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Departamento de Arte, Diseño y Arquitectura
Diseño y Comunicación
“Principales síntomas y causas de disfunción del diseño
gráfico como técnica de comunicación”.
María Artasánchez
Lizbeth Rodríguez
Profesora: Ivette Rivera
Principales síntomas y causas de disfunción del diseño gráfico como técnica de comunicación.
Los síntomas de una disfunciónSe estudian las seis situaciones principales para saber que hay una disfunción
en cuanto al diseño gráfico (tanto en la enseñanza como en la practica):
El incorrecto punto de vista del diseñador gráfico.
Desigualdad en los servicios de diseño gráfico.
No seguir el proceso formal del diseño.
La validez que se le da a lo aprendido en la práctica del diseño, no mediada
por un proceso teórico.
No estar informado de teoría para aplicarse en el desarrollo del diseño.
Mala enseñanza en la profesión.
El incorrecto punto de vista del diseñador gráfico.La comunicación social de las últimas décadas ha impulsado la demanda de la
profesión y actualmente las organizaciones que desempeñan cierta actividad
necesitan departamentos internos de diseño gráfico, aunque la mayoría de los
usuarios reales no comprende claramente lo que abarca el diseño, haciendo que
no se denomine correctamente la profesión. Ejemplos de esto son concursos de
servicios de diseño gráfico en los que participan personas ajenas al diseño.
Desigualdad en los servicios de diseño gráfico.Por lo general, las aptitudes adquiridas en el transcurso de la carrera, son
mayormente cualidades propias que aprendidas en la misma.
La diferente formación de los profesionales ayuda a generar una oferta
diversa en calidad y modalidad. El hecho de que la carrera no esté regida por
niveles y especialidades comunes, permite que los diseñadores con preparación
de distinto nivel, sean vistos iguales como profesionales.
Al tener un título en cierta especialización, los profesionales se sienten
limitados a trabajar con distintos tipos de demanda. Los errores en la
convocatoria se repiten en la asistencia, evidenciando los conflictos de identidad
de la disciplina.
La diferencia en las fases de oferta y demanda de servicios de diseño.La calidad de un servicio en diseño gráfico se mide en base a que cumpla sus
funciones especificadas.
Sabiendo eso, se afirma que la práctica profesional del diseño gráfico se exige el
aumento de los niveles laborales en los que se encuentre el profesional.
En los sectores punteros de la demanda de servicios, que están en
desarrollo, las necesidades superan las capacidades del ámbito profesional.
Este desfase es debido al incremento del nivel de presentación, exigido
por las condiciones del tema: por el aumento y la saturación de la comunicación.
Los profesionales tienen que enfrentarse a un crecimiento de la materia y a una
demanda cada vez mas lenta, que requiere mas recursos y dominación de los
matices.
No seguir el proceso formal del diseño.En cada caso es diferente el peso del hecho comunicacional, su importancia no
se basa en el diseño, sino en el diagnóstico y programa.
En momentos para resolver algún problema, se utilizan los conocimientos
empíricos, obtenidos antes de cursar la carrera, predominando en estos
conocimientos la tendencia a priorizar los componentes formales de la obra o
cualidades artísticas. Este hecho de darle prioridad a sus componentes
formales, sigue existiendo aun después de haber sido históricamente criticado.
La validez que se le dan a lo aprendido en la práctica del diseño, no mediada por un proceso teórico.Basado en la falta de creatividad, conocida como insight, y de resolver los
problemas con la primer opción de la mente o capacidad de intuición,
desechando el uso de los conocimientos teóricos de la materia. Esto hace que la
creatividad, realice respuestas únicamente en específico para el problema que
se trató y que no sea una solución general que pueda aplicarse a otros casos.
No estar informado de teoría para aplicarse en el desarrollo del diseño.Una tendencia que se da de manera espontánea, sin caprichos, y estructural,
postergando indefinidamente desarrollar el conocimiento de la teoría y su
aumento de conocimiento. En pocas palabras el diseñador realiza la práctica sin
aplicar la teoría, haciendo que no desarrolle su conocimiento teórico.
Esto se demuestra antes en lo académico que en la propia práctica
profesional. Los productos bajo esta tendencia se expresan con gran libertad del
diseñador, sin argumentos racionales.
Mala enseñanza de la profesión.El hecho de que los estudios estén en una reformulación permanente , sin un
avance real en la materia. Una manera para reconocer esta, es el enfoque
parcial o explicación sin profundidad de quien imparte la clase. Esto hace que el
enfoque que se tome de la materia no sea gracias a la especialización o
alternativas culturales, sino de el material o conocimiento que dio el docente.
