienen. Parece que tenemos que vivir siempre en estado de explosión, buena energía, y no. El estado de melancolía, de tristeza, es fruto de una emoción más que hay que vivir. A mí me parece muy inspiradora, de la tristeza salen grandes obras y grandes pensamientos. No hay emoción negativa, eso son matices que ponemos nosotros, se trata de cómo canalizas.

¿Cuándo empezaste a pensar en crear una pieza con todo este caldo de cultivo?Como siempre, leyendo. Los libros son mi refu-gio y mi salvación. Me suele pasar que se me queda algo, en este caso una palabra, zèbre,

danzas de la melancolía

“La tristeza me parece muy inspiradora. De los estados tristes han salido grandes obras”

Manuela Barrero

Zèbre es el término coloquial francés para decir ‘bicho raro’. También es el título de la nueva pieza de danza de la compañía dlcAos, fundada en 2016 y comandada por Manuela Barrero, que estuvo

los 10 años anteriores en el equipo artístico de Losdedae de Chevi Muraday y ahora vuela libre.

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otras veces es una frase, o un fotograma de una película. No sé a dónde va, pero está ahí siempre y voy tirando del hilo. A mí me saltó zèbre con todo esto de las altas capacidades, pero me lo quise llevar a otro lugar, porque me di cuenta de que el término estaba clasificando, señalando a los raros. Me interesó precisamente para darle la vuelta, para hablar de lo colectivo.

¿Cómo se construye una pieza de danza a partir de una palabra, cómo se hace movimiento el pensamiento?El movimiento es una herramienta de expre-sión más, es abstracto, y un movimiento así solo, sin contexto, no me interesa. Yo necesi-to contar una historia. El gesto, el movimiento, te lleva a una emoción, pero nunca parto de un movimiento, tengo otras referencias. En Zèbre me interesaba la imagen del melancó-lico, la iconografía tradicional, grabados de Durero, ese hombre con la mano apoyada en la cara... Zèbre parte de esa foto fija, inexpre-siva, con los ojos hacia el suelo. De ahí nació el personaje de Davicarome, el bailarín que hace el dúo conmigo. Pero él no mira a tierra, curiosamente, porque hay textos que hablan del ser melancólico que mira el cielo estrella-do esperando ver la estrella que nunca verá y que sabe que nunca verá. Y luege ella, que interpreto yo, sí mira al suelo. Los personajes se buscan y se consuelan, es como un cir-cuito energético, un yin yang, como esos árboles cósmicos donde las raíces van al suelo y las ramas al cielo, expandiéndose, siendo parte de lo mismo.

Expandiéndose como el universo, como la propia danza contemporá-nea, cuyos límites son cada vez más difusos, ¿no?Los límites y las etiquetas siempre están ahí, queriendo eso, limitar diferentes maneras de expresión: dónde empieza la danza, dónde acaba la performance, dónde el teatro... esos límites a mí no me interesan, a mí me gusta bailar.

Entrevista completa en www.revistagodot.com

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Zèbre

Inspirada en algunos de los genios más gran-des de la cultura y el pensamiento universal, la segunda creación de la compañía dlcAos es un canto a la diferencia en un ambiente que se asemeja al interior de una fotografía borrosa. Su directora y coreógrafa es Manuela Barrero, que baila también la pieza junto a Davicarome.

El Pavón Teatro KamikazeDel 4 al 15 de diciembre

por Miguel Pérez Valiente

lírica

El testamento de PucciniA la cancelación –oficialmente por enfermedad, posiblemente por cuestiones económicas– de Nina Stemme, que era uno de los grandes alicientes de esta nueva producción de la Turandot de Puccini, se ha sumado el cambio de última hora de Maite Al-berola, quien finalmente no cantará el papel de Liù por decisión conjunta del director musical, Nicola Luisotti, y la propia cantante. Ambos han estado de acuerdo en que el momento vocal de la soprano no era el idóneo para interpretar a este carismático y exigente personaje. Sin embargo, la calidad canora estará asegurada ya que la escandinava Irene Theorin, una de las mejores Turandot del momento, tomará el relevo de Stemme, alternándose en el difícil rol con la soprano ucraniana Oksana Dyka, también una solvente “Princesa de hielo”. En cuanto a Liù entra en el reparto Miren Urbieta, que abordó el papel hace apenas un mes en el Palau de les Arts. En el Real se turnará con la también española Yolanda Auyanet. En cuanto a las voces masculinas hay muchas expectativas en el Calaf del tenor Gregory Kunde, sobre todo después del éxito cosechado en la Arena de Verona, donde el pasado verano interpretó al perseverante príncipe con gran reconoci-miento de crítica y público.A pesar de los cambios men-cionados, a este montaje le sobran ingredientes para ser uno de los más interesantes de la temporada. Al propio hecho del regreso, tras veinte años de ausencia, del queri-do título, se añade el atracti-vo de una nueva producción cuyo estreno absoluto tendrá lugar precisamente en el co-liseo madrileño. Por si fuera poco, la creación escénica

estará a cargo de Robert Wilson, el polifacético director, verdadero maestro de la luz y el color, que ya emocionó al público del Real con su memorable Vida y muerte de Marina Abramović. La última ópera del compositor de Lucca quedo in-acabada por su muerte debiendo ser finalizada por Franco Alfano. La trama tiene sus orígenes literarios en una saga persa escrita por Nezamí Ganyaví ha-cia 1197. En 1762, el dramaturgo veneciano Carlo Gozzi supo utilizar este material para crear un relato cuyos principales ingredientes (orientalismo, exilio, amor sin esperanza y confrontación entre sexos) fueron recogidos por los libretistas Giuseppe Adami y Renato Simoni. Turandot supone la ruptura de la línea sucesiva de geniales compositores que había dominado el panorama lírico durante más de un siglo. También es el último título italiano que se asentó directamen-te en el repertorio después de su estreno. Puccini, que era consciente de que esta sería su última obra, incorporó musicalmente muchas influencias de vanguardia, pero manteniéndose fiel al lirismo, que como una especie de sello personal, había inundado toda su producción operística.

Turandot

Hacía 20 años que no se re-presentaba la última ópera de Puccini en el Real. Se salda la deuda con una producción que lleva la firma de un maestro de la escena: Robert Wilson, junto a la dirección musical de Nicola Luisotti. Teatro RealHasta el 30 de diciembre

FOTO DE ENSAYO: Javier del Real. La soprano Irene Theorin con Bob Wilson (director de escena, escenógrafo e iluminador)

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C E N T R O D R A M Á T I C O N A C I O N A L

Dirección CDNErnesto Caballero

cdn.mcu.es@centrodramatico

TITERESCENATeatro Valle-Inclán Sala El Mirlo BlancoOctubre 2018 — Junio 2019

8—9 junio 2019LA GALLINA AZULTanxarina Títeres (Galicia)

9—10 febrero 2019MR. TRAINTrukitrek(Cataluña)

16—17 marzo 2019EN LAS NUBESCompañía La Negra (Comunidad Valenciana)

6—7 abril 2019HISTORIA DE UN CALCETÍNLa Canica Teatro (Madrid)

18—19 mayo 2019RATONCITO PÉREZ,LA VERDADERA HISTORIATeatro PLUS (Asturias)

1—2 diciembre 2018LOOPSEngruna Teatre (Cataluña)

19—20 enero 2019 NOONE’S LANDMerlin Puppet Theatre (Grecia/Alemania)

Una colaboración de Centro Dramático Nacional y Centro Internacional del Títere de Tolosa (Topic)

entradasinaem.es902 22 49 49

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el mejor Lope de Vega

por Álvaro Vicente

Estrenasteis a finales de noviembre. ¿Qué tal fue, qué tal van yendo las funciones?Pues creo que muy bien. Cuando estrenas una función, los primeros días todavía tienes dentro de ti mucho respeto al escenario y a Lope de Vega, y un poco de miedo, mariposillas en el estómago que digo yo. Y además, nos fuimos a Milán para hacer La dama duende justo una se-mana antes de estrenar El castigo sin venganza, y era una sensación un poco extraña, porque la otra ya la llevas trabajando un año y estás más fuerte, sabes lo que estás haciendo, pero en esta no tienes todavía la respuesta del público, que es fundamental.

Al público del Teatro de la Comedia lo cono-ces bien ya, ¿no? ¿Es muy exigente?Sí, muy exigente, pero eso es bueno, y el proyec-to de Helena (Pimenta) desde el principio era un proyecto muy sólido porque ella trata la verdad de la palabra, la rigurosidad del lenguaje que es-tamos perdiendo con esto de Internet, que dices tq para decir te quiero. El público joven viene a vernos y agradece este amor a la palabra. A mí una de las cosas que más me gustan de Helena es la dramaturgia que hace con las funciones, no solamente la dramaturgia del texto, es la dramaturgia de la escenografía, la de la música, del movimiento, de lo que se dice, de lo que se

“Interpreto a una mujer que sabe lo que quiere, no a una niña que busca su lugar en el mundo”Hija y nieta de actores, la Gallardo da vida a Aurora en El castigo sin venganza, con su habitual y

portentosa presencia escénica, garantía siempre que ella está en un reparto de verdad y compromiso con lo que se cuenta. Ha cumplido 50 años y ha dedicado 40 de ellos a la escena. Casi nada.

Nuria Gallardo

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“Intento que el verso llegue a la gente, que no les parezca un idioma extraño”

hace, de lo que se quiere. No da puntada sin hilo. Igual hay gente a la que no le guste, y luego habrá gente que se entusiasme. Yo soy de las entusiastas, si no, no estaría aquí, me encanta la mirada de Helena Pimenta, primero porque es una mujer y luego porque es una sabia del teatro. Pocas veces te puedes equivocar con ella.

¿Cuántas obras llevas ya con la compañía?Pues seis o siete, depende si contamos Donde hay agravios no hay celos, que hice la susti-tución en gira de Marta Poveda. Empecé con La vida es sueño, con Calixto Bieito, hice La estrella de Sevilla, con Miguel Narros, y ante-riormente, estrenamos lo que hoy es el Espacio Miguel Narros en Almagro, cuando hicimos el Don Juan Tenorio, y también estuve en el Corral de Comedias con El vergonzoso en palacio, de César Diéguez. A mí el verso me gusta, qué quieres que te diga.

Te gusta y te sale muy bien.Lo intento. Sobre todo intento que a la gente le llegue, que no parezca un idioma extraño, al con-trario. Creo que la gente abre su corazón y de repente las palabras entran y entienden mucho mejor de lo que nosotros podemos imaginar.

Eso del verso, ¿es como masticar las palabras para luego cantarlas?Más o menos, pero no es solo lo que uno haga por sí mismo. Ahí tenemos a Vicente Fuentes, que es un maestro del verso. Pero no es lo único: luego tenemos a Nuria Castejón, que es una maestra en movimiento, tenemos a Gómez Cor-nejo que hace maravillas con las luces... al final todo se va sumando y todo está al servicio de que esa palabra, ese verso, llegue a donde tiene que llegar. Es muy difícil que tu no transmitas lo que quieres transmitir, porque somos un equipo.

