Revista completa3

PUNTO VISUAL 1

FONDO VISUALR e v i s t a d e A r t e s V i s u a l e s

Viernes 4 de julio del 2014 • Año 1 • N°1

Renace el arte realista contemporáneo | Conociendo la historia del Arte Gráfico | La PUCP y el Arte del Grabado | Técnicas del Grabado : Litografía, Xilografía, Serigrafía y Grabado Aditivo. | Artistas

visuales del mes | Obras visuales destacadas del mes

2 PUNTO VISUAL PUNTO VISUAL 3

IND

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Renace el arte realista contemporáneo

Conociendo la historia del Arte Gráfico

La PUCP y el Arte del Grabado

Técnicas del Grabado : Litografía, Xilografía, Serigrafía y Grabado Aditivo.

Artistas visuales del mes

Obras visuales destacadas del mes

edit

oria

l La gran particularidad del arte, es su REINVENCI ON, y es que se reinventa con el pasar del tiempo. Hoy somos testigos de las mara-villas que se logran fusionan-do nuevos estilos con estilos tradicionales, incorporando corrientes alternas de otro tipo de arte a las tradiciona-les y poco a poco vemos cómo es que se crean nue-vas tendencias.

Esta revista busca no solo ser una fuente de conoci-miento, sino también ser una plataforma de expresión para aquellas nuevas formas de artes visuales que se van entretejiendo y que pasan desapercibidos. En este núme-ro, nuestra primera edición, buscamos dar a conocer un arte que se ha dejado de lado hace algún tiempo, El Grabado.

En las siguientes páginas se desarrolla de qué se trata este arte y qué se escon-de dentro de éste. Además, los lugares en los que se puede aprender profesional-mente este arte en Lima, Perú. Nuestra meta es que al finalizar la lectura de este número nuestro lector sienta que aprendió sobre el gra-dado pero sobre todo que pueda reconocer el arte del grabado y así contribuir, de alguna forma, a la revalo-rización de un arte que se considera casi perdido.

Foto: R.Romero

Foto: R.Romero

Foto: R.Romero


Renace el arte realista contemporáneo1

Nuevo movimiento de artistas asocia lo “contemporáneo” con técnicas tradicionales de antiguos maestros.

El término “arte contemporáneo” fue, por mucho tiempo, asociado con movimientos modernistas y posmodernistas porque cuando esas tendencias emergen, las palabras “arte contemporáneo” o “arte moderno” también son el arte actual. Sin embargo, es-tos movimientos comenzaron décadas atrás y hoy los términos están desviados.

Un nuevo movimiento de artistas está devolviendo el término “contemporáneo” y lo están asociando con las técnicas tradicionales de los antiguos maestros, aplicado a la experiencia humana, así como a temas importantes de la época.

El público en general se está cansando del arte que necesita largas explicaciones y justificaciones. Más y más personas quieren reconocer lo que están bus-cando y responder a esto, preferiblemente, a un nivel humanista y no solo a algo conceptual. El movimiento realista contemporáneo comenzó primero como una reacción a los modernistas y posmodernistas, quienes todavía dominan el mercado del arte en el presente.

Cuando uno puede tomar un objeto encontrado, ponerlo en un museo y llamarlo arte, el sentimiento general entre este movimiento creciente es que la de-finición de arte se ha vuelto tan amplia que la palabra “arte”, como se define en el arte corriente, ha dejado en tener un significado.

El movimiento modernista originado a principios de 1900 y una crítica de ese tiempo señalaron que “El propósito reconocido del arte ha sido manipulado al introducir los elementos componentes de palabras fal-tantes… muchos amigos del arte esperan que llegue a su destino, pero unos pocos campeones ven una revo-

lución en progreso”. Yockney, Alfred.

Los oprimidos modernistas, prontamente, se apodera-ron del mundo del arte, dominándolo completamente a fines de 1940. Después de la tragedia de dos gue-rras mundiales y la gran depresión, la humanidad fue abandonada con un corazón de cinismo y una mente

llena de pensamientos existencialistas, dos cualidades que el arte moderno y posmoderno llevaron hasta el fondo.