Una conjeturaEstas características muestran una disfunción en la formación porque limitan la
eficacia en la práctica de la profesión.
Se consideran estructurales porque se presentan universalmente en la profesión
y aun existen, a pesar de la argumentación racional y son consideradas como
posiciones ideológicas alternativas conocidas como “Corrientes internas del
Diseño”. Estos síntomas son de origen social y no académico, gracias a esto se
ahonda un poco mas en las características de esa formación cultural y las
causas de su fuerza sobre el diseño.
II. La composición por distintos aspectos de los modelos de la producción gráfica.Gracias a la comunicación visual, se ha ampliado las manifestaciones de la
comunicación gráfica. Como en otras materias en cuanto a lo cultural, en la
evolución de la gráfica no predominan los procesos de sustitución sino los de
acumulación.
Si se hablara de un catálogo de las manifestaciones de la comunicación
gráfica contemporánea se exhibiría un universo muy complejo y diverso, como
para dar un criterio clasificatorio, ya que en la búsqueda de este criterio se vería
que esta variedad en el campo se observa en múltiples planos de análisis del
hecho gráfico y en varias formas de combinación. Los campos citados son: el
temático, el metodológico y el cultural.
La homogeneidad (diversidad) temática (los puntos o temas que se tratan para llevar a cabo el diseño).El universo gráfico puede ser desde manuscrito hasta computacional, sin
cambiar de nombre, pues son piezas gráficas.
Ese universo disminuye un poco si se habla de procesos previos de diseño en
sentido amplio, e incluye piezas de muy distinta naturaleza y función
(heterogeneidad). Según como se utilice el universo de lo gráfico, se varía el
grado de prioridad de todos los elementos que intervienen en este, esto es
válido para todos los campos de diseño, por ejemplo: no es lo mismo diseñar
una boutique que un aeropuerto.
Estas diferencias no son por qué tan importante o grande sea el tema,
sino por el grado de cuanto detalle de diseño necesita y de la prioridad de lo que
necesita en cada caso.
En cuanto al Diseño Gráfico se habla de una heterogeneidad (variedad)
en los modos de significación y comunicación de los distintos hechos gráficos,
con la respectiva variedad de funciones y prioridades.
La homogeneidad metodológica (de los métodos de publicidad que van cambiando hasta llegar a ser hechos por el diseño gráfico).A pesar de la expansión de la industrialización de los procesos de producción y
consumo de los mensajes gráficos, el Diseño Gráfico sigue siendo un ámbito
parcial de la producción gráfica.
El diseño como definición de las características de una producción
industrial, va desde una artesanía industrial, hasta formas de planificación muy
sofisticada. Los campos de esas modalidades del Diseño son muy extensos y
variados; estas extensiones van variando en el tiempo, pues se muestras
avances entre ellos: un programa que antes era tomado como profesional, ahora
se cambia por uno mas especializado, como el caso de los programas de
identidad corporativa que antes eran encargados a agencias de publicidad, y
actualmente se concentran en el diseño gráfico.
La heterogeneidad cultural (variaciones en los diseñadores).Lo que pasa con el objeto ( el tema o temática), y el método, también pasa con
el diseño. Por ejemplo, no es lo mismo un perfil de estilista o decorador, que el
perfil de un diseñador de carácter estrictamente restringido o limitado a su
trabajo.
Se diferencia cada perfil del otro, en cuanto a determinado tipo de inscripción
cultural, en el que cada individuo se identifica con otro grupo específico de
individuos inconcientemente. La raíz cultural sobre las que se basan los
comportamientos de los diferentes tipos de diseñadores, son mas rígidas que las
ideologías y las metodologías del diseño. Varían muy poco en el tiempo, y
condicionan mucho la práctica, pues depende totalmente del sujeto. Debido a
que es inconsciente, sólo crisis importantes en la profesión y el individuo,
pueden crear condiciones para el cambio cultural de este.
A la natural variedad cultural de los diseñadores, se suma su variada
proveniencia vocacional y motivacional. Esta heterogeneidad en el ámbito
profesional, va de la mano con la diversidad de lo sociocultural de sus productos
y la variación en los modos de consumo. El espacio gráfico trae entonces, una
variedad de sociedades culturales desarrolladas (melting pot), en donde tardan
en unirse todas sus partes, dicha tardanza proveniente de la debilidad
disciplinaria.