Con toda tu experiencia a cuestas, ¿quién es Lope de Vega para ti?Yo he tenido mucha suerte con Lope, porque he hecho personajes suyos muy diferentes. Cumplo 51 años este mes y este personaje de El castigo sin venganza creo que se acerca mucho más a

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FOTOS: Sergio Parra

una mujer que ya sabe lo que quiere, no a una niña que está buscando cuál es su sito en el mundo. Eso me da una oportunidad enorme, una vez más, porque desde que estoy en la compañía, no he hecho ni un personaje igual, no hay ninguno que se parezca. Aurora es una mujer de Estado que empieza la función diciendo: hemos empezado mal, pero vamos a hacerlo mucho mejor, y yo tengo la solución.

Aurora es un poco el motor de la obraYo no me atrevería a decirlo así, pero ella des-de el principio tiene muy claro lo que hay que hacer para que todo salga bien, para evitar la tragedia, porque esto es una tragedia, no es un drama. Es una mujer muy inteligente pero de repente la vida se le vuelve en contra. Desde el dolor es capaz de hacer cualquier cosa por sacar adelante su amor, que no le funciona, y de sacar adelante su vida. Y que no le maten.

¿Tú eres de las que llega a los ensayos con propuesta, con el personaje bien estudiado o esperas a ver cómo respira la directora, los compañeros...?

No, no, yo cuando llego el primer día no tengo ni idea de nada. Has pensado en tu casa, te has imaginado mil cosas, pero lo importante es escuchar a los compañeros y montar el barco, a ver qué pieza me toca en este puzzle y cómo puedo ayudar a contar la historia. Así que no, suelo empezar muy perdida. Pero luego, a me-dida que van pasando los días... también tengo que decir que trabajar con Joaquín Notario lo hace todo más fácil, porque es muy grande, es muy difícil equivocarse con él, solo tienes que escuchar. Eso me lo enseñaron cuando tenía 12 años. Y está Beatriz Argüello, otra bestia parda.

Ya que citas a Beatriz, que interpreta a Casandra, ¿se podría decir que Aurora, tu personaje, es el contrapunto de Casandra?Siempre. Eso lo he sentido siempre, no solo en esta obra. Cuando trabajaba con Marta Poveda me pasaba igual, siempre es el contrapunto. Los clásicos siempre tienen una mujer que es la que lleva la acción principal, en este caso es Casandra, y siempre hay otro personaje que es el que le pone en su sitio a la protagonista. A mí me toca en este caso el personaje de la

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El castigo sin venganza

La Compañía Nacional de Teatro Clásico acomete la tragedia crepuscular de Lope de Vega, su canto de cisne, su testamento teatral, una obra perfecta la mires por donde la mires que, como dice su directo-ra, Helena Pimenta, “oculta una profunda reflexión sobre el poder, la justicia, la responsabilidad, el amor y el deseo, ambientada en el contexto político de las ciudades-estado enfrentadas en la convulsa Italia de finales del quattrocento”. Esta va a ser pro-bablemente la última puesta en escena de Pimenta como directora de la CNTC, y para ella ha contado con varios de los actores y actrices que han sido habituales en sus producciones, como Rafa Castejón o Joaquín Notario. También Nuria Gallardo, prota-gonista de esta entrevista, que hace de contrapunto de la protagonista, Beatriz Argüello. También están en el elenco Lola Baldrich, Carlos Chamarro, Javier Collado o Fernando Trujillo.

Teatro de la Comedia. Hasta el 9 de febrero

rigidez. Aunque a Aurora también se le rompen los esquemas, pero desde un punto más emo-cional, se le rompe la vida, se queda sin nada. Por circunstancias, ella es hija del hermano del duque y tiene unas pertenencias, unos estados, palabras mayores, y estamos hablando de Fe-rrara, que había asesinatos, en cuanto alguien te llevaba la contraria te lo cargabas, como en la mafia. Y Aurora trata de salir lo más limpia po-sible de todo esto que está pasando, pero con un amor roto.

Álvaro Tato, que ha hecho la versión, dice que El castigo sin venganza es la tormenta perfecta. Cuando estuvimos trabajando La dama duende con Helena Pimenta, ella decía que trabajaba en el error, mirar qué hacen los personajes que esté mal y apoyarte en esa debilidad. En El castigo es que ya no es solo la debilidad de cada personaje, es que entran en juego cuestiones de estado mezcladas con cuestiones personales, poder, principios, honor, una cuestión de vida, y todo eso se va enmarañando de tal manera que cuando llega el tercer acto, ni el propio duque, el

protagonista, se puede creer lo que está pasan-do. Ahí el montaje que ha hecho Helena de este acto me encanta, porque está Joaquín Notario en el centro y todos los demas alrededor y es como un pequeño cáncer que se va comiendo todo alrededor hasta dejarle sin respiración.

Tú qué haces tantos clásicos, ¿qué es lo que tienen para seguir interesando al público?El verso es música, y una vez que entras en esa música, lo entiendes, lo sigues, se te llena el alma. Hay gente haciendo teatro maravilloso aho-ra, pero el respeto absoluto por la palabra que se tiene aquí es fundamental, y eso se valora mucho.


“Desde el dolor, Aurora es capaz de hacer cualquier cosa por salvar su vida y su amor”

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por Álvaro Vicente

guerra fundacional

Principio y fin de una cierta idea de EuropaAl tiempo que conmemoramos este año el primer centenario del final de la Primera Guerra

Mundial, vemos cómo la Europa que conocemos se tambalea en sus pilares políticos, sociales y económicos. La Joven Compañía ha querido explorar las razones de esta crisis profunda.

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FOTOS: David Ruano

La Joven Compañía da un paso más en su ambi-ción por ser un núcleo artístico, pedagógico y generador de valores y reflexión. El momento actual requiere redoblar los esfuerzos para afrontar los envites de la Historia. Especialmente en el caso de los más jóvenes, público ideal de los montajes de esta compañía, gente nacida con el siglo XXI cuya vida, corta vida todavía, ha discurrido prácticamente siempre en contextos críticos, como si la crisis fuera el estado habitual. Pero no, justo la generación anterior, la del arriba firmante, y la de los dramaturgos y director de Barro, creció en la ingenuidad de una Europa

idílica, un espacio común donde podíamos movernos libremente y compartir mercancías y conocimientos. Eso parece que, al menos, de momento, se acabó. De esas dos tensiones, de la decepción de los que nacimos en los 70 y los 80 y de la perplejidad pasiva de los millenials, nace este nuevo proyecto de La Joven, una tetralogía que empieza con Barro. Mapa de las ruinas de Europa I.

De aquellos barros... José Luis Arellano ha dirigido, con el pulso del teatro bélico británico (allí están más acostum-

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Barro

Primera parte de la tetra-logía emprendida por La Joven Compañía bajo el título genérico Mapa de las ruinas de Europa, en este caso con texto a cuatro manos de Nando López y Guillem Clua y dirección de José Luis Arellano.

Teatros del CanalHasta el 23 de diciembre

brados a llevar la guerra al escenario, poética-mente hablando), un retrato de una generación de jóvenes europeos que se dejó en el frente sus sueños y sus esperanzas, cuando no di-rectamente su vida. Jóvenes de ambos bandos que se expresan tal y como son, porque, como dice uno de los dramaturgos, Nando López, la obra es un viaje a su intrahistoria, a su intimidad: “hemos buceado en los diarios, en las cartas, en los documentos escritos de los que estuvieron, en los testimonios rescatados de los que no pu-dieron volver, porque lo que queríamos hacer es algo íntimo, a pesar de ser una obra que habla de una guerra y no hay nada más colectivo que una guerra”. De aquella guerra y de su débil armisticio nacieron las fronteras de la Europa de hoy, que vuelve a estar en solfa, precisamente, por las fronteras. “Teníamos la responsabilidad -comenta Guillem Clua, el otro dramaturgo- de contarle a los millenials qué significa eso de la Primera Guerra Mundial sin caer en la arqueo-logía o en la clase de Historia. El relato es lo más importante. A través del relato se consi-gue la emoción y desde la emoción llegará el mensaje, sin aleccionar. Lo primero es que se lo pasen bien los chavales, y luego ya, cuando salgan, que esto les sirva para pensar en dónde estamos hoy y por qué”. Para eso es fundamen-tal que los espectadores se vean reflejados en los personajes que miran sobre el escenario. “Nos obsesionó mucho la idea de conseguir este espejo -recuerda López- queríamos que esta obra fuera espejo de la Europa de ahora, de las cosas que nos preocupan. ¿Por qué de

pronto este aumento, este auge de los neofas-cismos, esta defensa cerrada de las fronteras, este impedimento de la libre circulación de las personas, este apego a las banderas? Lo más fascinante del proceso de escritura fue darnos cuenta de que ese espejo estaba ya en la propia Historia, que contar la Primera Guerra Mundial era contar ya muchas cosas que están pasando ahora”. Lo cuentan a través de varios personajes entre los que entran en juego también conceptos feministas, o protofeministas, relaciones de clase que se ven alteradas también por el conflicto, la tensión entre el patriotismo y el pacifismo, la valentía y la cobardía, el honor y la gloria, que no nacieron con Juego de Tronos, sino que son tan viejos como el Hombre.

Un gigante con pies de barroEn la palabra barro encontraron Nando y Guillem la metáfora perfecta. “El barro de las trincheras -dice Arellano-, como elemento natural, y luego el barro que somos nosotros, que somos muy volubles y maleables en manos de los distintos poderes”. Esa capacidad tanto para ensuciarnos como para construir con él, hacen del barro un concepto ambivalente ideal para definir un siglo. En palabras de Clua, “es un símbolo de la guerra, que destruye para construir un mundo nuevo, porque en el fondo la Primera Guerra Mundial hizo eso, exactamente eso, y nos lanzó de lleno al siglo XX, y lo hizo con los restos de lo que habían destruido antes; las ruinas se con-vierten en tierra, la tierra se convierte en barro y con el barro construyen todo lo nuevo”.

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“Calígula es un personaje que no se agota nunca”

Pablo Derqui

Calígula es una de las grandes piezas dramáticas de Albert Camus. Basada en la historia del emperador romano descrita por Suetonio, Calígula es en realidad una serie de obras dentro de una única pieza. El protago-nista se encuentra cara a cara con el vacío tras la muerte de su hermana/amante y so-mete a sus súbditos a una serie de terribles demostraciones de aquello que él considera la verdad absurda: que los hombres mueren y son infelices. Mario Gas dirige un montaje que trata temas recurrentes en la obra del autor francés de origen argelino como el absurdo existencial, la alienación metafísica,

el sufrimiento y la lógica del poder. Pablo Derqui se vuelve a poner en la piel del temi-ble emperador, sin duda uno de los grandes personajes de su carrera.

