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Música medieval

Historia de la música

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Música

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Véase también: Portal:Música

La música medieval comprende toda la música europea compuesta durante la Edad Media, etapa que comienza conla caída del Imperio Romano en 476 y que finaliza en el siglo XV, en 1453, con la caída de Constantinopla o en 1492con el descubrimiento de América, ya que el fin de la Edad Media y el principio de la Edad Moderna es un límitedifuso.La única música medieval que puede ser estudiada es aquella que fue escrita y ha sobrevivido. Dado que la creaciónde manuscritos musicales era muy cara, debido al costo del pergamino, y la buena cantidad de tiempo necesario paraescribir toda una copia, sólo las instituciones muy acaudaladas pudieron producir manuscritos que han sobrevividohasta la actualidad. Entre esas instituciones generalmente están la Iglesia y las instituciones eclesiásticas, comomonasterios, si bien algunas obras seculares también se conservaron en esas instituciones. Estas tradicionesmanuscritas no reflejan mucho de la música popular de aquella era.

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HistoriaLa música medieval está formada por dos periodos principales: el Románico y el Gótico.Dentro de la música medieval se pueden distinguir diferentes fenómenos musicales, entre los que destacan el cantogregoriano, la música profana y la polifonía.El canto gregoriano tuvo gran importancia, ya que es la única música conservada anterior al siglo IX. Era un tipo demúsica estrictamente vocal y a una sola voz, o, como mucho, con un acompañamiento a base de quintas paralelas.Pero fue como consecuencia de una serie de cambios económicos y por el nacimiento de las lenguas vulgares quesurgió la música profana, en la que se podían expresar deseos y aspiraciones.Los verdaderos protagonistas del nuevo estilo fueron los trovadores (langue d'oc o provenzal), los troveros (langued'oil o francés antiguo) y los Minnesänger alemanes. Todos ellos eran poetas músicos que cantaban a todos lossentimientos humanos, siendo su temática principal, especialmente, el amor, la guerra y la naturaleza. Esta música secaracteriza por un ritmo mucho más marcado y variado que el gregoriano, y depende del estado de ánimo del autor(triste, alegre, amoroso, guerrero...). Se crearon nuevos tipos de danza, y lo más destacado fue el hecho deacompañarse con instrumentos musicales.

Transición de la Música Antigua a la Edad MediaEl canto litúrgico viene de la tradición grecorromana debido a esto totalmente impregnado de la teoría musical de losgriegos y de su filosofía. Por otra parte de la tradición hebrea, del canto y de las sinagogas. Surgen varios problemas:• El canto cristiano, se debe acoplar a los dos tradicionales, esto da lugar a contradicciones dentro del cristianismo a

nivel teórico y filosófico. Había Padres de la Iglesia que consideraban la música demoníaca y ahí incluyen lamúsica pagana, que para ellos es la que existía antes del cristianismo.

• La música nueva cristiana que para ellos es «instrumento de salvación». Clemente de Alejandría (siglo II d.C.)hablaba sobre la música de los griegos diciendo que llevaba a la perdición. Para él la nueva música con loscontenidos cristianos era salvación. Se refería al grado de armonía que reflejaba una música, la pagana y lacristiana. Mostraba el mayor grado de armonía de la nueva música. Esto nos pone en contacto con los pitagóricos.

La música y el canto sacro gozará de aprecio sobre todo por su valor educativo al ser un instrumento de edificaciónreligiosa. Con este enfoque el canto sacro asume la función de instrumento auxiliar de la oración con el sentido devolver esta más agradable.Boecio elaboró el tratado de armonía titulado De institutione musica. Este texto tiene una gran trascendencia comofuente de conocimiento de las doctrinas griegas acerca de la armonía y por el influjo que ejerció sobre elpensamiento medieval. En esta época se dividía la música en tres géneros distintos:•• La música mundana.•• La música humana.•• La música instrumental.Esta división para Boecio no tiene un carácter religioso, sino que se apoya en la desvalorización del trabajo manual yde lo que depende de los sentidos.• La música mundana: es la que se refiere a la música de las esferas, identificándose con el concepto del sentido de

armonía. Para Boecio ese “sonido” se identifica con armonía, y nosotros no podemos percibirla es porque somosimperfectos. Esta música mundana es la verdadera, y el resto lo es en tanto reflejo de esta última.

•• La música humana: Refleja a través de la unión armoniosa de las diferentes partes del alma, la unión de alma conel cuerpo, la música de las esferas. Esta música se comprende a través de acto de la introspección, todo aquel quese sumerge en sí mismo la entiende, ya que es una armonía psicofísica.

•• La música instrumental: Según Boecio el hecho manual de producir sonidos a través de los instrumentos no tienevalor alguno (soplar por un tubo, tocar una cuerda tensada...). La actividad manual ocupa el lugar opuesto de la

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actividad puramente intelectual. Pero no rechaza los sentidos, los considera necesario, ya que a través de ellospodemos hacer juicios.

Monodia religiosa

El canto antiguoLa revolución espiritual de que se hicieron propagandistas los primeros apóstoles del cristianismo no se impuso sinolentamente. La religión cristiana fue adoptada por el Imperio Romano. Ya desde sus orígenes, su liturgia y su músicaestuvieron por la tradición judía, a la que vino a sumarse la influencia griega y romana. Las celebraciones religiosasde los primeros cristianos fueron poco a poco conformando un nuevo tipo de expresión musical austera, puramentevocal. Estos cantos litúrgicos tenían dos formas principales:•• Responsorial: era una especie de estribillo en que los fieles respondían a cada versículo de un salmo entonado por

un solista.•• Antifonal: es una frase musical que introduce a un salmo cantado alternativamente, por dos coros que, al terminar