Conclusiones.En base a las condiciones anteriores, un posible catálogo general de las formas
de producción gráfica permitiría prever una notable cercanía de estos aspectos
de la producción gráfica, con los síntomas de disfunción del diseño mencionados
antes.
El propio Diseño constituye una práctica heterogénea y profesión diversa
en la que intervienen las variantes técnicas, metodológicas, culturales y
estilísticas.
Las imprecisiones que traen estos aspectos, no son nada mas problema
teórico, sino principalmente un obstáculo para la práctica técnica concreta. De
ahí el uso del término diseño, sin diferenciar del diseño gráfico, a pesar de que
este lleva casi un siglo vigente.
En los efectos del trabajo, se reconocen dos usos de la locución (lo que
significa diseño gráfico como una sola palabra y no lo que significa uniendo el
significado de sus dos palabras) “diseño gráfico”: uno laxo (poco estricto),
coloquial, y otro estricto, teórico. El coloquial, incorpora una frase previa a la
producción material de la pieza. El estricto, es la práctica en la que el coloquial
responde a un modelo de planificación global (que aplique a otros casos),
gráfico.
III. Artes Aplicadas y Diseño: dos modelosLa práctica contemporánea del Diseño Gráfico en sentido libre, junta la totalidad
de modos de producción gráfica desarrollados a lo largo de la historia.
Gracias a esto, se ve al Diseño Gráfico como una práctica en que se mezclan
formas de producción heterogéneas (diversas) y que la combinación de éstas
formas, varia en cada caso en base a las características de los programas y sus
agentes.
En estos “modos de producción gráfica”, se ha de distinguir su dimensión
material, es decir como se va a construir la producción, de su dimensión
conceptual que es la forma en que se va a lograr que lo construido tenga un
significado (su explicación), es la que interesa para llevar a cabo un trabajo en
Diseño, pensado para señalar la presencia de diversas culturas en la práctica
del diseño gráfico.
Se pueden generar productos radicalmente heterogéneos debido al
enfoque con que se hicieron, aplicando las técnicas productivas en una u otra
modalidad cultural.
Las formas de producción gráfica, se inscriben en las culturas de las Artes
Aplicadas y el Diseño en sentido estricto (sin que cambie su modalidad).
Las Artes Aplicadas.El siglo XIX culturalizó la producción industrial mediante el método de la
“aplicación del arte” al producto. Esta aplicación era tipo incrustación,
decoración, modelación, entonces no era necesaria para realizar el trabajo. Las
Artes Aplicadas son un mecanismo de adjetivación del útil, es decir le dan unas
características extras específicas al producto que las distinga o diferencie.
La artesanía pura se limita a la repetición del modelo sin que se le
agregue alguna variación (los objetos utilitarios de uso masivo) o con pequeñas
variaciones decorativas (más frecuentes en los objetos de cierta carga
emblemática).
Las características esenciales de la pieza le son dadas o bien por la
costumbre (objetos denominados por el uso) o por la innovación tecnológica
(nuevos objetos creados por la técnica), y las Artes Aplicadas incorporan sobre
esa base sus aportaciones decorativas o estilísticas.
El modelo operativo de las Artes Aplicadas no interviene sobre el tipo
funcional ni tecnológico sino, exclusivamente, sobre las capas simbólica y
estética, con alteraciones metafóricas, arreglos o variaciones sobre un tema
dado. Por eso su denominación “Artes Decorativas”, generalmente más referida
a los productos. Sólo en ciertos casos (algunos del modernismo) las Artes
Aplicadas comienzan a mezclarse (“mixtas”) en el plano simbólico-estético y el
plano tecnológico-funcional, alterándolos en unanimidad. Es raro que las
historias del diseño comiencen con un capitulo dedicado a esa verdadera mezcla
cultural representada por las corrientes vanguardistas del modernismo.
La cultura de las Artes Aplicadas se extiende históricamente más allá de
las condiciones técnico-culturales que les dieron origen, migra del sector social y
se arraiga con gran fuerza y representatividad en áreas importantes de la
producción contemporánea. Dicha cultura es social, no técnica, se fija y tecnifíca
en los correspondientes mecanismos de capacitación: las escuelas.
El DiseñoEl Diseño aparece históricamente como la segunda síntesis entre industria y
cultura, entre el universo productivo y el simbólico. El Diseño se levanta contra el
modo previo de articulación entre instrumentos y símbolo y propone una nueva
síntesis donde la aplicación de la teoría y métodos del diseño optimizan el
rendimiento global del sistema, para que adopten ellos mismos (instrumentos y
símbolo) una función simbólica estética. Es decir, que el proceso por sí solo
(diseño), dé una idea y su estética vaya en base a esa idea.