Mérida, el Grec, temporada en Barcelona y ahora Madrid ¿No es agotador interpretar un personaje tan complejo?Cansa, sí, y después de cada función, se nota el desgaste. Pero uno no se puede agotar de-lante de un personaje como este. El personaje mismo, de hecho, no se agota nunca. Es uno de esos contados referentes del teatro moderno que captan partes esenciales del alma humana.

“Calígula es un texto singular y turbador. No se trata solo de la descripción de un tirano y de las consecuencias que sus acciones provocan en sus súbditos. Hay más. Mucho más. Un texto existencial y políticamente incorrecto que ha seguido arrastrando sus preguntas hasta hoy mismo, al borde de la actualidad”. Mario Gas

por Neus Molina

el absurdo del poder

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Por eso, cada noche es un intento diferente. No se agota, no. Por lo tanto, no agota. ¿Calígula, como Hamlet, es un gran reto actoral? ¡Y tanto! Un reto y un regalo. Uno se va conociendo como actor sobre todo gracias a los personajes que intenta defender. Y este es un gran salto en ese sentido. Da miedo, claro. Pero, sobre todo, motiva.

¿Cómo se prepara uno para empatizar con alguien tan destructivo?Básicamente, siguiendo la partitura con la que el autor lo ha construido. No se trata de inventar nada. Interpretar es intentar entender. Y, sobre todo, hacer entender. Esta ha sido la guía, de la mano de Mario Gas: intentar hacer llegar lo más claramente posible la potencia del texto.

¿Habías trabajado antes con él? ¿Cuándo se empezó a fraguar este proyecto?Mario Gas es un maestro. Ya me dirigió hace unos años en La muerte de un viajante y también hemos compartido trabajos como actor. Siempre nos hemos entendido bien y, de tanto en tanto, nos perseguimos. Este texto hacía mucho tiempo que le rondaba.

Guerras, deportaciones, refugiados, injusti-cias, dolor... ¿Crees que Calígula puede tener vigencia en un momento donde parece que estamos abocados al absurdo existencial? Es evidente que sí. Vivimos una época muy complicada. Tanto por los problemas que nos

afectan como por su particularidad. Pero Camus quiso tratar aspectos muy vigentes hoy día. Si bien el contexto de las guerras mundiales era muy diferente, el peso de la existencia, la condi-ción del individuo frente al colectivo, los límites del poder y de la libertad, el papel cada vez más relativo de la moral... todo aquello todavía hoy sigue ahí.

¿Conocías a los otros actores del montaje? Porque siendo Calígula un monólogo, su contrapunto es básico...Los conocía, sí, aunque no había tenido la suerte de trabajar con todos ellos. Es un lujo inmenso tenerlos cerca, de verdad. No puedo imaginar este montaje sin Anabel Moreno, Ricardo Moya, Pepe Ferrer, Pep Molina, Borja Espinosa, Bernat Quintana, Mónica López y David Vert.

Llevas una temporada que te caen persona-jes muy malotes: ¿cuándo harás de bueno?Jajaja... algún día.

Calígula

El absurdo existencial, el sufrimiento y la lógica del poder son algunos de los temas que toca este montaje, que pone en escena una de las grandes piezas dramáticas de Albert Camus, bajo la dirección de Mario Gas.

Teatro María GuerreroDel 4 al 30 de diciembre

FOTOS: David Ruano

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En España, la fuga de talentos y cerebros no solo se produce en el campo de la ciencia. También en el arte, desgraciadamente, son muchos y muchas los que buscan labrarse un futuro en otros países, porque aquí, en el nuestro, cuidamos más los hue-sos de un dictador que los cuerpos de, pongamos, los bailarines. Así es como la coreógrafa y bailari-na madrileña Marta Izquierdo cruzó los Pirineos en 2001 y hoy casi toda la información que resultará de buscar su nombre en Google sale en francés, claro. Hace 10 años estrenó su primera pieza en el Festival de Avignon, nada menos. Hablamos de She’s mine (foto de arriba). Ha llegado un poco tarde a España, pero llega este mes a Naves Ma-tadero. Marcada por el espíritu de la movida, del gusto por el juego y del mal gusto, Marta Izquierdo ha cosechado desde aquel primer estreno exce-lentes críticas por su forma de mostrar las grietas, debilidades y ambigüedades que el ser humano quiere ocultar. She’s mine respira, como dice la propia Marta, “alrededor de un personaje llamado Divine que, como la Alicia de Lewis Carroll, está cambiando constantemente”. Pop a saco, Warhol, Genet y Almodóvar en una batidora. Esta ‘visita’ a su ciudad de Marta Izquierdo servirá para que veamos también su último proyecto, Practice makes perfect (foto de abajo), una pieza cuyo pun-to de partida es la frontera entre Francia y España y las danzas tradicionales que comparten ambos países. La escritura coreográfica integra un objeto rudimentario, un bastón, atributo del paseante, del domador, del guerrero o del bufón, que permitirá conectar las danzas folclóricas practicadas de una parte y otra del Pirineo. Bailes típicos catalanes, provenzales, bailes de frontera que unen más que separan. Una buena noticia esta visita desde el otro lado, sin duda.

SHE’S MINE. Naves Matadero. 12 y 13 de diciembre

PRACTICE MAKES PERFECT. Naves Matadero. 14, 15 y 16 de diciembre

danza / performance

La no-frontera geográfica y artística

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Uno de los artistas asociados a Conde Duque en esta pri-mera temporada de la nueva etapa del Centro Cultural municipal, bajo dirección de Isla Aguilar y Miguel Oyar-zun, es Jaime Vallaure, que además de dedicarse a la enseñanza de performance, la practica él mismo desde los años 90 del pasado siglo, combinándola con la edición, las artes visuales y la experimentación concep-tual. A parte de comisariar con Diana Delgado-Ureña el ciclo Dame cuartelillo, con Rafael Lamata han creado y están mostrando este mes, bajo la marca Los Torreznos, La memoria, una performance escénica con la que se aproximan a este concepto desde multitud de perspectivas: psicológica, social, política y antropológica. “Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconstantes, ese montón de espe-jos rotos”, escribió Borges. Las palabras son memoria mismamente. No podemos decir más que lo que hemos aprendido, genera presente pero nos deja atrás. La memoria. Los Torreznos escriben sus piezas a partir de lo que viven. Apuntan en sus cuadernos las notas de lo significativo. Intentan que sea legible, porque nunca se sabe quién y cómo se va a poder leer aquello. Ahora van a recordar una hora,

una hora de memoria delante del público en una performance site-specific. Una hora de memoria viva que esperemos que no olviden ni que olvidemos nosotros después de vivirla. Porque si la olvidamos, ¿mala señal? Los Torreznos son un dúo de explora-ción en el ámbito del arte de acción, un dúo inclasificable, como debe ser, que empezaron realizando acciones en el Centro Comercial La Vaguada, allá por 1993. Desde entonces su actividad se ha desarrollado por todo el mundo a base de piezas de vídeo, talleres, exposiciones, conversaciones o cualquier formato por inventar, porque si algo les define es la constante experimentación en las formas y la constante profundización en los discur-sos que las sostienen.

LA MEMORIA. Centro Cultural Conde Duque. Hasta el 15 de diciembre

performance

A vueltas con los recuerdos

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por Álvaro Vicente

oro de ida y vuelta

Lo que hoy es el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (el edificio Sabatini) antes fue un hospital. Lo fundó Felipe II en el siglo XVI como Hospital General y de la Pasión de Madrid para dar asistencia, refugio y hospitalidad (de ahí lo de hospital) a los pobres y marginados de la ciudad. Sería Fernando VI dos siglos después el que lo convirtió en un centro sanitario más cercano a lo que hoy entendemos por hospital. En los sóta-nos del edificio se acogería a los excluidos de la sociedad, los entonces llamados “dementes ò faltos de juicio”. Desde 1749 se empezó a financiar el hospital masivamente con el oro llegado de las colonias americanas. Locura y oro.A finales del siglo XVIII, Carlos III envió a los inge-nieros Juan José D’Elhúyar y Ángel Díaz Castella-nos a la región minera de Caldas, en Colombia, que entonces era el Virreinato de Nueva Granada, para modernizar las minas de oro y hacerlas más rentables. En las minas de Marmato, Ángel Díaz

Castellanos sufrió lo que en aquella época se diagnosticaba como auriferis delirium (algo así como la fiebre del oro, que nada tiene que ver con la de los western) y tuvo que regresar a España, donde fue internado en las Bóvedas del Hospital General y de la Pasión. Locura y oro, otra vez.El equipo de Mapa Teatro, un laboratorio de artistas que utiliza distintos medios para realizar sus obras (teatro, vídeo, instalación, radio, intervenciones urbanas, conferencias performa-tivas, etc.), se desplazó a las minas de Marmato siguiendo el rastro de aquellos ingenieros para comenzar un proyecto en un género que ellos han bautizado como etno-ficción. Las minas de Marmato (tierra de la cultura precolombina Quimbaya) ya estaban siendo explotadas antes de la colonización española y hoy lo siguen siendo sin renunciar a los métodos artesanales y tradicionales de extracción, pese a que las gran-des multinacionales amenazan con industrializar

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El laboratorio de artistas colombiano fundado en París en 1984 por Heidi y Rolf Abderhalden, instala en el Reina Sofía su etno-ficción De los dementes, ò faltos de juicio dentro del Programa Fisuras, un proyecto de ida y vuelta que parte de las minas de oro del otro lado del Atlántico y está estrechamen-te vinculado al histórico edificio que ocupa el primer museo madrileño de arte contemporáneo.

MAPA TEATRO INSTALA SU DELIRIO AURÍFERO EN EL MUSEO REINA SOFÍA

Indios lavando oro. Grabado del cronista Gonzalo Fernández de Oviedo y Valdés en Historia general y natural de las Indias, isla y tierra-firme del mar océano. Archivo Mapa Teatro.

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DE LOS DEMENTES Ò FALTOS DE JUICIO. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Hasta 29 de abril.

FOTOS: Joaquín Cortés y Román Loresun proceso que sirve de sustento a toda una región fuertemente cohesionada en torno a la cultura de la minería.A través de una instalación que ocupa tres luga-res del Reina Sofía -Espacio 1, escaleras y Sala de Bóvedas-, Mapa Teatro crea esta ficción, De los dementes, ò faltos de juicio, relacionando estos espacios del museo con su pasado histó-rico, su financiación mediante el oro procedente de América, y la actual explotación minera con el delirio del capital financiero globalizado.

