CICLO DE CONCIERTOS DE SOLISTASFUNDACIÓN BBVA 2009-2010PLURALENSEMBLE

2 de febrero de 2010

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TE GUITARRAPablo Márquez

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A Tristan Murail (1947)Tellur

Luys de Narváez (1500-1555)Selección de Los seys libros del DelphinI. Diferencias sobre O Gloriosa DominaII. Diferencias sobre Conde Claros

Elliott Carter (1908) Changes

Luys de Narváez (1500-1555)Selección de Los seys libros del DelphinI. Primer tono por ge sol re utII. Fantasía del quinto tonoIII. Fantasía del quarto tonoIV. Octavo tono

Luciano Berio (1925-2003) Sequenza XI

DIRECTOR ARTÍSTICOFabián Panisello

COORDINACIÓN ARTÍSTICA Y PRODUCCIÓNMara Mendialdua

TRES MAESTROS DE NUESTROS DÍAS UNIDOS POR UN MAESTRO DEL SIGLO XVI

El compositor francés Tristan Murail (El Havre, 1947), que además de músi-co fue estudioso de las lenguas árabes y de ciencias políticas y económicas, tuvo como maestro de composición más importante a Olivier Messiaen y como principal referencia creativa a Gyorgy Ligeti. Junto a colegas como Levinas y Tessier, Murail constituyó en 1973 el grupo de música instrumental y electroacústica L’Itinéraire. Su lenguaje compositivo dio un giro tras enriquecer-se con el conocimiento adquirido en el Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique de las nuevas aplicaciones de la informática a la mú-sica. En la actualidad, Tristan Murail ejerce la enseñanza de la composición en la Universidad de Columbia (Nueva York).

Tellur, para guitarra, data de 1977 y fue estrenada en París, el 26 de abril de aquel mismo año, por Rafael Andia. Sobre su obra, el propio Murail ha escrito: «Tellur es, de entrada, una especie de reto: ¿cómo producir con un instrumento de sonidos breves y pin-zados, como la guitarra, los continuos sonoros necesarios para mi trabajo sobre los procesos, las transiciones, las evoluciones? He encontrado una respuesta al utilizar el procedimiento del rasgueado de la guitarra flamen-ca, e incluso, de manera más general, el estilo de toque, los tipos de sonido del flamenco. El tratamiento de los ata-

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Elliott Carter (Nueva York, 1908), que el pasado 11 de diciembre cumplió ciento un años. Este compositor trae hasta nosotros un pasado histórico, que puede representarse en su discipu-lado de Gustav Holst o en su amistad con Charles Ives. Como tantos compo-sitores americanos de su época, Carter viajó al viejo continente y, en los años entre guerras, pasó por la prestigio-sa enseñanza de Nadia Boulanger en París. Hombre culto, abierto a la filoso-fía y a las matemáticas, trabajador en pos de encuentros sociales y culturales entre el Este y el Oeste, su espíritu in-quieto y renovador lo llevó a escapar de modo natural del conservadurismo ca-racterístico de tantas manifestaciones artísticas estadounidenses y a alinear-se con los creadores más avanzados y rompedores. Su influencia está siendo grande, tanto por los efectos de su pro-pia música como por su dedicación a la enseñanza en numerosos e importantes centros.

De Elliott Carter vamos a escuchar una obra que escribió para guitarra en su madurez: Changes, de 1983, y que el 11 de diciembre del mismo año estrenó David Starobin en Nueva York. El propio Carter comenta su pieza muy escueta-mente: «Changes para guitarra sola es música de mercuriales contrastes de carácter y estados de ánimo, unifica-da por su estructura armónica. Varios aspectos de la armonía básica son al-terados en el curso de la obra, a modo de diseños utilizados en transformacio-nes sonoras. La partitura fue escrita en 1983 y está dedicada a David Starobin, quien la encargó y generosamente me asesoró sobre la guitarra».