el salmo, vuelven a cantar de nuevo la antífona todos juntos.La rápida extensión del cristianismo dio una gran vitalidad a sus prácticas liturgias y muy pronto se incorporaronnuevos cantos, como los himnos, con texto en forma estrófica muy próxima ya al verso. Entre los creadores dehimnos destaca de manera especial San Ambrosio, Obispo de Milán, a fines del s. IV.El canto (canto llano) es una forma sagrada monódica que representa la música más temprana conocida de la IglesiaCristiana. La tradición del canto de los salmos en las sinagogas, fue sin duda una fuerte influencia del CantoCristiano. El canto se desarrolló separadamente en varios centros europeos. Entre los más importantes tenemos aRoma, Hispania, Galia, Milán e Irlanda. Este canto era desarrollado como forma de soporte a la liturgia regionalusada cuando se celebraba la misa. Cada área desarrolló su propio canto y reglas de celebración. En España se usabael canto mozárabe y muestra la influencia de la música del Norte de África. La liturgia mozárabe sobrevivió aún a laregla musulmana, no obstante que fue una corriente aislada y su música fue suprimida más tarde en un intento dereforzar la conformidad con la liturgia completa. En Milán el canto ambrosiano, nombrado por San Ambrosio, fue elestándar, mientras que el canto beneventano se desarrolló alrededor de Benevento, otro centro litúrgico italiano. ElCanto gálico se usó en la Galia y el Canto celta en Irlanda y Gran Bretaña.Alrededor del 1011 d.C., la Iglesia Católica Romana quiso estandarizar la celebración de la misa y los cantos. En esaépoca, Roma era el centro religioso de la Europa occidental y París era el centro político. Los esfuerzos deestandarización consistieron principalmente en combinar estas dos regiones litúrgicas (Romana y Galia). Este cuerpode cantos llegó a ser conocido como Cantos gregorianos. Por el siglo XII y XIII los cantos gregorianos habíansuperado a todas las otras tradiciones de cantos occidentales, con la excepción de los cantos Ambrosianos en Milán ylos cantos mozárabes en unas pocas capillas españolas.La música más antigua de la que podamos tener experiencia directa, ya es el final de una larga evolución.Los primeros textos descifrables y completos datan de mediados del siglo X, y una gran parte de las melodías queconocemos, fueron transcritas de manuscritos todavía posteriores (especialmente de los siglos XII y XIII) noobstante, hemos de pensar que muchas piezas debían de estar en uso desde hacía mucho tiempo cuando fueronnotadas. Lo que la notación nos ha transmitido es, verosímilmente, una tradición establecida en los siglos VIII y IX,fortalecida por la autoridad imperial y pontificia: los redactores de los manuscritos con neumas no pudieron referirsesino a un estilo impuesto por la Iglesia, ya que el gusto juzgado por el emperador como “corrompido” debió de serextirpado por todos los medios: este repertorio carolingio o romano galicano representa ya, sin duda, una ciertadecadencia en relación con las melodías de “La edad de oro”. Es, sin embargo, de una riqueza extraordinaria, y aúnhabría de enriquecerse.

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Salvo muy raras excepciones, los manuscritos anteriores al siglo XII, no nos han conservado sino música de iglesia.Ésta es la que está en el centro de la música musical y durante siglos será la fuente de toda inspiración melódica. Noobstante, sólo los monjes que la practican constantemente, aprecian plenamente su diversidad y consagran a sudescripción obras imponentes. Si el canto gregoriano nos parece uniforme, es porque estamos muy pocofamiliarizados con él. Sin embargo, podemos distinguir los estilos y las formas correspondientes a otros géneros. Laclasificación que sigue es una presentación cómoda que de dicho canto hacemos, y que no indica ningún ordencronológico ni una progresión cualitativa.

Los cantos de la misa

•• Recitativos: reservados a los sacerdotes. Con frecuencia muy bellas en su sencillez, tienen un origen muy antiguoy, probablemente, han conservado lo esencial de su aspecto primitivo.

• Cantos del ordinario: por el coro de los fieles o por la “schola”.•• Aclamaciones: por el coro de los fieles, probablemente espontáneas al principio, y muy sencillas, fueron

refinándose y se hicieron rituales.

Piezas de origen salmódico

•• Responsos: estribillos y estrofas con los que la coral responde a los versículos del salmo, cantados por el solista.Primitivamente breves, silábicos e inseparables del salmo, los responsos se han convertido en grandes piezas convocalizaciones, generalmente en tres partes (estribillo, uno o varios versículos del salmo, estribillo).

•• Antífonas: estribillos silábicos introducidos en el canto alterno de los salmos, como preludio, postludio einterludio. Dos semicoros cantan los versículos alternativamente (antífonas) y se unen para cantar la antifonía.

•• Tractos: salmos, o fragmentos de salmos cantados de un tirón, sin repetición alguna ni estribillos, sólo para elsolista. Son piezas ornamentales con ricas vocalizaciones, que se sitúan entre las lecturas de la misa,principalmente durante el tiempo pascual.

Piezas versificadas

•• Himnos: primitivamente en prosa, en una forma análoga a la de los salmos; luego en verso, a partir de SanAmbrosio, estas piezas estróficas constituyen un repertorio artístico heterogéneo, cuyo éxito en la cristiandad fueconsiderable.

Más tarde se consideraron himnos unos cantos religiosos (y también profanos) consagrados a la alabanza, sinninguna relación con los himnos “ambrosianos” o “gregorianos”.Piezas derivadas de los tropos. Una curiosa iniciativa, aparentemente sin consecuencia, fue el origen de unmaravilloso enriquecimiento del repertorio, e incluso contribuyó en forma importante a la orientación de la músicaoccidental. Hacia mediados del s. IX, los monjes de Jumieges comenzaron a introducir poemas nemotécnicos en laslargas vocalizaciones de los aleluyas, a razón de una sílaba por cada nota, para ayudar a los cantores a recordar lascélulas melódicas sucesivas. Por supuesto, tales poemas habían de mantenerse sobre entendidos, pero era necesariocantar primero varias veces las vocalizaciones “con las palabras” para aprendérselas y, al parecer, ¡le tomaron elgusto al recurso!•• Música profana: podemos asombrarnos de que los largos siglos de historia musical, en el curso de los cuales

adquirieron tal perfección las melodías litúrgicas, no nos habían transmitido testimonios de una música profana.Ciertamente, que los tiempos no fueron propicios, fuera de los muros monásticos para el desarrollo de un arterefinado: invasiones, pillaje, guerras, epidemias, formaron durante largo tiempo el telón de fondo de la vidacotidiana. Pero, sobre todo, las función esencial de la música era la alabanza divina. La supremacía cultural de laIglesia, especialmente de las abadías, estaba garantizada por el irrisorio nivel de alfabetización, y, bajo loscarolingios, por el apoyo del poder político. Preocupada por conservar la pureza de un arte de esencia religiosa, laIglesia no cesaba de condenar todas las reformas de música profana.