Delirio auríferoTodos los materiales recogidos en sus investi-gaciones por Mapa Teatro han sido trasladados hasta los tres espacios citados y transformados en imágenes, sonidos y máquinas para darle cuerpo a este delirio aurífero.El recorrido comienza en el Espacio 1, donde se exhibe el relato que articula la investigación bajo forma de atlas: videos con imágenes de las minas de Marmato, mapas, facsímiles de docu-mentos rescatados de los archivos del antiguo hospital (actas, constituciones, ordenanzas, etc.), cartas de Ángel Díaz, planos arquitectó-nicos del edificio o artículos periodísticos, entre otros. Junto a ellos, se muestran también varias piezas etnográficas, incluida una estatuilla en oro de un cacique Quimbaya. Un circuito cerrado de televisión nos muestra imágenes de los otros dos espacios, manteniendo una línea continua con toda la exposición. Así, en las escaleras se presenta una instalación audiovi-sual con imágenes del transporte de las mulas utilizadas por los mineros para poder acceder a las minas. Estas imágenes recorren las cinco plantas de altura del edificio, permitiendo al visi-tante vivir la experiencia física de ese ascenso.En la Sala de Bóvedas, el espectador podrá relacionar el espacio arquitectónico de Sabatini con el interior de una mina tradicional. Allí, una instalación formada por material original traído de la mina de Marmato interactúa con una pro-yección de vídeo grabado en las mismas minas. Rieles con sus vagonetas mantienen un viaje continuo que articula esta sala con las escaleras.

“Lo que surge primero en las obras de Mapa Teatro es, sencillamente, un afecto. Un afecto que, en aquel momento, pulsa en los cuerpos de sus directores, los hermanos Heidi y Rolf Abderhalden, poniéndolos en tensión. Desde fuera, parece una nada. Y es que los afectos no tienen imagen, ni palabra, ni gesto y, sin embargo, son reales —o, mejor, son las emocio-nes de lo real propiamente dicho, emociones vitales. Estos consisten en los efectos de las fuerzas que agitan un determinado contexto en los cuerpos que lo componen, produciendo en esos cuerpos un estado intraducible por el su-jeto en su repertorio, lo cual lo desestabiliza. Tal estado señala que la vida se encuentra sofocada en algún punto en las formas del presente y sus respectivos lenguajes, lo que nos exige liberarla para que pueda retomar su movimiento.”

Suely Rolnik. Mapa Teatro: la creación a partir de un afecto

expo

La Comunidad de Madrid, consciente de la importancia de la moda como parte de la industria cultural y manifestación artística, orga-niza esta exposición colectiva que tiene como objetivo rastrear lo español en el ámbito de la moda española. Comisariada por Raúl Marina y Wanda Morales, esta muestra realizará un recorrido por la historia de la moda española a través de las piezas más representativas de los creadores más relevantes y significativos de todos los tiempos. El traje de corte y, de manera muy especial, el negro, protagoniza una de estas áreas temáticas. El negro, color asociado a la monar-quía hispana - especialmente durante el siglo XVI- se impuso en todas las cortes europeas, y ha sido retomado en sus piezas diseñadores clásicos como Balenciaga o Fortuny, o más contemporáneos como Davidelfín, Ana Locking o Amaya Arzuaga. Los regionalismos también constituyen una parte importante de la muestra, no solo a través de piezas tradicionales como el traje de vistas de La Alberca (Salamanca), sino también en creaciones contemporáneas de Miguel Adrover, Mané Mané o Delpozo. Imprescindible destacar el mundo andaluz, estereotipado a través del uso de los colores vivos o las faralaes, como apuntan los diseños de Paco Rabanne o Juan Duyos. Además, la muestra incluye una pequeña pincelada de la influencia de nuestra moda a nivel internacio-nal, a través de piezas de Givenchy, Dries Van Noten o John Galliano o Lanvin, que se han visto seducidos por nuestra cultura y particular estética para plasmarla en sus creaciones.

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MODUS. A LA MANERA DE ESPAÑA. Sala Canal de Isabel II. Hasta el 3 de marzo.

Reivindicando la moda española

Traje de gitana, hacia 1930. Museo del Traje, Madrid. Ministerio de Cultura y Deporte. FOTO: Jesús Madriñán.

PROGRAMAC IÓN

distritohortaleza

CENTRO CULTURAL SANCHINARRO C/ Princesa de Éboli, s/n. 28050 Madrid. www.centroculturalsanchinarro.com

ENTRADASYA A LA VENTA

GIGLON.COM

2 D

ICIE

MBRE

1

2 H

TEATRO MUSICAL Entrada general 8 €/ reducida 6 € 1

5 D

ICIE

MBRE

1

9 H

TEATRO · Entrada general 8 € / reducida 6 € Recomendado a partir de 12 años

16 D

ICIE

MBRE

1

9 H CONCIERTO SOLIDARIO

PARA LOS PROYECTOS DE AYUDA SOCIAL DEL COROCoro Gospel de Madrid: 60 voces más banda

20 D

ICIE

MBRE

1

9 H

Entradas 15€ · Venta de entradas: corogospeldemadrid.com

23 D

ICIE

MBRE

1

2 H

Entrada general 8 € / reducida 6 € · A partir de 6 años

13

EN

ERO

1

2 H ADIOS

PETER PANCía. Festuc Teatre

Entrada general 8 € / reducida 6 € · A partir de 6 años

Yo no soy racista, pero...

por Almudena Ramírez-Pantanella

escrito en la escena

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El programa Escritos en la escena del Centro Dramático Nacional sigue dando sus frutos y catapultando a nuevas voces de nuestra dramaturgia. En este caso, se trata de la joven autora madrileña Almudena Ramírez-Pantanella, que estrena Quirófano,un texto que tiene como temática central el racismo o, más bien, el microrracismo,

consecuencia de la interiorización de los prejuicios. En las páginas siguientes ofrecemos, en exclusiva, un fragmento de la obra, la tercera escena.

FOTOS: Mario Zamora

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Una mesa de comedor. Pasta con tomate. La puerta del cuarto siempre abierta.

MARÍA DE LA VEGA.- No sé cómo podéis comer esta basura.

TONI.- Quiere que paguemos el funeral de Bibiana. ROBERTO.- Esta tía está chiflada… TONI.- Dice que es mucho dinero, que no lo tiene y que más nos vale que se lo paguemos si no queremos consecuencias. ROBERTO.- Toni, no se lo vamos a pagar, ¿me oyes?TONI.- Estás bueno que no. ¿Tú sabes sino en el lío en que nos metemos?ROBERTO.- Hay que ser muy, muy, MUY… para hacer estas cosas. TONI.- Ni siquiera se hablaba con Bibiana.

NENA.- ¿Había mucha sangre?PATY.- Mucha.NENA.- ¿¡Mucha, mucha!?PATY.- Siempre hay mucha sangre. Es la placen-ta. Lo que une a una madre con su hijo. Es una unión inseparable, de por tu vida.

VEGA.- Ahora el imbécil quiere comprarse una moto. ¿Con qué dinero? Con el nuestro, claro. Son vampiros. Los hijos son vampiros, nacen para sorberte la sangre. CELINE.- ¿Por qué no ha venido?VEGA.- Está en plena adolescencia. Odia a su familia. Es algo natural, son así de gilipollas los adolescentes de hoy. NENA.- ¿Entonces mamá también tiene placenta?PATY.- Claro, todas las mujeres tienen placenta. NENA.- ¡Mamá! ¿Tú tienes placenta?CELINE.- Sí, hija, tengo todo lo que tú quieras.NENA.- ¿Dentro del coño?CELINE.- ¡Eeeesa boca!VEGA.- ¿Cómo coño les aguantas?CELINE.- ¡Vega!VEGA.- Te lo digo de verdad, ¿cómo lo haces?CELINE.- Me he apuntado a clases de boxeo. Te lo recomiendo.

NENE.- ¿Tita?RITA Y VEGA.- Dime.NENE.- ¡Tita Rita!RITA.- Dime bonito.

JULIA.- Cuando estaba en Bali de mochilera, haciendo surf, vi a un tiburón comerse a un presi-dente del gobierno.JULIO.- Ah, ya… qué interesante, sí. (silencio incómodo)JULIO.- ¿De un bocao?JULIA.- ¿Cómo?JULIO.- Que si se lo comió de un bocao al presi-dente ése?JULIA.- Mmmm… de dos quizás.JULIO.- Ah, ya… qué interesante, sí.(silencio incómodo)JULIO.- ¿Estuviste mucho tiempo?JULIA.- ¿En…?JULIO.- En… ¿En donde me dijiste que estuviste?

TONI.- Me lo dijo mamá.ROBERTO.- No te fíes mucho de lo que diga mamá.TONI.- Dice que a veces le preguntaba cosas y que un día Bibiana le dijo que tenía una hija. Bue-no varias. Algunas aquí y otras en otras partes del mundo.

NENE.- ¿Tita Rita?RITA.- ¿Me lo quieres decir ya?NENE.- ¿Tita Rita, nunca te ha pasado que a veces te gustaría saber todo lo que piensan los demás?RITA.- No, nene, nunca. NENE.- ¿Tita Rita pero nunca te ha pasado que a veces te gustaría saber todo lo que piensan los demás DE TI?RITA.- No, nunca. NENE.- ¿Tita Rita pero nunca te ha pasado que a veces te gustaría saberlo TODO? RITA.- Oye, ¿por qué no te vas a darle un beso a tu abuela?NENE.- ¿Y por qué no se lo das tú, Tita Rita?

TONI.- Otra que vivía en Portugal. Ah, y un bebé en su país también.ROBERTO.- Pero si nos dijo que hacía años que no iba. ¿De dónde se saca ahora un bebé? TONI.- No sé, eso fue lo que me dijo mamá.ROBERTO.- A ver si es que lo tenía escondido en la habitación…TONI.- Tenemos un follón encima de mucho cuidado.ROBERTO.- De todas formas no te fíes mucho de

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lo que diga mamá, no tiene por qué ser verdad….TONI.- Lo único que sé que es verdad, es que hay una hija que es real y que quiere que le paguemos el funeral. Eso es lo único que sé. Más nos vale tenerla contenta.

NENA.- ¿Y caca?PATY.- No, no, caca no. Vamos a ver, digamos que la placenta es como una especie como de… filete rugoso… separado del… intestino grueso y del recto, y luego ya de la placenta pues... pues sale como una bolsa-NENA.- ¿Una bolsa?, ¿de plástico?PATY.- No, no, una bolsa…a ver es la bolsa que envuelve al bebé cuando está dentro del útero. Digamos que la caca sale por otro conducto dis-tinto a por donde sale la placenta o…la regla.NENA.- ¿¿¿La regla??? Pero, ¿por dónde sale la regla?

JULIA.- También me dijeron que se habían comido a una modelo. Un tiburón. No, fue un cocodrilo. Fue muy fuerte. Estaba en la orilla y zas, se lanzó y se la comió. Hicieron muchísimos homenajes por las calles. JULIO.- Ah, ya… entiendo.(silencio incómodo)JULIO.- ¿De dos bocaos también se la comió…?JULIA.- No, no, no. De uno.JULIO.- Ya...(silencio incómodo)JULIO.- Nunca he estado en Bali.JULIA.- ¿Nooooo?JULIO.- No. Nunca. No me gustan esas excentri-cidades.