En reacción a esta visión negativa de la humanidad y sus logros, los realistas contemporáneos sintieron que a la humanidad se la sirve mejor al representar, a través del arte, las cualidades en la vida que nos unen

“La mujer”. Pintura al óleo. Ángel Peychinov


suRge y ResuRge aRte

Nuevo y oLvidado

La historia nos ha llevado, una vez más, a un círculo completo con los realistas contemporáneos ya que los oprimidos tratan de levantarse y luchar en contra del arte moder-no establecido, el cual ha tratado de suprimir el realismo por 100 años a través de su devaluación, ambos como expresión del espíritu humano y como una legítima forma de arte contemporáneo.

el realismo es todavía una parte pequeña del trabajo que se hace en el mundo del arte pero ha en-contrado raíces sólidas que conti-núan creciendo y floreciendo en un mundo desesperado por arte que se pueda observar, reconocer y re-lacionar sin requerir de largas expli-caciones o justificaciones.

al usar métodos tradicionales de métodos narrativos para contar historias, proezas técnicas, repre-sentaciones exactas de la realidad, belleza, composiciones balancea-das, iluminación sensacional y, lo más importante, temas relacionados a lo humano expresando la natura-leza humana que compartimos, el movimiento realista contemporáneo se ha convertido en un representa-tivo cambio global de rápido cre-cimiento en el mundo del arte en la actualidad.

como personas, en lugar de la degradación de la civi-lización.

Nada dice más de una cultura que el arte que idola-tra. El arte representa lo que una cultura valora, lo que piensa su gente y, esencialmente, lo que considera que vale la pena recordar. El arte representa a su gente, en-capsulando su esencia en cada nivel.

Los realistas contemporáneos buscan, en el arte que estuvo antes de esas catástrofes globales, a los viejos maestros y especialmente, a los artistas clásicos del siglo XIX, cuyos trabajos llegaron a lo más alto antes de la arreme-tida del modernismo. Ellos son ahora los progenitores de un re-nacimiento con nuevos temas que abarcan libertad de expresión a través de la narración de cuentos visuales.

Internet se ha vuelto la herra-mienta más importante para el movimiento realista. Le permite al movimiento ganar fuerza desde hace 10 años al unir las mentes con gustos similares, capacitándolas al encontrarse entre ellos mismos y promover sus pensamientos a otros.

A través de grupos tales como GoodArt, el Art Renewal Center -ARC- (centro para la renovación del arte) fue fundado como un centro para el realismo. Se convir-tió en el museo más grande en In-ternet y el único, en ese momento, dedicado al arte tradicional.

El ARC buscó las pocas escuelas de estudio que todavía utilizaban métodos de entrenamiento pro-venientes de los viejos maestros y encontró solo a 14 funcionando en ese momento, con menos de 200 estudiantes, ARC lo dio a conocer al público.

Desde ese momento, las escuelas de estudio han crecido drástica-mente, con más y más creadas cada año. En la web que habla sobre la renovación del arte, 72 escuelas de estudios y talleres están registradas ahora, con mu-chos estudiantes y hay muchas fuera que no se han registrado.

Otras alianzas también se han formado, tales como la Sociedad Americana de Realismo Clásico, el Gremio Internacional de Realismo, Sociedad Americana de Retrato Artístico, Pinturas al Óleo de América, Pintu-ra de Dibujo Chino Internacional y el Club de Arte en California, entre muchos otros.

Ahora hay revistas que se dedican al realismo, tales como Fine Art Connoisseur, Plein Air, Artist Advoca-te, American Arts Quarterly, Art of the West, y otros.

El instructor principal de la Ani Art Academy Wai-chulis, Anthony Waichulis, comenta: “En pocos años atrás, he encontrado que las solicitudes y preguntas se han incrementado diez veces. Parece que este constan-te resurgimiento del realismo está alentando a nuevos

artistas aspirantes a perseguir con entusiasmo estas habilidades en una escala que no se había visto antes.