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Gran recodo de la Edad Media, la caída de los carolingios (987) coincide con el alba de la nueva cultura. Es eltiempo en que la música “culta” occidental sucede a las tradiciones musicales antiguas.Hasta el siglo XIX, se negaron a mirar, a escuchar y a comprender lo que pudieron ser esos siglos desconocidos:Rousseau no vio en las catedrales sino “restos de barbarie y de mal gusto”, y Hugo quiso persuadir a suscontemporáneos de que la música data de Palestrina… Hasta el último cuarto del siglo XIX no se descubría lamúsica de la edad media.

El canto gregorianoHasta el siglo X la música europea, como la música de otras culturas, era fundamentalmente monódica, es decir, deuna sola línea melódica en la que no interviene para nada la armonía sin acompañamiento de instrumento, el ritmodel canto gregoriano es libre, no sometido a la rigidez métrica del compás.Desde el s. VII hasta el XVI el canto gregoriano fue el tipo de música más importante en el mundo occidental. Enestos mismos siglos se fue constituyendo y seleccionando un repertorio que, en honor a su primer recopilador, elPapa Gregorio I (San Gregorio Magno), se llama canto gregoriano. Este papa comenzó una reforma de la liturgiaromana y también recopila y ordena todas las melodías religiosas existentes hasta entonces para darles unaconfiguración más sencilla o llana. En el s. XI se establecieron las reglas de su escritura musical (notación: Lossignos conocidos con el nombre de neumas eran los que indicaban la altura de los sonidos que evolucionaron a loque hoy conocemos como las notas. Con el tiempo empezó a utilizarse un tetragrama que evoluciono al pentagrama)y durante el s. XII y XIII se enriquece con nuevas aportaciones a partir de esa época, al contacto con la músicaextralitúrgica y profana, cada vez más progresiva, se inicia un largo declive, que acaba en nuestros días acaba pordesaparecer prácticamente de nuestra liturgia.Puede ser de dos tipos:•• Silábico: si canta una nota en cada sílaba del texto.•• Melismático: cuando cada sílaba del texto está adornado por varias notas distintas, a veces muy numerosas.El canto gregoriano se caracteriza por diversos aspectos:1.1. El canto litúrgico o gregoriano es la música oficial de la Iglesia Romana.2.2. Es un canto monódico.3.3. Su letra está en la lengua oficial eclesiástica: el latín.4.4. El ritmo no tiene una pulsación predeterminada ya que los acentos rítmicos son los naturales del texto.5. Se canta a capella.6.6. Su sistema musical es de 8 modos gregorianos o eclesiásticos y éstos provienen de los modos griegos.7.7. En su interpretación solo pueden intervenir voces masculinas.8.8. Su finalidad es destacar aún más la oración.9.9. Su origen está en los primeros cristianos.10.10. Es la música del Románico.

Tropos y secuencias• Secuencia: las secuencias evolucionaron a partir del canto gregoriano. La necesidad de recordar los largos

melismas de determinadas piezas hizo que hacia el s. IX en los monasterios franceses de San Marcial de Limogesy de Saint Goll se rellenasen esos largos vocalizaciones con textos inventados de manera que correspondiesen unasílaba a cada nota musical. Esto, además de ayudar a la interpretación musical, buscaban una cierta calidadmusical rítmica, y esto supuso un estímulo para la invención práctica y musical, no tardando en adoptar textos enlengua vulgar y, finalmente, independizarse de su origen.

• Tropos: al mismo tiempo sucedió que en otros cantos distintos del aleluya, se fueron intercalando fragmentos melódicos inventados, ajenos al repertorio original gregoriano, llamados tropos (del latín tropare = inventar).

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Estas melodías con frecuencia llevaban un texto en lengua vulgar que explicaba determinados pasajesevangélicos. Para la composición de los tropos se debieron utilizar melodías de carácter popular. Esto significa unpaso decisivo en la música medieval que se desgaja del tronco gregoriano.

Monodia profana

Los trovadores

Guillermo de Poitiers.

Los trovadores pertenecían a una clase social elevada e insistían endistinguirse de los juglares, considerándoles de peor condición.Generalmente los trovadores componen y cantan sus propias obras,mientras que el juglar sólo interpreta porque no tiene formación nifacultades para componer. Su actividad surge en el sur de Francia(Provenza) y suroeste (Aquitania) cuyo centro cultural es San Marcialde Limoges; precisamente el trovador más antiguo conocido esGuillermo IX de Poitiers, Conde de Aquitania (1086-1127), en la zonaprovenzal destacan Peire Vidal, Guerau de Cabrera, Raimbaut deVaqueiras entre más de cuatrocientos conocidos.

En cuanto a las temáticas sobre las que cantan los trovadores son muyvariadas: canciones de gestas, heroicas, amorosas, de carácter político,moral, satírico, piadosas, cantos fúnebres y otras muchas.Musicalmente, las formas son también de gran diversidad,destacándose el rondeau (alternancia de coplas y estribillo), virelai (enque el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas), ballade(estribillo alternante cada tres estrofas) etc.