TONI.- 11, 12, 15 años… ¡Y un bebé! ¿Sabes cuántas pensiones de orfandad son eso?ROBERTO.- ¿Te quieres relajar? Que me estás poniendo a mí nervioso.TONI.- En esta familia, somos unos…irrespon-sables. ROBERTO.- No seas exagerado, Toni. No va a pasar nada, ¿me oyes?TONI.- …ROBERTO.- Como sigas así, vas a acabar como Bibiana.

NENA.-Yo tengo placenta ¿lo sabíais? VEGA.- Lo podíamos intuir.

NENA.- ¿Sabes lo que me gustaría ser de mayor, tita? Regeneradora de placentas.VEGA.- Mira, lo mejor que puedes hacer en la vida es no tener hijos. Bueno, eso y dedicarte a limpiar la encimera de tu casa. Verás la satisfac-ción. Mucho más reconfortante que todo. Deja de soñar, ensucia la encimara y pasa la bayeta. CELINE.- ¿Quieres dejar de decirle eso a la niña?VEGA.- Ay coño, el feminismo…CELINE.- No me jodas todo el trabajo en casa, por Dios. VEGA.- Es la realidad, Celine. No me vengas con gilipolleces. Y no le digo que mezcle lejía y amoníaco porque es tu hija que si fuera la mía, le ponía la mezcla para desayunar.

JULIO.- Como España no hay nada. JULIA.- Ya...JULIO.- El sol, la gente, las tapas. Me gusta España.

Quirófano

La propia autora dirige esta cena fami-liar con un elenco de 8 intérpretes entre los que están Marisol Rolandi, Mireya Arauzo, Pilar Matas, Manuel Milán o Verónica Ronda.

Teatro María Guerrero. Del 14 al 23 de diciembre y del 1 al 13 de enero

Tras agotar todas las entradas en su estreno el pasado mes de abril, Future Lovers, lo último de La tristura, vuelve porque el interrogante que deja en el aire la pieza sobre el futuro que vendrá y sus protagonistas no puede ser más conveniente. Esta invitación a mirarse en un grupo de chavales de 18 años está anclada en una preocupación por la memoria de lo que fuimos. Pensar de dónde venimos para sentir dónde estaremos. Con sus dos últimas piezas, CINE y Future Lovers, La tristura alcanza una sólida madurez creativa, por muy frágiles que nos sigan pareciendo sus obras. Es parte de su poética. Tras la revolución que supuso Materia prima, la compañía entró en un proceso de revi-sión y reformulación de su lugar y su destino en el terreno de lo escénico y el fruto de aquella tormenta interna no puede ser más satisfactorio para los espectadores. Hoy son punta de lan-za de una generación de creadores genuinos, que saben dónde están pero que se permiten una libertad sobre el escenario arriesgada aunque tremendamente estimulante. Riesgo

y libertad son, al fin y al cabo, los pilares sobre los que se sostiene Future Lovers, una ventana abierta a la vida de seis jóvenes que surfean la bisagra vital que son los 18 años. Millenials que manejan un cargamento de información como el que no había manejado ninguna generación anterior. El reto está en la aprehensión de una capacidad crítica para discernir lo útil de lo inútil, aunque esta obra está muy lejos de que-rer ser educativa; es más bien contemplativa, es detenerse a ver qué pasa en esos cuerpos y esas mentes con toda esa información que manejan. Entre realidad y ficción, La tristura nos invita a mirar a unos adolescentes sin aprioris-mos, sin prejuicios ni posjuicios. Dejarlos ser en escena como son en un botellón, pero botellón intervenido poéticamente.

Botellón intervenido poéticamente

FUTURE LOVERSTeatros del CanalDel 12 al 16 de diciembre

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estrenos

Regresa a la cartelera esta obra que ya pudimos ver la temporada pasada en este mismo esce-nario. Si es siempre recomendable acudir a los clásicos, mucho más es recurrir de nuevo a las buenas versiones que se hacen de ellos, como esta de Alfredo Sanzol sobre el texto original de Lope de Vega. Ya la temporada pasada arrasa-ron y agotaron localidades en cada puesta en escena, así que ahora nos brindan la oportuni-dad de estar más rápidos y poder coger entrada (los y las que se quedaron sin verla) o repetir visualización para volver a disfrutar de una ver-sión refrescante, contemporánea y cautivadora. Uno de esos ejercicios brillantes y necesarios en nuestro teatro (solo al alcance de maestros como Sanzol) que moderniza versiones de obras del Siglo de Oro, haciéndolas mucho más asequi-bles y atractivas para los espectadores de hoy, pero sin perder de vista el mensaje que subyace en el texto original. Un mensaje feminista muy necesario en los tiempos que corren.Lope de Vega escribió esta obra en plena madurez creadora (1613). Dos hermanas, Finea y Nise, son víctimas del machismo imperante en el reino. Por ello una decide escribir para expresar su odio y la otra se hace la tonta. Un

amor en común hará que se enfrenten entre ellas. Se trata de una comedia que pretende resaltar la inteligencia de la mujer frente a la visión machista que todo lo reduce y lo obstruye. Finea, la dama a la que alude el título de la obra, es una joven cuya inteligencia despertará cuando conozca el amor. A través del poder milagroso del amor se logra el entendimiento. Las dos hermanas representan la dificultad de la mujer para ser reconocida y reconocerse en su condición de ser humano. Pero ambas, utilizando su gran inte-ligencia, serán capaces de lograr sus objetivos. Las dos eligen el camino de su felicidad desde su libertad y consciencia.A todo esto, las representaciones corren a cargo de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. Las Iwasaki, De la Rosa, Alonso de Santos, Yebra, Bayona, Amor, Herrera... jóvenes actrices y actores que, por el trabajo que vienen haciendo, ya merece la pena pagar una entrada por verlos. S. Díaz

La mirada femenina de Alfredo Sanzol

LA DAMA BOBATeatro de la ComediaDel 18 de diciembre al 3 de febrero

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FOTOS: MarcosGpunto

Hace tiempo que decidí no escuchar, ni ver, ni discutir. Hace tiempo que ya no creo. Asisto atónito a cómo se pervierten las palabras, cómo se rapta el mensaje, cómo se adoctrina sin aportar, cómo nadie está dispuesto a cambiar de opinión tras un razonamiento lógico. Es la ley del mer-cado... de los medios de comunicación. Desde todos los ámbitos han secuestrado el lenguaje para que signifique lo que ellos quieren que signifique. Y nosotros les creemos, a pies juntillas, sin ir más allá. Y como nosotros también somos el lenguaje somos, por tanto, igual de culpables.Y es que el lenguaje fue el que llevó a la cárcel durante 13 años, 7 meses y 10 días a Vicente Arlandis Ruiz, un hombre ino-cente que de repente acabó en prisión de un día para otro. Su hijo, Vicente Arlandis Recuerda decidió emprender un proyecto para contar la historia de su padre a través de una novela y una obra de teatro. Este proyecto se llama Sumario 3/94. Y es un proyecto ‘no creativo’, no ficcionado, no imaginado. Es muy real y muy vivido -y sufrido-. Esta obra de teatro documental sirve para contar cómo se desarrollaron las cosas. Contarlo de verdad, no lo que nos contaron que le contaron que le habían contado. De verdad porque está escrito y registrado en un sumario que recoge las conversaciones y testimonios de todos aquellos que estuvieron impli-cados en el caso. Un auténtico sainete de rumores y chismorreos que fueron el germen de todo, el pequeño hilo con el que policía, agentes judiciales, fiscales y jueces hicieron una gran madeja que aca-bó con los huesos de Vicente Ruiz en la cárcel acusado de asesinato. El parloteo vecinal, ese del que en este país somos expertos, fue más fuerte que las pruebas o los datos fehacientes.

En escena estarán Vicente Arlandis Ruiz, su mujer Dolores Recuerda y su hijo Vicente Arlandis Re-cuerda. Una familia que se rompió por un mal uso de una maravillosa herramienta como es el lengua-je y que ahora, gracias a esa misma herramienta, han conseguido vencer, porque en vez de utilizarla para agredir o calumniar, la utilizan para enseñar, para unir y para tratar de ayudar a una sociedad profundamente enferma: Papagayos acríticos que repetimos las cosas que nos llegan sin buscar el verdadero significado de las palabras. Sergio Díaz

La dimensión narrativa de la justicia

SUMARIO 3/94Teatro Conde Duque7 y 8 de diciembre

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El sumario, en manos de Arlandis desde el verano de 2016.

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Besugo por las paredes es un monólogo absur-do, como la vida. Como dice la intérprete, Diana Lázaro: “Hablemos claro, la vida es una estafa, una chapuza monumental, un desastre, y el ser humano es un tarado que se cree que puede ser feliz, en fin, lo dejo que me caliento. Total, que este monólogo muestra todo este sinsentido superbién”.Diana (la inolvidable Cybercelia) se ha puesto a escribir su primera obra teatral y le ha salido esta historia cruda sobre la estupidez humana, que ya de paso interpreta ella misma (que lo hace muy bien y es más barato). La actriz saldrá al escenario muy mona vestida, porque si no dice que no sale. Y de color rosa porque habla de cosas ‘heavies’ y eso necesita un poco de alegría. De rosa fuerte, nada de rosa pastel que entonces tampoco sale...

BESUGO POR LAS PAREDESTeatro LaraHasta el 16 de enero

Manos creadoras

Vuelve a Madrid esta obra que fue la co-ganado-ra del I Certamen Nacional de Artes Escénicas organizado el pasado verano por los Teatros Luchana. Se trata de una obra muy especial ésta que ha creado la Compañía de Teatro Más. Des-de la Fundación Jesús Abandonado, un referente de solidaridad y compromiso en Murcia, se po-nen en contacto con Pepe Galera, el director de este montaje, y le trasladan una inquietud que él mismo nos cuenta: “me preguntaron si el teatro podría proporcionar herramientas a las personas con las que trabaja la Fundación, personas sin hogar y vulnerables”. Y a raíz de ahí surgió este espectáculo teatral inclusivo compuesto por seis personas sin hogar, tres actores y un niño. Es un trabajo que nos va a remover, que nos hará viajar hacia lo más profundo de nuestras emocio-nes, esas que nos hacen avanzar -como la es-peranza-, o aquellas que nos hacen detenernos -como es el miedo-. Emociones profundas que son las que compartimos los seres humanos, da igual nuestro sexo o nuestra condición social. Para responder a esa pregunta que le hicieron a Pepe Galera sobre la utilidad del teatro, su respuesta es que “todos los actores y actrices cobran por su trabajo realizado y a las personas que reciben ayuda de la Fundación se les ha creado una libreta de ahorro para que todo el dinero que ganen en las funciones lo puedan destinar a su alquiler, a su comida...”. Así que sí, cuando muchas veces pensamos en que esto que hacemos no sirve para nada, aparecen ejemplos de que el teatro sí que merece la pena. Que quizá no ayude a cambiar profundamente tu vida, pero que pueda hacer que ésta sea un poco mejor (ya sea económicamente, espiritual-mente, mentalmente...). La función se articula en torno a una postal que un niño encuentra y cuyo mensaje es: “Ven, te necesito”. Si a ti te pasara lo mismo ¿qué harías? ¿irías a prestar ayuda? Afortunadamente en la vida siguen quedando niños y niñas soñadores y lugares como la Fundación Jesús Abandonado que prestan ayuda sin preguntar quién eres o de dónde vienes... S. Díaz y Ka Penichet

Los miedos comunes

POSTALES PARA UN NIÑOTeatros Luchana22, 23 y 30 de diciembre

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Michel Marc Bouchard es uno de los autores con-temporáneos más importantes y más prolíficos de Canadá. Suya es esta obra divertida, dura, áspera, tierna, delicada y terrible que explora las conse-cuencias en la edad adulta de la homofobia sufrida durante la adolescencia y los años de formación de la personalidad cuando más vulnerables somos. Con una sensibilidad extraordinaria, el autor des-pliega cierta carga de denuncia social (la homofo-bia y sus consecuencias) y nos sumerge en la com-pleja maraña que nos atrapa cuando nos alejamos de la verdad. Es un thriller psicosexual donde el drama del homosexual rechazado y humillado es tan solo la puerta a otros temas principales como el dolor de la pérdida repentina, la mentira como for-ma de supervivencia y como forma de amar y vivir, la búsqueda pertinaz del amor incondicional, y la desesperada necesidad de encontrar respuestas.