Las escuelas de estudios son la base del movimiento. James Oliver escribió: “Soy un artista que se ha des-encantado del mundo del arte a tal grado que, en vez del arte, he perseguido una educación científica. Creo que este sitio es la primera indicación real de que la locura está comenzando a despejarse en tanto la hu-manidad redescubre la belleza”.

Las escuelas de estudio, organizaciones, revistas y si-tios de Internet no solamente muestran señales del resurgimiento del arte tradicional. Los precios en su-bastas para pinturas y esculturas realistas se han in-crementado drásticamente en los últimos 35 años, es-pecialmente las del siglo XIX, con pinturas de artistas tales como William Bouguereau subiendo, en algunos casos, 1.000 veces o 100.000 por ciento.

No parece posible que los precios elevados en las su-bastas de pinturas del siglo XIX y la contínua expan-sión del movimiento realista contemporáneo estén sin relación, o aislados, en la tendencia del movimiento global hacia el realismo.

Galerias, incluso algunas importantes como Hirschl y Adler, en Nueva York, están vendiendo y haciendo shows para artistas realistas de nuevo. Los museos es-tán aceptando las obras realistas en sus colecciones, incluidas las obras de artistas que todavía estan vivos.

John Angel tuvo, recientemente, su retrato titulado “Annigoni 1954”, incluido en el museo Villa Peyron en Florencia, Italia. La pintura es de Pietro Annigoni, un raro realista de mediados del siglo XX, quien es citado diciendo, “Solamente el impulso no hace una obra de arte”.

El maestro viviente y escultor Richard MacDonald trabaja, generalmente, en instalación masiva de obras múltiples para el Royal Ballet de Inglaterra.

En reacción a que más y más personas están volvien-do a apreciar el arte tradicional, las personas no tie-nen miedo de decir que no les gusta el modernismo.

El presidente de ARC, Fred Ross, declaró en su discur-so en 2001, dirigiéndose a una multitud de 700 artis-tas de retratos, propietarios de galerías y miembros de la prensa en el museo Metropolitano de Nueva York: “La mayoría de personas no son devotas o educadas en las bellas artes, estas han intimidado exitosamen-te al grueso de la humanidad a encogerse en silencio, sintiéndose tontos por su inhabilidad para entender”.

Pintura figurativa al óleo. german tessarolo


2 conociendo la historia del Arte Gráfico

a pesar de ser una de las artes más antiguas no ha quedado en el olvido. en nuestro país, dos casas de estudio enseñan esta carrera.

El término de artes gráficas se refiere, básicamente, a la elaboración de todo tipo de elementos visuales rea-lizados a partir de un conjunto de técnicas de dibujo y grabado. Es decir, es un proceso artístico de la crea-ción y elaboración de un concepto/ diseño, utilizando un soporte y para realizar una transferencia de dicha imagen a un sustrato, creando así una expresión ar-tística.

Las artes gráficas toman mayor importancia a raíz de uno de los acontecimientos más importantes de la his-toria de la humanidad, la invención de la imprenta de tipos móviles por parte del orfebre de origen alemán Johannes Gutenberg, el cual realizó la impresión de la Biblia.

Es en este momento cuando se comienza a agrupar a

estos oficios, aquellos relacionados con la impresión y el arte gráfico como la acomodación de los tipos mó-viles, la encuadernación, la impresión, los acabados, etc.

Tiempo después, hacia finales del siglo XVIII, aparece un nuevo procedimiento: La Litografía, desarrollado por Aloys Senefelder. . La Litografía consiste en una novedosa técnica de impresión, donde a partir de la repulsión natural entre el agua y el aceite se utilizó una piedra caliza y una barra de cera realizar impresiones

Tiempo después llegaría la prepensa o fotomecánica, esta técnica obtiene transparencias negativas, o posi-tivas, de imágenes, dibujos, documentos, etc, las que podían usarse para realizar copias fieles en un plancha cuando entran en contacto con la misma. Se usaban

PuCP

La Pontificia Universidad Católica del Perú desarrolla la carrera de grabado dentro de la Facultad de arte. La carrera tiene una duración de 5 años académicos, con lo cual el alumno temrina con el título de Bachiller en arte con mención en grabado. además, la formación artística que brinda la universidad permite al alumno desarrollarse tanto independientemente, en la docencia, como director de proyectos de investigación y/o en la edición de grabados o libros artísticos.