Aunque el ciclo trovadoresco alcanza su apogeo en la segunda mitaddel siglo XII tiene importantes cultivadores en el siglo XIII, como elcatalán Giraud Riquier o el francés Adam de la Halle. Los trovadores del norte de Francia se llamaban troveros, y losalemanes Minnesänger que significa cantores de amor. Los trovadores se muestran muy audaces en la invención desus melodías, definitivamente aportada ya de sus originales modelos litúrgicos. Como ya no utilizan textos en prosalatina, sino en verso romance, la rítmica de sus obras ya no se basa en la cantidad métrica de cada sílaba; esto hacedesarrollar ciertas fórmulas rítmicas, entre notas largas y breves, que tendrán gran repercusión en la músicapolifónica.

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Los juglares

Juglares representados en las Cantigas de AlfonsoX el Sabio.

Los juglares, perseguidos constantemente por la Iglesia, son personajeserrantes que van de aldea en aldea, de castillo en castillo, asombrandoy divirtiendo a un público analfabeto. Herederos de los mimos yjoculatores de la Roma clásica y pagana, mitad poetas y mitadsaltimbanquis, mezclan en sus actuaciones la declamación y elmalabarismo, la música y la sátira, la lírica y las gestas épicas. Ellosson los únicos transmisores de la música popular no litúrgica, peroenseguida con los procedimientos más avanzados del canto eclesial ynovedades surgidas de la poética de tropos y secuencia.

Aparte de las habilidades circenses, los juglares en general seacompañaban con instrumentos musicales prohibidos por la Iglesia acausa de su antigua vinculación a la vida pagana. Había juglares demuy diferentes tipos y calidades, desde los más simples y vulgaresllamados Cazurros o Remedadores hasta los más pulidos en el arte,muy próximos o confundidos con los trovadores.

A veces eran clérigos, personas de cierto nivel cultural que habían abandonado la vida religiosa y vagabundeaban deun lado a otro intentando sacar partido de su superioridad cultural, eran los llamados goliardos (por el obispo Goliaspersonaje que se cree que inventó este oficio) cantaban y recitaban en latín y en lengua vulgar, en su repertoriofiguraba la poesía más refinada o dramática junto con las canciones al vino, a las mujeres, contra los eclesiásticos yun sinfín de cosas curiosas, según podemos ver en algunos códices que contienen sus obras, como los de Ripoll o losconocidos Carmina Burana (canciones del Monasterio de Beuren, en Alemania).

PolifoníaHasta el siglo IX toda la música practicada en Europa es monódica. Pero a partir de ese momento va a surgir unnuevo procedimiento revolucionario: la polifonía. Mientras que la monodia continuará practicándose aún durantesiglos, y con excelentes resultados artísticos, la polifonía emprenderá un desarrollo acelerado en que los hallazgos sevan sucediendo unos a otros perfeccionándose a cada generación de músicos hasta llegar al siglo XVI en queculmina de forma gigante con figuras como Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victoria y Orlando diLasso.La polifonía es el arte de combinar sonidos y melodías distintas y simultáneas. Un ejemplo de polifonía en el sigloIX fue el organum. Al principio la polifonía se producía automáticamente cuando cantaban juntos hombres ymujeres: se produce una melodía formada por una voz grave y otra aguda a distancia de una octava. Inmediatamentese superó el simple paralelismo, haciendo corresponder con cada nota de la melodía original otras distintas, a vecespor movimientos paralelos y otras por movimientos contrarios. Ese procedimiento se llamó también diafonía ydiscanto.Las melodías que se tomaban para estas nuevas experimentaciones era de carácter litúrgico, extraídas comúnmentede los tropos por ser estos inventados de nueva creación no pertenecientes al repertorio gregoriano antiguo, mássevero en su interpretación para la que la iglesia no admitía la práctica polifónica aunque, cada vez más, esta ibaganando terreno.A pesar del enorme avance que esta manera de hacer música significa, el organum en sus formas más simples quehemos mencionado, una quedándose anticuado y otra evoluciona hacia un estilo más libre.

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Ars Antiqua

Leonin.

Se llamaba Ars antiqua a la forma de hacer música de los siglosXII-XIII, en los que se parte de los primeros ensayos polifónicos yse enriquecen hasta sentar las bases de la polifonía en su etapa deplenitud.

Sus más destacados representantes aparecen en torno a la llamadaEscuela de Notre-Dame de París y son Leonín, organista deNotre-dame, y su sucesor Perotín.

La melodía litúrgica (vox-principalis) pronto pierde importanciacon respecto a la melodía añadida (vox-organalis) que ahora ocupael lugar más agudo. Finalmente, la vox-principalis deja de ser deorigen litúrgico, admitiéndose la invención libre.Una novedad es el organum melismático, en que la vox-principalisse fragmenta en cada una de sus notas, que adquieren una duraciónlarga; sobre ellas se aplica una segunda voz en notas breves queflorean sobre la primera con gran soltura.

Leonín trata con gran elegancia y libertad los melismas, e introduce con maestría el uso de ritmos flexibles,alternando notas largas y breves en la vox-principalis, que empieza a perder su rigidez.La generación siguiente en los principios del s. XIII tiene su máximo representante en Perotín, discípulo del anterior.Partió de la obra de su maestro y la relaboró experimentando nuevos tipos de composición para tres o cuatro voces.

Ars nova francés

Página del tratado Ars Nova escrito por De Vitry.

El Ars nova fue una corriente musical del siglo XIV que naciócomo contraposición al estilo anterior (Ars antiqua). Los ritmos,temas y las melodías se vuelven más variadas. La música ibaadquiriendo cada vez más complejidad en los ritmos y en las vocesobligando a replantear y modificar con frecuencia las normas de suelaboración.

Philippe de Vitry escribió en los primeros años del siglo XIV untratado sobre cuestiones de notación musical donde exponía losúltimos adelantos en ese terreno; su título Ars Nova, ha servido ala ciencia musical moderna para llamar así a la música del s. XIV.

El exponente más importante de esta corriente artística esGuillaume de Machaut ( 1300-1377), poeta y cortesano quedifundió su estilo hábil y refinado. Compuso numerosos motetes,canciones y ballades a las que introduce grandes libertades einnovaciones técnicas. Su obra más interesante es la Misa deNotre-Dame, la primera que tiene auténtica unidad formal y en laque se relacionan los componentes rítmicos, melódicos y tonales

buscando un efecto de conjunto perfectamente planificado.