Llega al teatro la versión de Harry Potter que estabas esperando, lo que de verdad ocurría en Hogwarts y no nos quisieron mostrar, una parodia magicómica no autorizada sobre los magos Jarry, Ronaldo y Herminia, que entraron en el colegio de magia y hechicería gracias a cursar un máster en la Juan Carlos I. El Gran Despipote es una mágica pa-rodia sobre tres magos: Jarry, Ronaldo y Herminia. La verdad de sus vidas al descubierto. ¿Jarry nació en Móstoles? ¿Ronaldo fue niño de Juan y Medio? ¿Es Herminia su verdadero nombre? Ángel Martín, Jaime Figueroa y Cristina Medina darán vida a estos magos que lo más cerca que han estado de una varita es de las varitas de pescado de Findus. ¡Sí amigos, sí, el casting lo hizo Bordemor! El espectá-culo cuenta con guión de JJ. Vaquero, y dirección artística y diseño de magia de Jorge Blass... mucho humor y mucha jeta es lo que tienen todos éstos.

TOM EN LA GRANJATeatro Fernán GómezHasta el 16 de diciembre

EL GRAN DESPIPOTETeatro Capitol Gran VíaDel 6 de diciembre al 6 de enero

Thriller psicosexual

La verdad sobre Hogwarts

por Jorge Gª Palomo / @jorgegpalomo

cómicos

¿Cómo te definirías?Boto es un cómico directo, lleno de energía y buen ojo para la improvisación. No entiende la vida sin la sonrisa diaria y mi pasión por la come-dia surge de mis primeras actuaciones en una compañía de teatro amateur llamada Albaquías, en Getafe.

¿Qué te traes entre manos, que estamos ansiosos por consultar la genealogía cómica madrileña? Estamos en plena Gran Vía, en el Palacio de la Prensa de Madrid, con la obra teatral 8 Apellidos Madrileños.

Ahora que no nos oyen, ¿cómo son tus com-pañeros de reparto?Creo que tuvimos mucha suerte al poder elegir, de entre casi 300 personas que se presentaron al casting, a unas actrices y unos actores de lo más versátiles para lidiar con la comedia coti-diana, capaces de salir airosos en los momentos

que haya que improvisar con el público, que los habrá; y muchos. Un descubrimiento todos ellos: Carmen Santamaría, Óskar Redondo, Patricia Domínguez, María Alarcón, Juan Diego Bueno, Paula Martínez y el músico Víctor Bueno. Y de Carles Castillo tendría que hacer un monográfico para describirle, pero seré breve: grande y único.

¿Vivimos buenos tiempos para el humor, pese a los ofendidos del planeta? Sí, siempre son buenos momentos para el humor, aunque tengas que ir de puntillas en algunos temas y no mojarte en otros para que no te sal-piquen esas opiniones ‘a flor de piel’ que parece que están a la orden del día. Creo que son las cosas de las redes sociales. Dejan opinar a to-dos sobre todo; y sin perjuicio para el que opina.

El humor para ti es... Una forma de entender el día a día. Acercar a la gente dando igual su cultura, religión o procedencia. Es saber reírte de ti mismo ante

“Yo no soy de ver el vaso medio lleno o medio vacío. Soy de beberme el vaso”

Jose Boto

Comenzó como cómico profesional en 1999, de modo que más que tablas tiene tarima flotante. Jose Boto es un artista de raza, un currante y un tipo inquieto. No concibe la vida sin sentido del humor y ase-gura que, más que hacerse cómico, fue el cómico el que se hizo con él… Podéis verle en la cartelera en 8 Apellidos Madrileños. Id a reír y a disfrutar. Dejaos contagiar por la frescura de quien va por la vida, como

confiesa el invitado en este test tan molón, con una sonrisa dibujada en la cara. ¡Bienvenido a Godot!

Periodista en diferentes medios, propone un test ameno para cómicos de aquí y allá, gente lúcida que reivindica la risa como arma de construcción masiva.

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la situación más disparatada y, sobre todo, contagiar esa frescura que siempre tiene la persona que va por la vida con una sonrisa dibujada en la cara.

El teatro y la cultura son...Asignaturas pendientes para muchos y la mejor manera de contar y cantar las cosas para otros. Si acudiéramos más al teatro y nos acercára-mos más a la cultura en general, despegára-mos los ojos del móvil, dejásemos a un lado tanta telebasura y consumiéramos vida, nos iría mejor en este maravilloso país lleno de gente maravillosa. Yo doy cada día las gracias por la vida que llevo.

Tu tema infalible para arrancar carcajadas...Hablar de mi abuela, mi heroína. A sus 97 años va de moderna y aún vive con mis pa-dres, no se quiere independizar. (Risas).

¿Cómo recuerdas tu primera vez... en escena? Fue haciendo un relato de Mario Benedetti y lo recuerdo con cariño. Era un relato que tocaba la fibra, lleno de nostalgia, que hablaba sobre los exiliados. Recuerdo que estaba dentro de un Centro Comercial y, de vez en cuando, en mitad de mi relato, con el silencio y la emoción

creada, se oía por la megafonía del Alcam-po: “Hoy en nuestra sección de embutidos tenemos el kilo de longaniza a tan solo 50 pesetas”. (Risas). Eso sí que era emotivo: las pesetas.

Un momento inolvidable de tu vida fuera de los escenarios...Me hicieron una entrevista para ser durante dos etapas speaker en el Tour de Francia, dos etapas que pasaban por Cataluña. Y me preguntaron si sabía hablar catalán: yo, con toda mi cara, dije que más o menos, que me sabía de memoria la alineación del Barcelona y el himno y si eso les servía yo era su hombre; y así fue, me contrataron y disfruté de mis dos pasiones: la comedia y la bici.

Un mensaje a los lectores de Godot y tea-treros del mundo, ávidos de cultura, sexo salvaje, risas y espectáculos...Que hagan todo eso pero por orden: no quisiéramos ver cómo practican sexo mientras disfrutan del teatro. Hay tiempo para todo… o no. Esta vida va muy rápido y no te permite muchas dudas: haz cosas, pero hazlas; no las pienses y las pospongas. Yo no soy de ver el vaso ni medio lleno ni medio vacío: yo soy de beberme lo que haya en ese vaso.

por Jorge Gª Palomo / @jorgegpalomo

Puedes leer la entrevista completa en www.revistagodot.com

teatro y política

por Álvaro Vicente

Polonia está en un momento especialmente convulso en lo político, con la ultradere-cha en el poder. ¿Es más difícil trabajar en libertad ahora mismo allí para alguien que se dedica al teatro?El gobierno actual ha dejado un paisaje cultu-ral totalmente devastado. Y no se trata solo de la cultura, podemos hacerlo extensible a otras esferas de la vida. Lo que ocurre en Polonia es realmente aterrador y muchas veces nos hace recordar lo que pasó en Alemania en los años 30 del siglo pasado. Los teatros están en su mayoría financiados con dinero público, así que era fácil para el gobierno destruir la vida cultural. Por suerte, la financiación depende en gran medida de los gobiernos municipales y en Varsovia gobierna el partido que es oposi-ción en la nación, con lo que toda la actividad teatral interesante o libre transcurre en Varso-via. Allí es fácil sentirse libre todavía, pero no sucede igual en Wroclaw o en Cracovia, con lo que es difícil sentirse libre en general en un país que está virando tan claramente hacia el fascismo y nos sentimos permanentemente obligados a tomar partido, a expresar nuestras opiniones sobre este conflicto.

¿Todo esto tiene que ver con que te hayas ido a trabajar a Lituania? ¿Hay algo de exilio?Sí, sí, esto está claramente vinculado a la des-trucción del teatro en Polonia, concretamente al Teatro Narodowy Stary de Cracovia, que es donde yo venía trabajando. Por suerte, justo cuando perdí la oportunidad de poder hacer Lokis allí, me propusieron hacerlo en Lituania. A mí no me apetece nada hacer teatro político, por eso me alegré tanto con la opción de poder hacer esta obra en Lituania, allí estoy a gusto con que no se espere de mí que haga un teatro político, porque no sabría lo que decir en una obra de teatro político.

¿Qué entiendes por teatro político? Porque en Lokis hay elementos políticos...Claro, en cierto sentido todo es político, y Lo-kis tiene evidentemente ingredientes políticos, pero me refiero a ese teatro que interviene o dialoga de alguna forma directa con la políti-ca actual, real. En Polonia lo que observo es que se espera de nosotros que hagamos un determinado tipo de teatro político y la gente viene al teatro para eso, para ver confirmadas

“Es muy difícil sentirse libre en un país que está virando claramente hacia el fascismo”

El 2 de diciembre se cerraba una controvertida edición del Festival de Otoño con Lokis, obra que mezcla historias y lenguajes, realidad y ficción, a cargo de una nueva e interesante figura del

teatro europeo, crecido a la sombra del maestro Krystian Lupa, del que ha sido asistente 10 años.

Łukasz Twarkowski

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Con la colaboración de

sus ideas que ya traen preconcebidas, y para que después del espectáculo podamos dar-nos unos golpecitos en la espalda los unos a los otros y decirnos: “qué bien, pensamos lo mismo”.

O sea, el teatro como acto político en sí al servicio de unos intereses concretos, casi como un mitin.Sí, y yo creo que el teatro tiene muchas y mayores posibilidades y lo que estamos inten-tando hacer con nuestro teatro es que no se quede en la mera reflexión. Creo que llevamos un tiempo haciendo un teatro demasiado intelectual y a mí me gusta hacer un teatro que se pueda experimentar, que se pueda sentir, y que sea eso lo que te lleve luego a reflexionar.