http://facultad.pucp.edu.pe/arte/

esCueLa NaCioNaL autÓNoMa de BeLLas aRtes deL PeRÚ

La formación en el departamento académico de grabado busca brindar el adecuado manejo de materiales, dominio de técnicas y tecnologías para la construcción y desarrollo de proyectos plásticos complejos, que incluyen: la investigación, el desarrollo de un pensamiento comunicativo, la experimentación y la generación de una propuesta personal o colectiva autentica, representativa y valiosa para el arte y la sociedad.

grandes máquinas, así como cámaras especiales que dividían el color de las imágenes

Ya hacia finales del siglo XIX se produce una mejora sustantiva en cuanto a la impresión, se creó el Sistema Offset. Este sistema mejoraba drásticamente la cali-dad de la impresión empleando un sistema indirecto de tres cilindros.

Luego aparecieron también otros sistemas de impre-sión, como la flexografía, la serigrafía, o el huecogra-bado, entre otros.

Actualmente, las nuevas tecnologías y su constante desarrollo han colocado en la delantera a la impre-sión digital. Este arte gráfico se utiliza, en su mayoría, como un medio de promoción publicitaria aplicándo-se diversas técnicas en rótulos y carteles, páginas web, envases y cajas, recipientes y botellas, y etiquetas.

En nuestro país, existen diversas casa de estudio que ifrecen la posibilidad de poder estudiar y volverse un profesional de arte visual digital. Sin embargo, si lo que buscamos es aprender y desarrollarnos en aque-llas técnicas tradicionales de impresión, como el gra-bado, la litografía, serigrafía, etc. Pues el grueso de las casas de estudio se reduce drásticamente a solo dos: La Pontificia Universidad Católica del Perú PUCP, y la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes. del Perú.

Son estas dos instituciones las que cuentan con la carrera de Arte. En ambas instituciones se tiene que postular para poder pasar por un proceso de admi-sión y saber si es aceptado por la respectiva casa de estudio a la que se postule. Las dos escuelas dan el título de Bachiller en Arte al culminar los 10 semes-tres académicos que confôrman la carrera, y ambas también dan la certificación de Licenciados en Artes Plásticas y Visuales con mención en Grabado, en el caso de la Escuela Nacional Autónoma de Bellas Artes y Licenciado en Arte con mención en Grabado, en el caso de la PUCP.

Si bien es cierto que estas instituciones difieren en el carácter de enseñanza, tanto particular como nacio-nal, cabe resaltar que la calidad de la enseñanza en ambas es de completa excelencia y que ambas mantie-nen estandares educativos muy altos dignos de cual-quier intitucion educativa artística.

técnica del grabado aditivo. Foto: R.Romero


La PUCP y el Arte del Grabado

La actual Facultad de Arte comienza sus actividades en el mes de agosto del 1939, cuando iniciara sus clases la Academia de Arte Católico, cuyo fundador y director fuera el Profesor Adolfo Winternitz.

Con el transcurrir del tiempo su denominación cambió hasta llegar a ser finalmente la Facultad de Arte. Asimismo, a los cursos primigenios de Dibujo y Pintura fueron incorporándose nuevas disciplinas, como las más recientes de Diseño Industrial y de Educación Artística.

El año 1979, la UNESCO reconoce el método creado por el maestro Winternitz como ejemplo para las escuelas de Arte de América Latina y El Caribe. Como consecuencia de ello, la entonces Escuela de Artes Plásticas fue invitada a realizar, en París, una exposición demostrativa de su sistema pedagógico.

La Facultad de Arte de la PUCP está en constante adecuación a la realidad cambiante del mundo artístico. Sin embargo, dentro de ese continuo devenir se respetan sus lineamientos básicos, que proporcionan a sus estudiantes los fundamentos de un lenguaje plástico. Estos, unidos con los propios de la formación universitaria, facilitan el ejercicio de su vocación y suministran a los estudiantes una visión amplia y

clara del contexto en el cual se desenvuelven, tanto en el aspecto individual como en el ámbito colectivo.