La preocupación principal de los músicos del Ars nova era la medida y el ritmo de sus composiciones; la atrevidacombinación de esos aspectos dio lugar a obras de gran complicación.Francia sigue siendo durante el siglo XIV, igual que en la anterior época el foco de mayor interés musical; Desde allí su influencia se irradia a Inglaterra, España y Alemania. En Italia, por el contrario, se practica una música menos

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contrapuntística en la que predomina más el carácter melódico en un género propio: el madrigal menos alejado de lasformas populares y en él destacó el organista Francesco Landini (1325-1397).

Trecento italiano

Ilustración del Codex Squarcialupi, mostrando aFrancesco Landini tocando un órgano pórtatil.

Mucha de la música del Ars nova tiene un origen francés; noobstante, el término es comúnmente aplicado a toda la música delsiglo XIV, especialmente para incluir la música secular en Italia.Por eso, este período es en ocasiones conocido como Trecento.

La música italiana ha sido siempre conocida por su carácter líricoo melódico, y esto en muchos aspectos viene desde el siglo XIV.En esta época la ejecución de música profana italiana (conforme alo poco que sobrevive de la música litúrgica, es muy similar a lafrancesa excepto por unas pequeñas diferencias en la notación) queha sido llamado el estilo cantalina, con una voz alta soportada pordos voces (o inclusive una sola ya que una gran cantidad de lamúsica italiana del Trecento es para dos voces solamente) que sonmás regulares y de movimientos lentos. Este tipo de texturamusical permanece también en las ejecuciones de la músicaitaliana en los géneros seculares tan populares en los siglos XV yXVI, y fue una importante influencia en el eventual desarrollo dela textura de los tríos que revolucionó la música del siglo XVII.

Existieron tres formas principales para las obras seculares en el Trecento.• El madrigal es una de estas formas, que no es aquella misma que aparece 150 a 250 años después, pero con una

forma como de verso/refrán. La stanza de tres líneas, cada una con diferentes palabras, alternadas con unritornello de dos líneas, con el mismo texto en cada aparición. Quizás podríamos ver las semillas del ritornellodel Renacimiento tardío y del Barroco en estos arreglos. También regresan una y otra vez, reconocibles en cadaocasión, en contraste con las secciones dispares que la rodean.

• La caccia ('caza'), es otra de estas formas, que fue escrita para dos voces en un canon al unísono. Algunas veces,esta forma ejecutaba un ritornello, el cual estaba ocasionalmente en un estilo canónico. Usualmente, el nombre deeste género proveía un doble significado, dado que el texto de la caccia fue referente en primer término a lacacería y a actividades al aire libre, o al menos a escenas llenas de acción.

• la ballata fue la tercera forma principal, la cual fue un equivalente grosso modo al virelai francés.Entre los manuscritos italianos que sobreviven de esa época incluyen el Codex Squarcialupi y el Codex Rossi.Los compositores que sobresalieron en este periodo son, entre otros, Francesco Landini, Gherardello da Firenze,Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Paolo da Firenze (Paolo Tenorista), Giovanni da Firenze (también conocidocomo Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò daPerugia, y Maestro Piero.

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Teoría y notaciónLa teoría musical griega, heredada por Roma, fue el punto de partida de la especulación musical medieval a través delos últimos escritores vinculados al antiguo mundo clásico, Boecio (480-524) y Casiodoro (477-570) que fueron, conlos traductores árabes, quienes introdujeron la teoría musical griega en nuestra Edad Media.La escritura musical era alfabética en época griega y romana. Pero en la Edad Media se abandonó este tipo denotación por otra llamada neumática, que aparece en el siglo IX. Los neumas son unos signos valorados sobre cadasílaba de las palabras que conforma el canto. No expresan con exactitud ni la duración ni la altura precisas de cadasonido, sino que intentaban dibujar la marcha de la melodía sirviendo tan solo como recordatorio de las diferentesmelodías ya conocidas por quienes leían esa música, pues no en vano los cantores dedicaban doce años de su vida aaprender los repertorios.El erudito español San Isidoro de Sevilla (560-636) contemporáneo del Papa Gregorio I dedica a la música una partede su monumental obra las Etimologías. Refiriéndose al problema de la notación dice: «Los sonidos mueren, pues nopueden escribirse».En el siglo X otro teórico Hucbaldo (840-930) decidió escribir varias líneas horizontales superpuestas, de maneraque a cada una correspondía una nota musical. El texto, en lugar de escribirse abajo, se dividía en sílabas y cada unaiba escrita en la línea que señalaba su altura de entonación. Este fue el origen remoto de la pauta musical, que aúnhoy se emplea con cinco líneas, aunque en aquella época las líneas fueron apareciendo progresivamente primero una,luego dos, luego cuatro,…, hasta ocho o nueve.Guido de Arezzo (995-1050) dio valor tanto a las líneas como a los espacios entre ellos con lo que se economizabanespacio. En lugar de poner las sílabas del texto en la pauta puso neumas o signos musicales que los representaban.También dio un nombre a cada nota de la escala. Utilizaba el himno de San Juan Bautista y llamó a cada una de lasnotas con la primera de cada verso.Por otra parte, se mantuvo un sistema de referencias alfabéticas, con las siguientes correspondencias que siguevigente hoy en día, en países de habla alemana e inglesa.Los teóricos del Ars antiqua se preocupaban por encontrar una escritura que satisficiese las crecientes exigencias deuna polifonía que se desarrollaba con gran rapidez. Entre ellos hay que destacar a Pierre de la Croix, Jean de LaGarlande y Franco de Colonia, quienes codifican esos escritos de la ciencia musical de sus contemporáneos y fijanlas normas que habían de servir, un siglo después a los músicos del Ars Nova.Los teóricos del siglo XIV Philippe de Vitry, Jacobo de Lieja y Johannes de Muris, comprendían lo enunciado porlos anteriores teóricos y perfeccionan un sistema de escritura que consiste en dar a cada nota un valor fijo en relacióncon las demás, de manera que al superponerse las voces podamos fijar con precisión la duración de cada nota y hacercoincidir las notas con las demás voces. Esto es lo que se llama notación mensural, o sea, con indicación estricta dela duración de las notas según el dibujo de la figura. Este sistema pervive hasta nuestros días con muy escasasmodificaciones; sus principales figuras en el siglo XIV eran:• La Maxima o Duplex longa• La Longa• La Brevis o Breve (la actual cuadrada)• La Semibrevis o Semibreve (la actual redonda)• La Minima (la actual blanca)• La Semiminima (la actual negra)