¿Le falta emoción a ese teatro intelectualiza-do del que hablas?Es un teatro que no deja que los espectadores sientan la emoción. En cierta manera, venera-mos el teatro y le permitimos esa imperfección. Lo que se exige a otras artes, al teatro se le perdona, salvo algunos ejemplos, claro, no quiero generalizar, pero mucha gente puede

tragar con que un teatro como obra de arte esté hecho un poco peor porque es teatro. A menudo oigo: “no has tenido experiencias tan fuertes, no lo has sentido tanto, porque solo has visto teatro”. Ya basta. Hay que hacer tea-tro de tal forma que sea un espectáculo y una obra de arte a la que no le falte nada.

¿Es por esto que tú utilizas en tu teatro diversos códigos y diversos lenguajes, com-binando lo audiovisual con lo teatral, con lo plástico también? ¿Es así como crees que puede abrazarse más al público?El teatro siempre ha sido una combinación, una fusión de diversas artes, siempre ha sido un ser híbrido, en diferentes proporciones. Pero además de esta combinación de las ar-tes, está también la cuestión de las estrategias a la hora de relacionarte con el espectador. En el teatro contemporáneo estamos negociando y renegociando continuamente esa relación con el espectador.

Sobre Lokis: www.madrid.org/fo/2018/lokis.html


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Con la colaboración de

FOTO: D. Matvejev

por Álvaro Vicente

libros

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Recogiendo la tradición de Mariano José de Larra, el crítico José-Mi-guel Vila -también periodista y escritor-, reúne en este libro más de un centenar de artículos publicados en Diario crítico, entre 2013 y 2017, que vienen a ser la continuación de sus Modas infames. Vila sigue dando al lector su particular y atinada visión de la realidad nacional e internacional de nuestros días en los más diversos aspectos (sociales, éticos, económicos, tecnológicos, políticos, culturales o judiciales…), con una mirada tan lúcida como indulgente y tan ácida como humo-rística. Y todo ello con una indudable calidad literaria. Nieves Martínez de Olcoz, profesora de la Facultad de Filología de la Universidad Complutense madrileña, y prologuista de este libro, dice de su autor que posee “una mirada lúcida y extraordinaria, un abrazo vertebral a la España invertebrada y, por tanto, un ejercicio del mejor espíritu regeneracionista y orteguiano en lo hondo del estanque dorado del pensamiento español…”. Del rey abajo, cualquiera -afirma-, “es la can-ción de un juglar contemporáneo, inmerso en la danza y el juego opaco de nuestra sociedad, decidido a devolvernos lo mejor de ella”. El libro ha sido editado con el apoyo de la Organización Nacional de Ciegos Españoles (ONCE), a través de su fondo de ayudas culturales, en la editorial Lince Hispano, en donde inaugura nueva colección.

La autoficción como concepto empezó a usarse en los años 70, pero antes de que Serge Doubrovsky le diera nombre, sabemos que se hace autoficción casi desde que se hace ficción. Eso es lo que nos cuenta Sergio Blanco, dramaturgo y director franco-uruguayo que, además de practicar la autoficción en sus obras, ha pensado sobre ella, comparte sus reflexiones y des-cubrimientos en sus talleres y sus clases universitarias, y ahora lo vuelca todo en este libro, que ahonda en ese pacto de men-tira que es la autoficción en contraposición al pacto de verdad que es la autobiografía. No es habitual encontrar a un creador que nos desvele su propia escritura del yo, la ingeniería que sostiene su poética propia, pero la generosidad y la genialidad van en Blanco de la mano. Autor de obras como Tebas Land, La ira de Narciso, Ostia o El bramido de Düsseldorf, que hemos podido ver recientemente en el Teatro de La Abadía, Sergio Blanco entiende la autoficción como un cruce de relatos reales y ficticios. Este libro es fruto de una intensa investigación y es una suerte para sus admiradores, que se cuentan por miles en todo el mundo, disponerlo como herramienta.

DEL REY ABAJO, CUALQUIERA, DE JOSÉ MIGUEL VILA. Lince Hispano Editorial, 2018

AUTOFICCIÓN. INGENIERÍA DEL YO, DE SERGIO BLANCO. Punto de Vista Editores, 2018

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Los que amamos el teatro, guardamos una generosa porción de nuestro corazón para La Zaranda, la veterana compañía andaluza que nunca ha dejado que el tiempo los acomode y que siguen siendo vanguardia, más si cabe por su condición ya de venerables sabios de la escena. Su dramaturgo titular es Eusebio Calonge, que nos regala en este libro un compendio de Escritos de teatro en los márgenes, según reza el subtítulo. Así lo define él mismo: “Antes que una ráfaga de tiempo se los lleve, reúno aquí estos papeles sueltos. Como en los ensayos teatrales durante los que fueron escritos, estas reflexiones se mueven en la penumbra, en la espera de un acontecer, en la incertidumbre que es el palpitante camino a la obra. En un principio la trazada desde un esquema, proyectada desde nuestro pensamiento, en el que los implicados en la obra construyen según las posibilida-des escénicas de un texto. Existen para este construir metódico muchos sistemas coherentes y técnicas que desarrollan un control psicofísico, que según nuestra capacidad nos serán más o menos útiles para lograr una puesta en escena. El problema se plantea al confundir unos medios con un fin”.

José Monleón nos dejó un hueco irremplazable con su marcha hace dos años. Personalidad multifacética del teatro español, desde su tribuna de la revista Primer Acto nos agitaba cada tanto y nos daba nuevas razones para seguir pensando, nuevos ingredientes para seguir profundizando en el valor de la escena como adhesivo sociopolítico. Crítico, autor dramático, historia-dor, promotor teatral, director de festivales como Mérida o Ma-drid Sur, viajero y, como le definía otro valenciano ilustre, como él, Rodolf Sirera, “constructor de puentes”, Monleón impregnó con su personalidad, su coraje y su gratificante testarudez no pocos momentos de la historia reciente de nuestro teatro. Este volumen recoge algunos escritos de sus últimos 15 años, que incluyen conferencias y comunicaciones en congresos inéditas. Son textos relativamente recientes y tienen el valor de ofrecer reflexiones del autor decantadas por el paso de la Historia, tan-to la externa como la propia, profesional y personal. Una lectura para las “horas machadianas de la tarde”, que diría el propio Monleón, que se definía así mismo de joven como “agnóstico, judeo-español, moro, latinoamericano y mediterráneo.”

TEORÍA Y PRÁCTICA DE LO INCIERTO, DE EUSEBIO CALONGE. La pajarita de papel, 2018

JOSÉ MONLEÓN O EL ILUMINADOR DE SOMBRAS, DE ÁNGELA MONLEÓN Y JAIME MILLÁS. Academia AAEE 2018

por David Hinarejos

cine

Alberto San Juan se sentó un día a escribir una obra de teatro y tras mirar la historia, la política, las monarquías impuestas y las tran-siciones edulcoradas de España nació el texto de El Rey. Produci-da por el Teatro del Barrio y tras más de 200 funciones el equipo tras la obra decidió dar un paso adelante y convertirla en una pe-lícula, como ya hicieron con B, la película. Aquella, dirigida por Da-vid Ilundáin, también adaptaba un texto teatral (de Jordi Casanovas) que estrenó la sala de Lavapiés y fue protagonizada, como ocurre ahora, por los mismos actores en sus dos versiones. La dramati-zación de la comparecencia de Bárcenas ante el juez Pablo Ruz dio el salto a las pantallas gracias a una campaña de micromecenaz-go que financió la realización del film. Teatro del Barrio ha repetido la fórmula para llevar a la pantalla grande El rey y ha resultado un nuevo éxito consiguiendo 30.000 euros más del mínimo que requerían para llevarlo a cabo. Y esto es un dato importante en los tiempos que corren para sacar proyectos adelante, así que nos vamos a permitir la licencia de pensar que mucha gente está interesada en que esta Historia pueda disfrutarla y reflexionarla mucha más gente que la que la descubrió en el teatro. La película dirigida por Alberto San Juan y Valentín Álvarez nos sitúa en junio de 2014. El rey Don Juan Carlos (Luis Bermejo) abdica. Ante él irán pasando desde Carrero Blanco a Joaquín Garrigues Walker pasando por Salvador

Puig Antich Tejero, Suárez, Felipe González, Martín Villa y, por supuesto, Franco (todos ellos interpretados entre Guillermo Toledo y el propio San Juan). “Nos adentramos en la pesadilla de un Juan Carlos que en unos días, pasa de la cima de la Jefatura del Estado al sótano de sus recuerdos y es ahí donde recibe oníricas visitas que van construyendo su vida y, con ella, la de la España de los últimos 80 años”, explica San Juan. Una realidad-ficcionada, un relato basado en hechos reales, se mire como se mire lo que asegura el film es la polémica que suele acompañar a los textos que suelen salirse de la delgada y firme línea que marca la versión oficial de nuestra Historia reciente.

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EL REY. Estreno en cines 5 diciembre.

¿Una historia diferente?

en familia

Tras años ideando coreografías que se inspiraban en pinturas famosas, Enrique Cabrera (Buenos Aires, 1960) ahora gira el timón en Play, la nueva creación de Araca-ladanza, su compañía para público familiar, que tiene como punto de partida la actividad más caracterís-tica de los niños: jugar.La libertad, la diversión y la pasión de jugar simplemente para diver-tirse marca la tónica de este nuevo trabajo. “Play nace como un lienzo en blanco, sin mirada determina-da, sin inspiraciones concretas. El juego se construye con el propio juego, que respeta el universo poé-tico con el que siempre soñamos en Aracaladanza”, dicen sobre su nueva creación.Hasta los años noventa, y no solamente en España, lo que hoy conocemos como danza para pú-blico familiar no había encontrado arraigo ni desarrollo. Los espectá-culos para niños y niñas, princi-palmente teatrales, vivían como una rémora del circo y arrastraban las prácticas usuales del payaso tradicional, pero algo cambió y algunos profesionales de la danza comenzaron a tomarse muy en serio al público más pequeño.Enrique Cabrera, echando mano de su larga experiencia con títeres, lo cruzaba entonces con su interés por la danza, y en 1994 ponía a an-dar su compañía Aracaladanza con el claro objetivo de conquistar a las audiencias más pequeñas pero ambicionando también conmover y

convencer a los adultos. Lo fueron consiguiendo con propuestas imaginativas como Catalina y el cubo mágico (1995), Juana (1996), Maletas (2000), o ¡Nada… Nada! (2005). Pero la verdadera eclosión y el reconocimiento internacional del que hoy goza la compañía llegaron con una ingeniosa trilogía, en la que tomando como referencia el mundo de un pintor, desplegaba todo un universo lúdico y visual de danza. Pequeños paraísos (El Bos-co), Nubes (René Magritte) y Cons-telaciones (Miró), más Vuelos, una cuarta incursión para homenajear a Da Vinci, consolidaron definitiva-mente a esta agrupación artística que construye una verdadera obra de arte escénica en cada trabajo.