El Diseño surge como un proceso de análisis de todos los codicionantes
de la forma, mediante el cual estos planos resultan, en el proceso final, difícil de
distinguir uno de otro. La caracterización es sutituida por la configuración de
unidades complejas en las que se entrelazan funciones iguales. Lo que significa
que algo característico de cierto objeto, deja de utilzarse y se substituye por la
unión de varios objetos con funciones iguales.
En su significado más fuerte, el Diseño consiste en no sólo ver todas las
definiciones del objeto, sino, especialmente, en el modo como trabajan estas
definiciones o características. En este sentido, el Diseño reinstaura en la era de
la producción industrial, el conjunto de lo que forma la artesania primitiva.
Tampoco es común, volver a mencionar la forma artesanal pura como modelo a
seguir, por parte de los pioneros del Diseño, en su combate contra las Artes
Aplicadas.
Para el Diseño, su método decisivo es la forma sincrética, o sea una
forma que resonde simultáneamente a varios códigos. La forma tecnológica
(construcción), la forma ergonómica (uso), la forma simbólica (identificación) y la
forma estética (sensación) coinciden. Es decir que ves un objeto y te imaginas
un significado en base a sus tres formas.
El Diseño nace como propuesta de liberación universal del mundo de los
objetos e implanta una nueva tabla de valores racionales, o sea que no sean
sólo objetos, sino que tengan funcionalidad, economía, sencillez productiva,
claridad, participación del usuario, flexibilidad, austeridad, etcétera. La evolución
histórica del Diseño coincide con su procesamiento socioeconómico: la sociedad
digiere y modifica la disciplina, en base a sus capacidades económicas.
El segundo gran ciclo industrial, el de mediados del siglo xx, ve al diseño
como un medio de producción indispensable para lograr el éxito de su proyecto:
“la producción del consumo”.
El Diseño se vuelve un ideal cultural en técnica de la producción industrial en el
mercado de la oferta. Se trata de un cambio del humanismo a el marketing.
Si un producto satisface las necesidades de un usuario, se evoluciona a una
oferta competitiva por mayor número de consumidores. Gracias a esto, el agente
del diseño deja de ser de un grupo minoritario en la sociedad cultural, y pasa a
ser de la empresa.
El Diseño es ahora un instrumento para el desarrollo de la competitividad
en el mercado, pues es una forma de compensar la desregularización en el
mercado (desaparición del monopolio, del mercado de demanda, del
proteccionismo) mediante formas legales, que regulan (liderazgo, imagen de
autoridad, etc.) Es decir que mientras mejor sea el diseño, tienes posibilidades
de tener mayor demanda en el mercado de forma legítima. Gracias a el cambio
de mentalidad social, se ha mejorado la diferenciación con el Arte y la Ideología.
Su influencia sobre la sociedad ha permitido quitar la idea de que eran
equivalentes un proceso productivo y una ideología social, demostrando que el
modelo capitalista no estaba necesariamente anclado en la cultura del
eclecticismo y el academicismo decimonónico. Y si tenía que ser el caso, era
una nueva burguesía la que se levantaba contra l’Ecole de Beaux Arts en
nombre de la abstracción industrial y su estética, demostraba que el modelo de
publicidad, no tenía que ser algo establecido por la sociedad, que el capital no
tenía que estar necesariamente ligado a una cultura, en donde se escogía algo
sin fundamentos, y se establecía como regla, y a las obras de arte que estaban
establecidas como bases, aún sin ser vigentes estas obras (academicismo
decimonónico), pero si habían de estar establecidas todas estas ideas por algún
poder, era por l’Ecole de Beaux Arts (escuelas de arte en Francia) lo que no
permitía una abstracción industrial, pero surgió una burguesía que iba en contra
de mantener estas ideas como reglas, de que nada más se tomara lo importante
o necesario del producto, y su estética.
Esto permitió romper el mito de la variedad estética del arte: el Diseño es
estética de la cultura industrial, desarrollada dentro de la producción económica.
En la práctica, el diseño ya no es más un representante del arte, que se mezcló
entre los ingenieros. Sino que se institucionaliza como disciplina autónoma, con
sus propios métodos y características, asociada a la producción que satisface
los requisitos o necesidades que se le fijan: técnicos, utilitarios, industriales,
comunicacionales, y promocionales. En este caso, que se vuelva a tomar la
modalidad de retorización (embelleciendo el arte), no es un retroceso, sino que
es propio de las corrientes posmodernas, pues se manifiesta con el estilo de los
años cincuenta. Este estilo (Styling) es que la metáfora se planea tan racional y
objetivamente como el detalle constructivo. Se planea que símbolo (idea) va a
llevar, y cómo la va a llevar.