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Géneros y formas musicales

Música vocalAl comienzo de esta época, la música era monódica y monorrítmica en la que aparece un texto cantado al unísono ysin acompañamiento instrumental escrito. En la notación medieval antigua, el ritmo no puede ser especificado, sibien la notación neumática puede dar claras ideas de fraseos, y otras notaciones posteriores indican el uso de modosrítmicos. La simplicidad del canto, con la voz al unísono y la declamación natural es muy común. La notación de lapolifonía se va desarrollando, y su asunción significa que las primeras prácticas formales se inician en ese periodo.La armonía, con intervalos consonantes de quintas justas, octavas (y después, cuartas justas) comienza a escribirse.La notación rítmica permite complejas interacciones entre múltiples líneas vocales de un modo repetible. El uso demúltiples textos y la notación del acompañamiento instrumental se desarrolla al fin de la era.• El organum, hacia el siglo XII era una pieza musical litúrgica en la que cada nota de un canto era mantenido en

valores largos por una voz, mientras que una, dos o tres voces cantaban embellecimientos sobre ella. Otradefinición más clara es: forma primitiva de polifonía medieval consistente en superponer de maneracontrapuntística una o más voces a la melodía, tomado de los cantos gregorianos. Es una de las primerasmanifestaciones polifónicas que encontraremos en la música occidental (la polifonía es "música vocal oinstrumental a dos o más voces"). Se confeccionaba tomando una melodía gregoriana ya existente, con dos vocessuperpuestas, de movimiento paralelo.

• El conductus es una pieza de carácter semilitúrgico que en principio se cantaba para acompañar o conducir a unpersonaje. En su elaboración polifónica, la melodía fundamental es la más grave: el tenor, la que sostiene a lasotras voces que cantan el mismo texto todas a la vez con el mismo ritmo.

• El motete es una forma polifónica y politextual que comienza siendo litúrgica y luego profana. El motete es degran importancia porque representa la evolución de la polifonía y de la notación musical. Procede del organummelismático. Perotín en su organa compuso una unas serias de vocalizaciones finales (cláusulas) sobredeterminados fragmentos de las melodías litúrgicas que usaba como "vox principalis". Si esos fragmentos deltenor (que a veces no tienen más texto que una o dos palabras) se estructuran en un ritmo riguroso y a lasvocalizaciones de la "vox organalis" se le pone un texto propio, tendremos ya un motete; motete, propiamentedicho, se llamaba a la voz que floreaba con ritmo libre sobre el rígido esquema rítmico del tenor, pues mientraséste sólo tenía algunas sílabas de texto para cantar, aquella lo hace con muchas palabras (mots, motets =palabras). El tenor, a veces, era tocado con un instrumento en lugar de ser cantado; si el motete era a dos voces seconvertía así en una melodía vocal acompañada por un instrumento, y si era para más voces, estas competíanentre sí con toda libertad rítmica y melódica sobre la base instrumental de la voz más grave. Desde el Ars Nova,la introducción de tenores que no procedían directamente del repertorio litúrgico sino que eran cancionespopulares significó la conversión del motete en una de las más importantes formas de la música profana, aunquemuchos grandes músicos siguieron cultivándolo con sentido religioso. Ea libertad y el estímulo de invención quesupone la práctica del motete es uno de los más fecundos hallazgos de toda la historia de la música.

• El hoquetus es una forma musical propia del Ars Nova francés del s. XIV en la cual tres voces realizan uncontrapunto sobre una voz grave.

• El canon está basado en el principio de imitación, consistiendo en una repetición literal de una melodía que seacompaña a sí misma pero desplazada en el tiempo. El más antigua de los conocidos es el inglés "Summer isicumen in" (Llega el verano), de finales del siglo XIII, cuya melodía podía cantarse hasta a seis voces.

•• El madrigal italiano empieza siendo un tipo de motete en que se concede especial atención a la melodía de la vozsuperior.

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Música instrumentalLa danza, muy apreciada tanto en los más refinados ambientes como en las celebraciones populares, fue un factordeterminante en el proceso que antes analizamos consistente en fijar ciertas melodías según esquemas rítmicos.Además de la evidente influencia en términos como la ballata o balada trovadoresca, tuvieron gran popularidad lasestampies y los saltarellos. Hay tipos de danza religiosa, vinculados a las representaciones teatrales que se hacían enlas iglesias sobre la Pasión, la Navidad, etc.; en España se ha mantenido la tradición del Canto de. la Sibila. Tambiéndanzaban los peregrinos que iban en romería, algunas de cuyas piezas se conservan en el Llibre Vermell deMontserrat.No conservamos especificaciones concretas que nos digan si tal o cual obra ha de ser cantada o tocada también coninstrumentos, y menos sabemos qué tipo de instrumentos deben tocarse. Sin embargo, está fuera de toda duda que lamúsica de este período, aunque escrita para voces, podía tocarse también con acompañamiento instrumental; y nosólo la música profana, sino también buena parte de las composiciones religiosas.Desde luego, está claro que la música de danza exigía participación instrumental y, por otra parte, son numerosos lostestimonios tanto iconográficos como literarios que nos dan noticias de la presencia instrumental en la música de laépoca. De los primeros tenemos muestras muy abundantes en la arquitectura: los pórticos de iglesias y catedralestanto en el románico como en el gótico están rodeados de músicos con sus correspondientes instrumentos, entre losque destaca el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela.En este período, tras el despegue operado en la época inmediatamente anterior, se había llegado a una granproliferación de instrumentos y variantes. Podemos estar seguros de que el uso de tales instrumentos fue muyabundante, aunque no había nada que se parezca a nuestras actuales orquestas. Los conjuntos eran muy reducidos, deuna docena de músicos en los casos más excepcionales, y corrientemente sólo tres o cuatro, a veces menos.En la iglesia se admitía solamente el órgano, pero las nuevas composiciones religiosas polifónicas facilitarían laintroducción de otros instrumentos para acompañar o sustituir a las voces: violas, flautas, chirimías, etc. Trovadoresy juglares tañían laudes, arpas, salterios, gaitas y, desde luego, variedad de panderos, sonajas, tamboriles, etc. Paralas celebraciones públicas y las fiestas al aire libre se va perfilando un conjunto característico llamado de "músicaalta" por la potencia y brillantez de su sonido, compuesto de trompetas, chirimías y bombardas.Conviene, finalmente, destacar la influencia de los musulmanes, sobre todo en su aportación en cuanto ainstrumentos se refiere.