Es de especial interés para esta unidad que sus egresados, además de poder desplegar sus habilidades artísticas, tengan plena conciencia de que en un mundo cada vez más interrelacionado se pueden tener como puntos de referencia una serie de planteamientos de diversa índole, pero que lo importante es saber utilizarlos para concretar una propuesta original que no sea mera repetición de paradigmas predominantes en otras realidades.

La Facultad de Arte ofrece actualmente seis especialidades: Pintura, Escultura, Grabado, Diseño

Gráfico, Diseño Industrial y Educación Artística. El plan de estudios contempla que el alumno que opte por alguna especialidad debe haber aprobado previamente los cuatro semestres de Estudios Generales que se imparten en nuestra unidad académica.

La Facultad de Arte proporciona a sus estudiantes los elementos fundamentales para que su formación tanto artística como intelectual tenga la alta calidad que una institución como la nuestra hace posible. Independientemente de la formación que actualmente se imparte a nuestros alumnos, consideramos que se requiere incidir de manera fundamental en la transmisión de los elementos cognitivos, de manera que los doten de una base sólida que les permita sustentar teóricamente sus planteamientos en lo que respecta a sus obras personales, y realizar una tarea de investigación vinculada con los procesos de otras disciplinas artísticas.

Los Estudios de Formación General comprenden un período de 4 semestres, los cuales contienen una serie de asignaturas obligatorias de carácter artístico y teórico para los alumnos de todas las especialidades, junto con las respectivas introducciones obligatorias según la especialidad.

Las asignaturas de Dibujo Técnico y Dibujo Geométrico 2 son alterno-obligatorias; es decir, el alumno puede llevar una de las dos, aunque Dibujo Técnico es obligatoria para Diseño Industrial.

Algunas asignaturas se extienden algunos semestres

más. Se trata de las asignaturas de Historia del Arte (hasta el semestre 6) y Dibujo del Natural (hasta el semestre 8);estas últimas son obligatorias solo para las especialidades artísticas. Las asignaturas teóricas de Estudios de Formación General se extienden hasta el semestre 10 o 12, de acuerdo a la especialidad.

Las asignaturas obligatorias para las especialidades de Grabado, Escultura y Pintura desarrollan y fortalecen las habilidades necesarias para escribir el trabajo final (Memoria o Investigación temática).

La misión de la facultad es desarrollar, a nivel profesional, el talento de los futuros artistas plásticos y diseñadores del Perú, asumiendo el compromiso de generar cultura a través de proyectos artísticos e investigaciones, y poniendo especial énfasis en el acento humanista y de compromiso social de nuestra Universidad.

Asimismo, la visión es ser una de las Facultades de mayor compromiso con el desarrollo del país,

fomentando la creación y adecuación de carreras profesionales que respondan a necesidades concretas de nuestra sociedad, tanto en el ámbito del diseño como de las artes plásticas.

La Facultad de arte PuCP , una de las primeras casas de estudio en profesionalizar el arte en Latinoamérica.

HISTORIA DEL ARTE EN LA PUCP

ESTRUCTURA DE LOS ESTUDIOS ARTÍSTICOS

MISIÓN Y VISIÓN DEL ARTISTA PUCP

dibujo y modelado. 74 expo 2012.



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En el grabado se conjugan aspectos conceptuales, es-téticos y técnicos, en los cuales la investigación, la ex-perimentación y el estudio de las diversas técnicas de impresión llevan a la producción de una obra gráfica.

La cualidad del grabado es la reproducción, por eso desarrolla a través del proceso creativo y reflexivo, una serie de propuestas artísticas (grabar, repetir, incidir, arañar, entintar, imprimir o estampar) que tienen como base la matriz donde se aplican diversas técni-cas de dibujo, componiendo y creando de esta forma la imagen gráfica.

Los métodos de impresión empleados en el grabado van desde los utilizados en los inicios de la imprenta (intaglio, litografía y xilografía) hasta los sistemas di-gitales de reproducción.