ques sobre las cuerdas, por ejemplo, es particularmente fino y cuidadoso; así se llegan a producir dos texturas que evo-lucionan en sentidos diferentes sobre una misma cuerda y a la vez: disociando el sonido obtenido por las percusiones de las uñas sobre las cuerdas –sonidos de frecuencia precisa y controlable– y el sonido proveniente de la resonancia propia de las cuerdas. Utilizo también pasajes que progresan del sonido al ruido (apagando gradualmente las cuerdas), la aparición progresiva de sonidos armónicos, resonancias armó-nicas de acordes superpuestos, digi-taciones inéditas de armónicos, trinos múltiples combinando mano izquierda y mano derecha, etc. Tellur es un ejemplo típico de partitura cuyo contenido deri-va esencialmente del material sonoro proporcionado por el instrumento, un instrumento a menudo oído y utilizado de manera que le obliga a plegarse a imperativos estilísticos. Así, hay una total interacción entre material de base y escritura musical. El instrumento está afinado de manera especial, lo que per-mite utilizar acordes o fórmulas de ras-gueado sobre las seis cuerdas sin caer en el inevitable mi-la-re-sol-si-mi de la guitarra».

Quizá nuestros descendientes acaben por encontrar natural que alguien cele-bre su centenario y haya llegado hasta esa edad rindiendo intelectualmente. A nosotros todavía nos maravilla y, de este modo, el que Joaquín Rodrigo casi lo lograra y el que lo haya consegui-do con creces el recién desaparecido Francisco Ayala, es motivo de cele-braciones especiales. Y allí –en los Estados Unidos– tenemos al maestro

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MA El maestro italiano Luciano Berio

(Oneglia, 1925 - Roma, 2003) es uno de los compositores más importantes de la segunda mitad del siglo xx. Su serie de Secuencias, obras de hondo virtuosis-mo, exploradoras de nuevas maneras ejecutorias, buscadoras de nuevas sono-ridades y nuevos acentos expresivos, es natural que abunden en los conciertos a solo. En esta ocasión, vamos a escuchar la espléndida Sequenza XI, para guitarra. Prácticamente todas estas obras nacie-ron con un destino concreto, un determi-nado intérprete cuya capacidad técnica y musical motivaba al maestro. De hecho, las Secuencias berianas tienen tan en cuenta al intérprete próximo o futuro que, con razón, han sido descritas en alguna ocasión como verdaderos «dúos entre el instrumento y el instrumentista». En este caso, la obra fue dedicada al guitarrista estadounidense Eliot Fisk, quien la estre-nó en Rovereto (Italia) el 20 de abril de 1988.

Trazando dos arcos de un imponente y atractivo puente temporal, el recital de Pablo Márquez ofrece, entre músicas contemporáneas, dos miradas desde la guitarra hacia el pasado remoto: la vihuela española del Renacimiento. La edad de oro de la música española sin duda fue el siglo xvi, cuando nues-tra música polifónica religiosa, con su punto culminante en Tomás Luis de Vic-toria, estuvo a la cabeza de la música europea, mientras que en el campo ins-trumental brillaba el genial teclista An-tonio de Cabezón y se daba la gran eclo-sión de los vihuelistas. Nos interesa hoy singularmente la música para vihuela del granadino Luys (o Luis) de Narváez (Granada, 1500 - 1555), que fue el gran introductor y practicante en la vihuela de

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José Luis García del Busto

la diferencia, que no es sino la manera primitiva del moderno arte de la variación. Los seys libros del Delphin presentan el siguiente contenido: los dos primeros, catorce fantasías, esto es, música de creación propia; el tercero, adapta-ciones hechas por Narváez de obras polifónicas; el cuarto, seis diferencias y cinco contrapuntos; el quinto, dos can-ciones y nueve diferencias; y el sexto, veintinueve diferencias y una danza. Con fino criterio, Pablo Márquez nos propone escuchar piezas de distintos planteamientos: diferencias sobre can-ciones preexistentes, en el primer gru-po programado, y piezas por completo originales de Narváez, en el segundo.

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BLE Pluralensemble es un conjunto instru-

mental especializado en música de los siglos xx y xxi, nacido con la vocación de difundir la música contemporánea, es-pecialmente la creada en España. Bus-cando siempre la más alta calidad in-terpretativa, desarrolla anualmente una temporada estable de conciertos y giras, alternando el más exigente repertorio de solista con obras de conjunto.

A lo largo de sus trece años de vida, ha desarrollado sus temporadas de conciertos en el Auditorio Nacional de Música, el auditorio del Museo Thysen-Bornemisza y el Círculo de Be-llas Artes de Madrid, y ha intervenido con gran éxito de crítica y público en festivales y auditorios como Musica

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(Estrasburgo), A Tempo (Caracas), Pré-sences (París), Ars Musica (Bruselas), Manca (Niza), Spaziomusica (Caglia-ri), Aspekte (Salzburgo), IFCP Mannes (Nueva York), Konzerthaus (Berlín), Festival de Música de Alicante, Quin-cena Donostiarra, o el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Para este año tiene además prevista su participa-ción en la WDR de Colonia, el Festival Nous Sons del Auditori de Barcelona y el Festival de Otoño de Varsovia.