Organología medievalMuchos de los instrumentos usados en la época medieval perviven aún hoy día con algunas variaciones. Losprincipales instrumentos conocidos en la Edad Media todavía se usaban en los tiempos de los capetos; otrosaparecieron después del siglo X.

Instrumentos de cuerdaLa música medieval utiliza muchos instrumentos de cuerda, tales como el laúd, la guitarra morisca o mandora, laguiterna y el salterio. Los dulcémeles, similares en estructura a los salterios y cítaras, que eran originalmentepunteados.• El rabel, era un instrumento medieval cordófono de tres cuerdas, tocado con arco. Su caja de resonancia tenía

forma de pera y en ocasiones alargada. El mástil era corto y el clavijero a veces estaba inclinado hacia la derecha,hasta adoptar finalmente forma de hoz. Se introdujo en Europa durante el siglo X desde el mundo árabe.

• El dulcimer, era un instrumento similar al salterio, cuyas cuerdas solían aparecer en órdenes de dos a cuatro. Setocaba percutiendo las cuerdas con unos macillos de madera.

• La fídula, era un instrumento medieval de cuerda frotada con cuerpo oval o elíptico, tapa armónica plana yclavijeros normalmente en forma de disco.

Música medieval 13

• Arpas, liras y salterios: Las denominaciones medievales son con frecuencia muy confusas. Las palabras cythara,rote, rotta o chrotta pueden designar un arpa, una lira con arco, un salterio. Sucede que la lira se bautiza comoarpa o psalterium o que el monocordio «tiene 19 cuerdas». No obstante, la iconografía permite distinguir tres tiposde instrumentos de cuerda sin mástil o mango, y otro instrumento especial:• Las arpas se reconocen por su forma aproximadamente triangular y por sus cuerdas de longitud desigual,

tensas en un plano perpendicular al cuerpo sonoro, entre éste y una consola que lleva las clavijas. El arpapequeña portable y sin duda venida de Irlanda con los monjes irlandeses, todavía es el emblema heráldico deeste país. Desde el siglo IX los juglares acompañan con ella sus relatos y la nueva nobleza feudal aprende atocarla. Pero, a pesar de su contínua aceptación, no parece que el arpa haya suscitado un repertorio específicoantes del siglo XVI.

• Las liras se asemejan a las cítaras antiguas hasta el siglo XI. Las cuerdas de igual longitud, se tensan entre unclavijero y una consola transversal paralelamente al cuerpo sonoro. La lira y el arpa están claramentediferenciadas en un manuscrito del siglo XII, en la que el arpa se llama cythara anglica y la lira cytharateutonica.

• El salterio, que aparece en el siglo XII, en una escultura de la catedral de Santiago de Compostela, se componede una caja de resonancia, plana, de forma generalmente trapezoidal, sobre la que se tensa un número decuerdas muy variables, de longitudes desiguales.

• El monocordio se menciona con frecuencia en la Edad Media. En su origen, es un intrumento científico,destinado a la evaluación de los intervalos. Un caballete móvil que se desplaza a lo largo de una escalagraduada permite medir la longitud de la cuerda que corresponden a los diferentes sonidos para una mismatensión.

Organistrum del Pórtico de la Gloria de la Catedral deSantiago de Compostela

• Laúdes, guitarras y violas: Los instrumentos de cuerdas conmástil existen en Europa desde la Alta Edad Media. Susdenominaciones se confunden a menudo con lascorrespondientes a instrumentos sin mástil, en el mismodesorden y la misma imprecisión. La iconografía sigue siendola mejor fuente de información:

• El laúd, en la forma que el renacimiento hizo famoso, no fueintroducido en Europa sino hasta el siglo XII. Lointrodujeron los moros con su nombre árabe.

• La guitarra, curiosamente, ha tomado su nombre deinstrumento de la antigüedad que no tenían mástil. Desde elsiglo XI o el XII se presenta bajo dos formas: la guitarramorista, que Machaut llama “moracha” y no es otra cosa queun laúd o una bandola, y la guitarra latina, que esaproximadamente la guitarra que nosotros conocemos.

• El organistrum es una especie de viola en la que el arco estáreemplazado por una rueda que frota las cuerdas por acciónde una manivela. Las cuerdas se acortan no con los dedosdirectamente, sino con un teclado. Es el instrumento que hoyse llama "viola de rueda" o zanfona y que pertenece al folclore desde el siglo XVII.