Esto dice en la historia, que el Diseño superó su etapa inicial, después su
expansión temática y estilística, su liberación del dogma de una determinada
estética, siendo interpretado erróneamente esta liberación, como el fracaso del
movimiento iniciador y la recuperación de los modelos previos asociados a la
decoración. Al contrario de esa creencia, tal expansión se debe entender como
la forma de que una práctica técnica se despoje de lo aleatorio (que no es
esencial en la materia) y se concentra y madura en lo esencial (su proceso
planificador).
El Diseño es en sentido estricto una rama de la planificación, por lo que no
permite espontaneidad e ingenuidad en la producción. Su modo de producción
simbólica (como se va a representar) es distinta a la del arte.
En el Diseño, el símbolo es muy fácil de identificar. Los productos del
diseño, poseen una capa de frialdad inextirpable, hasta lo diseñado de forma
mas expresionista o irracional, está marcado por la premeditación, esto no es lo
mismo en las Artes Aplicadas, que tienen la cultura de lo naïf, que es una
corriente artística caracterizada por candidez, ingenuidad, y espontaneidad. No
es lo mismo una cultura decorativista (adornar la idea) que una cultura técnica
dedicada a la elaboración detallada y organizada del objeto.
Es muy diferente la “artesanía industrializada” al “diseño” aunque los confundan.
El Diseño Gráfico como arte aplicada.En el punto de vista teórico, “Diseño Gráfico como arte aplicada”, está mal
empleado y lleva a una contradicción, pero se toma una acepción amplia del
diseño gráfico que incluye la supervivencia de modalidades previas a su propio
concepto. En el propio medio cutural y técnico del Diseño Gráfico se genera una
versión diferenciada, derivada de sus modos de manifestación o de un estadio
primario de su desarrollo.
Esta versión diferenciada menor, tiene los mismos rasgos siempre y se mantiene
actualmente.
Esta parte del Diseño Gráfico se apoya en una serie de hechos establecidos (a
priori) que no pueden ser explicados. Según esto, a través del diseño gráfico se
enriquece la idea principal mediante:
La modificación de los textos.
La incorporación de elementos decorativos (complementos gráficos
abstractos, etc).
La diagramación inusual de la pieza (explicar en distinto orden los textos).
Estos métodos tienen por objetivos:
Refuerzo de la idea principal complementándola, o cayendo en la
redundancia.
Se busca llamar la atención, mediante la violación de una regla.
Agregarle una parte estética a la pieza, mediante elementos agregados,
generalmente de las artes plásticas.
Estos recursos no son exclusivos de esta tendencia, pero su aplicación conjunta
si, como condición sin la cual no (sine qua non) se cumple el trabajo de diseño.
El programa no tiene mucho que aportar mas de los contenidos de la
interpretación básica, en esta forma de abordaje del diseño. No hay un diseño
porque no hay una solución que supere a la que ya se dio con el mensaje en
cada caso.
El diseño no exalta la potencialidad de comunicación del mensaje, sino que nada
mas le agrega valores externos a los ya contenidos. El diseñador realiza las
pruebas sobre un modelo dado. Lo importante del mensaje se desplaza de la
interpretación a estudiar y sistematizar las técnicas, o a la estética superpuesta.
La unión entre estas dos, es muy débil o nulo. El programa siempre es pobre,
puede comunicar la idea desde el diseño, no lo comunica gracias a su mensaje
o contexto. Esto es universal, no varía en el campo de aplicación.
Desde el punto de vista histórico, es la suerte de prolongación de un género
típico del siglo XIX junto al contexto de la revolución industrial, desde el punto de
vista sociocultural, es del tipo naïf (espontáneo). Se transmite a lo largo de los
años, a través de los cursos de Diseño de academias e institutos politécnicos
“De Artes Aplicadas y Oficios Artísticos”, impartidas estas enseñanzas por
pintores, dibujantes, ilustradores, grafistas publicitarios y oficios afines y
atendidas por estudiantes de un perfil predominantemente artesanal.
Ejemplo 1Esta publicidad es deficiente, no sirve como diseño gráfico, ya que no comunica
nada claro. Nos muestra la universidad Madero
Referencia:
CHAVES, Norberto; Diseño y Comunicación, en capítulo, "Arte aplicada o técnica de la comunicación...." Paidos, México; 1997.
Pp: 95 a 136