Ha realizado grabaciones de música de autores como David del Puerto, César Camarero, Peter Sculthorpe o Fabián Panisello, y tiene prevista la aparición de tres discos monográficos sobre la

obra de cámara de Ravel, Ligeti y José Manuel López López.

Colabora habitualmente con otros ensembles internacionales como el Ensemble Orchestral Contemporain, así como con solistas como Dimitri Vassilakis, Pilar Jurado, Marco Blaauw, Miquel Bernat o Ananda Sukarlan, y directores como Zsolt Nagy, Daniel Kawka o Jean Paul Dessy.

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EZ El guitarrista argentino Pablo Márquez obtuvo renombre internacional en 1987, al ganar a los veinte años, por unanimidad y en el espacio de pocas semanas, el primer premio de dos de los más importantes concursos inter-nacionales de guitarra: el Villa-Lobos en Río de Janeiro y el de Radio France en París. Este logro sin precedentes, sumado a los premios recibidos en los concursos internacionales de Ginebra y de Múnich, le abrió las puertas de los centros musicales más relevantes del mundo.

Pablo Márquez recibió su primera formación musical en Salta (Argenti-na) con Graciela Lloveras y Eduardo Corces, y se perfeccionó en Buenos

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Aires con Jorge Martínez Zárate y Eduardo Fernández. Más tarde se es-tableció en Francia para completar su formación musical, donde estudió música antigua con Javier Hinojosa y dirección orquestal con Eric Sobzyck. Fue también decisivo su encuentro con el legendario pianista húngaro György Sebök, quien marcó profundamente su evolución artística.

A lo largo de su carrera ha visitado más de cincuenta países en todo el mundo, siendo aclamado en los tea-tros más prestigiosos (Concertgebouw de Ámsterdam, Cité de la Musique en París, Teatro Colón en Buenos Aires, entre otros), en grandes festivales (Aix, Avignon, Musica de Estrasburgo

o San Sebastián), como solista y también en colaboración con músicos de la talla de Dino Saluzzi, Mario Caroli, Anne Gastinel o el Rosamunde Quartett. Solis-ta invitado de orquestas y ensembles de prestigio (Ensemble Intercontemporain, Bayerische Rundfunk, Filarmónica de Radio France o Nordwest-Deutsche Philharmonie), toca bajo la dirección de Josep Pons, Susanna Mälkki, Mark Foster y Roland Hayrabedian, entre otros. Es además miembro fundador del AlmaViva Ensemble, dedicado a explo-rar el repertorio de música de cámara de compositores latinoamericanos.

Su compromiso con la música contem-poránea lo llevó a colaborar con los más grandes creadores de nuestro

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EZ tiempo –Luciano Berio, György Kurtág, Mauricio Kagel...– y a estrenar innume-rables obras de Oscar Strasnoy, Bruno Mantovani, Ramón Lazkano, Fuminori Tanada, Javier Torres Maldonado, Arthur Kampela y Zad Moultaka. En 1995, Pierre Boulez lo invitó a interpretar la Sequenza XI de Berio, en homenaje a los setenta años del compositor italiano.

La amplitud fuera de lo común de su repertorio, que va del Renacimiento a la más reciente vanguardia, pasan-do por la música de raíz folclórica de Salta, su insaciable curiosidad musical, la comprensión de cada estilo que abor-da, así como la inspiración espontánea de su manera de tocar, han suscitado el entusiasmo del público y de la crítica internacional.

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Sus grabaciones para ECM New Series, Kairos y Naïve recibieron numerosas distinciones, como el Grand Prix du Disque de la Academia Charles Cros, el Premio Amadeus, RTL d’Or, y fueron de-signados Mejor Disco de Música Anti-gua por el Neue Musik Zeitung en Ale-mania (Narváez, ECM), y Mejor CD de Música Clásica del Año por Readings en Australia (Narváez, ECM).

En la actualidad, Pablo Márquez ense-ña en la Musik-Akademie de Basilea, en Suiza.

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