La vocación es importante cuando el alumno quiere dedicar su vida al arte, pero debe tener en cuenta que debe estar acompañada de disciplina y constancia. La sensibilidad, el talento y el conocimiento se desarro-llan a lo largo del tiempo, en un proceso de búsqueda interior que lo enfrenta con sus propias limitaciones e inquietudes. Debe ser capaz de alternar el estudio y la práctica, cuidando de seguir el proceso de aprendizaje que requiere un verdadero artista. El alumno podrá realizar su propia obra, desarrollándose como artista profesional, utilizando talleres de edición e impresión.

Asimismo, realizará ediciones de grabado y libros ar-tísticos. Su formación lo capacitará para desempeñar-

se en la docencia, dirigiendo talleres en universidades, institutos y escuelas de arte. Además, podrá liderar proyectos de investigación y programas de entidades culturales y sociales.

Foto: R.Romero

Foto: R.Romero

EL GRABADO EN LA PUCP


4 Técnicas del grabado

Técnica empleada para conseguir la reproducción de una imagen cuya matriz es una piedra caliza pulida. En esta técnica no se graba la piedra, sino que se em-plea la característica que tiene cierta variedad de caliza para reaccionar químicamente ante la presencia de las grasas.

La imagen se realiza sobre la piedra dibujando con un lápiz graso que recibe el nombre de “lápiz litográfico” o con tintas especiales para litografía. Una vez reali-zado el dibujo se procesa la piedra con una solución de ácido y goma arábiga, consiguiendo que el dibujo quede fijado a la piedra y estable.

Se humedece la piedra y la tinta se aplica con rodillo, el rechazo que ejerce la zona dibujada (grasa) sobre el agua, y el rechazo del agua sobre la tinta aplicada (también grasa) hace que la tinta solo se deposite so-bre el dibujo. Para obtener las copias se utiliza una prensa litográfica.

LITOGRAFIA

La serigrafía consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco. El paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta.

Se sitúa la malla, unida a un marco para mantenerla siempre tensa, sobre el soporte a imprimir y se hace pasar la tinta a través de la malla, aplicándole una pre-sión moderada con un rasero, generalmente de cau-cho.

La impresión se realiza a través de una tela de trama abierta, enmarcada en un marco, que se emulsiona con una materia fotosensible. Por contacto, el original se expone a la luz para endurecer las partes libres de imagen. Por el lavado con agua se diluye la parte no expuesta, dejando esas partes libres en la tela.

El soporte a imprimir se coloca debajo del marco, dentro del cual se coloca la tinta, que se extiende sobre toda la tela por medio de una regla de goma. La tinta pasa a través de la malla en la parte de la imagen y se deposita en el papel o tela.

Actualmente la serigrafía en seda es la técnica más conocida de las serigrafías. Esta técnica se emplea en numerosos objetos cotidianos como posters, camise-tas, tejidos estampados... el uso más famoso de esta técnica se puede ver en las obras de Andy Warhol.

SERIGRAFÍA

Foto: R.Romero

Foto: R.Romero

Foto: R.Romero

Foto: R.Romero

16 PUNTO VISUAL PUNTO VISUAL 17 Técnica serigráfica. Fuente: Decorpeint

XILOGRAFÍA

Es la técnica de grabado más antigua, considerada dentro del rubro de Grabado de Relieve, en la que se emplea como matriz una superficie de madera, generalmente maderas duras como el boj, el peral o el cerezo.

El dibujo sobre la plancha puede hacerse de dos maneras; haciendo los trazos en el sentido de la veta, siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman el tallo del árbol, o bien transversalmente, haciendo cortes perpendiculares a la dirección de las fibras que conforman el tallo del árbol.

Sobre la matriz de madera se construye la imagen tallándola mediante herramientas con las que se rebaja la superficie de la matriz, obteniéndose huecos que corresponden al color blanco o a la ausencia de color.

Suelen utilizarse cuchillos y gubias para el grabado a fibra, mientras que para el grabado a contrafibra se emplea el buril, que permite trabajar sobre superficies más duras y obtener surcos más delgados y precisos.