Instrumentos de vientoGuillaume de Machaut distingue en el siglo XIV dos tipos de flauta: las traversas y «en las que tocas recto cuando soplas». Pero no parece ser que, en Europa, las flautas fueron rectas hasta el siglo XII. La flauta travesera vendría

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como entonces, de Oriente. Una pequeña flauta recta llamada flajol o el flaihutel se tocan en asociación con untamboril o tabor, por un solo ejecutante, como todavía se practica hoy en Provenza o en el País Vasco. Las flautas sehacían de madera más que de plata u otro metal, y podían tocarse desde un costado o desde el extremo. La flautadulce, por otro lado, ha conservado más o menos su forma. El Gemscorno se parece a la flauta dulce en que tieneorificios para los dedos en su frente, aunque pertenece en realidad a la familia de la ocarina. Uno de los predecesoresde la flauta, la zampoña o flauta de Pan gozó de gran popularidad en el medievo y es posiblemente de origenhelénico. Los tubos de este instrumento estaban hechos de madera, graduados en longitudes diferentes para producirdiferentes tonos.• Los instrumentos con estrangul o boquilla (generalmente de doble lengüeta, como el oboe) están representado por

los caramillos, las bombarda (una quinta más graves) y las dulzainas, de tubo más estrecho y timbre velado.• Los instrumentos de las familias de los cuernos y de las trompetas son, en general, instrumentos guerreros. El

olifante, cuyo uso duró un poco más de dos siglos, es un cuerno tallado en un colmillo de elefante (de donde sunombre, por aproximación fonética). El instrumento que Dante llama trombetta es una pequeña trompa, unapequeña bocina, una trompeta. Las cuatro tubae y la tubecta de plata que se hizo hacer Federico II en Italia (1240)son probablemente instrumentos del mismo tipo, uno y otro inspirado también libremente en la tuba y la buccinalatinas. Dersde el siglo X se utilizaron igualmente instrumentos cónicos, de cuernos de animal o de madera,provistos de una embocadura de cuerno y perforados por orificios, como el caramillo: son las cornetas, llamadostambién cornetas con boquillas, del nombre que se llama a su embocadura.

• Órganos: el primer centro de fabricación de órganos en la Edad Media fue Bizancio y allí sin duda seconstruyeron los primeros órganos neumáticos, que sustituyeron a los hidráulicos. Al menos, un instrumento deeste tipo está representado por primera vez en un obelisco bizantino. Desde Constantinopla se exportan losórganos a todo el imperio e incluso a Oriente. En adelante, se fabrican en Occidente. En España desde el siglo V yen Inglaterra a partir del año 700. La ejecución de estos instrumentos era bastante rudimentaria. Una serie detablillas correderas, que servía de teclado, permitía introducir el aire de una máquina neumática en los tubos decobre o de bronce perpendiculares con teclas corredizas. Cada tecla podía hacer hablar a uno o varios tubossimultáneamente. Al menos desde el siglo X hubo órganos de pequeñas dimensiones "positivos" (para ponersobre un mueble); en el siglo XII se construirán "portátiles". A partir del siglo XIII, los tubos se reparten en"juegos" de una a diez filas. Se introduce el instrumento en las iglesias; pero, según el testimonio de Ailredo, abadde Rievaulx, los fuelles hacen tanto ruido que el sonido del órgano «más evoca el estampido de los truenos que ladulzura de las voces».

Instrumentos de percusiónHasta el Renacimiento los instrumentos de percusión no desempeñaron sino un papel marginal en la música. Antesdel siglo XII no existían prácticamente, aparte de los juegos de campanas empleados en los monasterios. Noobstante, el ornato cotidiano estaba realzado por ruidos diversos de los que la literatura medieval evoca confrecuencia los aspectos comunes: matracas de los leprosos, amuletos tintineantes con que se cubrían los héroes y losperegrinos, cencerros, cascabeles, campanas, aldabones de las puertas, etc. Sólo en los siglos XII y XIII aparecieronen Europa los tambores de dos pieles, con los que se acompañaban sobre todo los que tocaban instrumentos deviento y el pequeño tambor sobre un cerco con crótalos (pandereta).

Música medieval 15

La música medieval en EspañaLas orientaciones de la música en la Edad Media proceden de Francia, desde donde se irradia su influencia a losdemás países. España, por razones de vecindad geográfica y de entendimiento político, sobre todo por parle de losreyes de Navarra y de Aragón, estuvo al tanto de la vanguardia musical de la época.El Códice Calixtino está constituido por cinco partes referidas a diversos aspectos de la peregrinación a Compostela.Al final del códice aparece una sección musical donde, entre muchas piezas monódicas, figuran veintiún discantos ados voces y uno a tres, probablemente el más antiguo conocido en Europa, pues pertenece al siglo XII. Estamoshablando ya de la primera polifonía.El estilo trovadoresco orientado hacia el aspecto religioso produjo en España una obra magnífica: las Cantigas deSanta María de Alfonso X el Sabio. Recopiladas a finales del siglo XIII, son la más excelente muestra de la entoncesnaciente notación mensural. Las Cantigas son más de cuatrocientas canciones monódicas que relatan milagros yfavores de la Virgen. Parece ser la obra más personal del rey y en la que intervino más directamente; las melodíasproceden en parte de modelos anteriores, litúrgicos y populares, y en parte compuestos por músicos de la corte,también han llegado hasta nosotros las melodías de seis Cantigas de amigo del trovador gallego Martín Codax yotras varias de trovadores catalanes.En cuanto a la música polifónica, también nuestros músicos estaban al día de las nuevas corrientes; así lo atestigua elCódice del Monasterio de Las Huelgas, que contiene composiciones monódicas y polifónicas de los siglos XII alXIV y en su conjunto de 186 obras resume la práctica del Ars Antiqua en España, además de contener un Credo delArs Nova y un ejercicio de solfeo a dos voces, único conocido del repertorio medieval. Su repertorio lo integran lasformas principales del Ars Antiqua: conductus, motete, organum, etc., según el estilo de la Escuela de París, aunquemuchas de sus obras parecen ser de creación propia española.El Llibre Vermell de Montserrat, llamado así por el color de su cubierta, contiene cantos y danzas de los peregrinosdel Monasterio de Montserrat. Es una breve colección del siglo XIV con sólo diez piezas que constituyen unexcelente mosaico de formas y procedimientos: virelais, cánones, danzas, etc., desde una a tres voces.

Galería

Trovadordel siglo

XIII

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Papa Gregorio I dictando cantosgregorianos.

Referencias

Notas

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