Jugando a no dejar de soñar

PLAYTeatros del CanalDel 28 de diciembre al 4 de enero

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en familia

El Teatro Fernán Gómez celebra el primer festival ‘Madrionetas, el arte del títere’, con espectáculos para el público familiar, para los más pequeños y una muestra de títeres para adultos. El teatro de títeres es un puente entre la ilusión y la realidad, en-tre la magia y la técnica, un maravilloso viaje en el que volvemos a recuperar esa inocente capacidad de soñar que se tiene cuando se es pequeño.En esta primera cita po-dremos disfrutar con 11 compañías españolas de las más reconocidas dentro del panorama escénico del títere: Mar-keliñe, La Tartana (1), Winged Cranes, El Retablo, Addaura, An-drés Beladiez, Gorakada (2), La Fauna, La Rous, La Maquiné (3) y Luna Teatro Danza, que ofrecerán 14 espectácu-los para un total de 51 representaciones.Además, durante el tiempo que dura este festival, La Sala de Exposiciones del Teatro Fernán Gómez acogerá una muestra gratuita que nos mostrará las técnicas más representativas, resaltando principalmente

la labor renovadora que llevaron a cabo compa-ñías y artistas titiriteros, rompiendo con los viejos esquemas e inaugurando una nueva vía dentro del teatro de títeres. La exposición abarca desde los años 50 hasta la actualidad, buscando ser interactiva y dinámica. El recorrido será cronológi-co, comenzando con la primera función, en 1956, de Francisco Peralta, se-guido de Gonzalo Cañas (1958), para dar paso a la siguiente generación de titiriteros: los andaluces Axioma Teatro con su pri-mera función en 1974, La Tartana Teatro (1977) y la Deliciosa Royala (1980). Por último, Gisela López (1996) y Miquel Gallar-do con su compañía Pelmànec (2000) cerrarán el recorrido. Comisariada por Juan Muñoz, miembro fundador hace más de cuarenta años de La Tar-tana Teatro, quien junto con su equipo contará la historia de los títeres durante estos años y al mismo tiempo rendirá un homenaje a los que les enseñaron el oficio y con los que han compartido escenarios en tantas ocasiones.

Un país de títeres

MADRIONETAS 2018Teatro Fernán GómezDel 13 de diciembre al 6 de enero

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en familia

Libuše Niklová creó los juguetes de plástico más queridos por los niños checos en los años 60 y el primero en testarlos en casa era su hijo Petr Nikl. Hoy, esos juguetes, son todo un símbolo del diseño de la época y su hijo, conver-tido en escritor de éxito, pintor, fotógrafo, músico y escenógrafo, es uno de los artistas más reconocidos de su país. Petr Nikl, inspirado por las obras literarias de Amos Comenio (creador en 1658 del primer libro ilustrado para niños de la historia, llamado Orbis pictus y de El laberinto del mundo y el paraíso del corazón), idea la exposición Orbis Pictus Play junto a Jiří Wald, Radana Waldova y otros artistas. En esta exhibición, cada una de las obras expuestas se presenta como un instrumento donde los movimientos cinéticos, la luz, las sombras y los sonidos son elementos con los que el visitan-te puede interactuar. Las piezas se instalan siempre de forma diferente en cada ciu-dad, dependiendo del

espacio de exposición, creando cada vez un conjunto artístico único. Y la muestra, cuyos ins-trumentos cobran vida solo después de que el espectador participe, se convierte en un espacio vivo para el juego ad-quiriendo otra extraordi-naria dimensión.“La exposición interac-tiva Orbis Pictus Play desarrolla el legado de Comenio y de todos aquellos que creen en el poder del deseo creativo en el cono-cimiento. El proyecto se concibe como un viaje, durante el cual los visitantes, tanto adultos como jóvenes, ponen en funcionamiento componentes móviles, visuales y de audio, tomando conciencia de su interacción y su participación como autores”, describe el propio Petr.Mostrada al público por primera vez en Paris en 2006, más de tres millo-nes de personas la han disfrutado y han podido comprobar cómo la in-teractividad y la espon-taneidad forman parte de un lenguaje universal que todos poseemos.

Espacio vivo para el juego

ORBIS PICTUS PLAYNaves MataderoDel 11 de diciembre al 6 de enero

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en familia

Decenas de miles de personas se reúnen cada año para celebrar las Navidades en el Price. Este año, el espectáculo de Navidad del Teatro Circo Price integra dos componentes nunca vistos hasta la fecha: el circo y el góspel. Un acontecimiento espectacular ins-pirado en Cuento de Navidad de Charles Dickens, con trepidante música en directo y un encuentro singular entre bravísimos artistas de circo, coreo-mapping y un bello despliegue visual sobre la pista del Price. La música del coro góspel no sólo apoyará algunas de las ejecuciones de los números circenses, sino que cobrará fuerza propia siendo un elemento más de la historia. Partiendo de la fábula de Dic-kens, esta propuesta incorpora un viaje guiado en el tiempo para propiciar un cambio en la vida del protagonista, Tristán, una persona que trabaja mucho y que siempre tiene obligaciones. Podría ser cualquiera de nosotros, adultos, ensimismados en las tareas del día a día. Nos reconocemos en sus gestos y en sus prisas. In-cluso en eso que le falta y que le roba el brillo en la mirada: Tristán ha perdido su alegría.Para ayudarle a retomarla contará con la ayuda de Cometa, una pequeña estrella– algo torpe que puede manipular el tiempo a su antojo, y Joy Corazón Alegre, un espíritu que sólo habla en pareado, y que se acompañará

de su séquito de cantantes de góspel para infundir alegría en el corazón de Tristán.¿Dónde está la alegría de Tristán? ¿Cuándo y por qué se perdió? ¿Cómo recuperarla? A través de la belleza de los números circenses, de la música y de las canciones, Tristán aprenderá a prestar atención a las personas y a las cosas pequeñas que pasan desapercibidas en su día a día.Viajarán al Pasado, volverán al Presente e incluso llegarán al Futuro con los maravillosos números de circo mientras Tristán recupera aquello que creía perdi-do: la alegría.

Cuento de Navidad a ritmo de góspel

CIRCO PRICE EN NAVIDADTeatro Circo PriceHasta el 6 de enero

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en familia

De la cía. MundiArtistas llega una nueva historia de siempre, contada como nunca. Bella es la única hija del librero del pueblo, deseosa de vivir aventu-ras como las que lee en sus cuentos favoritos y que ignora a su pretendiente Don, el galán trovador. Un día, su padre se pierde en el bosque mientras hace un encargo y termina en el castillo de la Bes-tia. Por arrancar una rosa de su jardín, que prometió llevarle a Bella, la criatura se enfada y condena a su padre a vivir esclavizado. Bella se siente culpable y decide tomar su lugar para vivir junto a la Bestia y a sus sirvientes... Así conocerá la verdadera personalidad de Bestia.

Pitusa y Peluso son una brujita y un brujito muy traviesos que solo piensan en practicar conjuros y pociones en la cocina de la Bruja Maruja. Esta les enseñara los secretos de este lugar tan terrorífico y una lección muy importante: Que la magia reside en uno mismo. María Gallardo es la autora y directora de esta obra cargada de ritmo, magia música y diversión. Enfocada para entretener a toda la familia además de enseñar valores como la amistad y el respeto. La obra, a través de sus rimas, pretende introducir en el teatro a los más pequeños de la casa, con el objeti-vo de que aprendan y se diviertan.

BELLA Y BESTIA, EL MUSICALTeatro MaravillasDomingos de diciembre

LA COCINA DE LA BRUJA MARUJATeatro Lagrada15, 16, 22 y 23 de diciembre

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en familia

El punto de partida de esta entrañable obra de Cuentistas Menudos, nos sitúa en una escena típicamente navideña: dos niñas son sorprendidas con regalos escondidos en enormes cajas. Los regalos no son más que objetos que se convertirán en extraordinarios, gracias a la imaginación de las protagonistas. Nos proponen un viaje mágico lleno de sonidos, emociones, palabras, colores, música y expresión, de la mano del impulso exploratorio de estas dos niñas y una reflexión sobre la esencia perdida de la época navideña, sustituida por un consumismo y materialismo desmedi-dos. De 0 a 6 años.

MundiArtistas ha realizado una versión para todos los públicos de este clásico inmortal en la que el Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León se convierten en personajes del s. XXI que no dejan de estar buscando en el maravilloso Mago de Oz aquello que más les falta. Siete canciones origina-les, una cuidadísima caracterización y una puesta en escena moderna y con un enfoque audiovisual que hará las delicias de toda la familia. Todo ello envuelto en una escenografía re-imaginada para celebrar esta nueva adaptación del texto de Lyman Frank Baum. Además, la obra cuenta con trucos de magia en directo.

CAJAS MÁGICASSala Tarambana28 y 29 de diciembre

EL MAGO DE OZ, EL MUSICALTeatro MaravillasDomingos de diciembre

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en familia

Una niña del siglo XIX sueña con ser reportera. Será la futura periodista Nellie Bly y nos narrará este viaje. Debido a una apuesta Phileas Fogg, un caballero inglés y su ayudante Parpartú, parten en un frenético viaje alrededor del mundo que deben realizar en no más de 80 días. El inspector Fix está convencido de que Fogg es un ladrón y hará peli-grar su objetivo. Pasan por diversos países donde vivirán apasionantes aventuras.

Gracias a este espectáculo dirigido e interpretado por Gerard Cluá, conoceremos a Flipo, el ayudante del gran mago Fetuchini. Cuando va empezar la fun-ción, el Mago Fetuchini no llega y Flipo, sin quererlo, se tiene que hacer cargo del show. En esta gran propuesta artística veremos cómo Flipo nos hace viajar por el mundo del clown, la pantomima y sobre todo, de la magia, divirtiendo a pequeños y mayores en un espectáculo teatral para toda la familia.

La compañía de Belen Mendonca nos ofrece la historia de una extraterrestre muy guay, que vuelve a la tierra a cumplir una súper misión: ¡Recuperar el verdadero valor de la navidad! Para eso necesi-tara la ayuda de sus tres amigos (interpretados por Alex Postigo, Lucia Collini y Mark Lynx). Juntos, vi-virán una aventura llena de alegría, ternura, música y diversión. Un plan muy bonito para compartir en familia. Recomendado de 6 a 9 años.

LA VUELTA AL MUNDO EN 80 DÍASPlot Point23 y 30 de diciembre. 3 y 4 de enero.

FLIPOMAGIALa Escalera de JacobSábados y domingos de diciembre

REBELIUS EN, UNA NAVIDAD DIFERENTEBululú2120Sábados y domingos de diciembre

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LA PER EZA€¦ · ELOGIO DE LA PER EZA Texto y dirección Gianina Cărbunariu 21 noviembre — 16...

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