Cuando se ha terminado de tallar la imagen, se entinta la matriz con un rodillo, que deposita la tinta

en toda la superficie de la matriz, salvo en los huecos tallados con las gubias (los blancos). Finalmente, la imagen se pasa al papel utilizando una prensa vertical o un tórculo.

GRABADO ADITIVOLos procesos aditivos pertenecen a los Sistemas de Estampación, y dentro de éstos, se sitúan en el grupo de técnicas de grabado aditivas, ya que para crear la matriz se añade materia sobre el soporte. Ésta será de diferente naturaleza dependiendo de la técnica con-creta, y deberá reunir una serie de requisitos para su uso en los procesos de grabado y estampación, como por ejemplo: - Presentar una consistencia que nos permita trabajar y obtener los resultados que se pretendan, salvo en los casos en los que se trabaje con materiales u objetos, que no necesiten modificación. - Ser capaz de retener y permitirnos regular la canti-dad de tinta que se desee. - Adquirir una consistencia dura que permita resistir las operaciones de entintado, limpieza y presión en la estampación. Estos procedimientos surgen con la aparición de nuevos materiales, y aportan un enrique-cimiento considerable a los procesos tradicionales de grabado, ampliando su vocabulario en sintonía con las claves estéticas más actuales. En este tema, se aborda-rán las siguientes técnicas aditivas: “Grabado al carborundo”, “Collagraph” y “Grabado con masilla de poliéster”.

Foto: R.Romero

Foto: R.Romero

grabado aditivo por Maria Julia gallego


5 ARTISTAS VISUALES del MES

THEO JANSEN

JOSÉ SABOGAL

Theo Jansen es un artista y escultor cinético holandés que construye grandes figuras imitando esqueletos de animales que son capaces de caminar usando la fuerza del viento de las playas holandesas. Sus trabajos son una fusión de arte e ingeniería gracias al uso de algoritmos genéticos, programas que poseen una evolución dentro de su código y que se pueden modificar para solucionar variedades de problemas incluyendo diseños de circuitos, y en el caso de las creaciones de Theo Jansen, sistemas muy complejos.Desde su laboratorio de Ypenburg, Jansen estudia la historia de la evolución biológica para dotar a sus

nuevas generaciones de criaturas de capacidades cada vez mayores. En el futuro, el artista holandés prevee que sus creaciones se volverán cada vez más sofisticadas anatómicamente: desarrollarán músculos, un sistema nervioso, y algún tipo de cerebro que les permita tomar decisiones complejas. Y un día, anhela, las criaturas de la playa no le necesitarán para seguir evolucionando. Manadas completas en las playas competirán por ser las más veloces y estables, y transmitirán de manera autónoma su ADN a las siguientes generaciones, integradas ya por completo en su ecosistema.

Pintura de José sabogal

José Sabogal es un pintor peruano quien dedicó muchos años de su vida a promover la cultura y esteticas precolombinas a través de su arte mostrando interes en representar a la ciudad y sus habitantes en sus pinturas. Nació en Cajabamba, Cajamarca, el 19 de marzo de 1888 y murió Lima el 15 de diciembre de 1956. Hoy, su obra es reconocida nacional e internacionalmente por haber dedicado su vida a promover el movimiento indigenista del Perú.Sabogal promovió el rescate de temas de costumbres y el paisaje peruano retratándolos con colores vivos y aplicando una pincelada fluida con una composición vigorosa.Sin embargo, hubo gente que lo catalogaba como "el pintor de lo feo" al tener una técnica cruda que llegaba a veces a la caricatura con estilizaciones figurativas.Tras cursar estudios en Argentina y un breve paso por el Cuzco, Sabogal llega a Lima en 1919 y expone una serie de obras bajo el título "Impresiones del Ccoscco". La cual le trajo muchas críticas por mostrar un especial interés por los temas andinos, lo cual en esos tiempos no era muy bien acogido. Para José Carlos Mariátegui, Sabogal es, ante todo, el primer pintor peruano. La temática y estilo de Sabogal tiene un proceso biológico, espontáneo y ordenado", dijo el bate peruano en 1927.

theo Jansen junto a una de sus esculturas cinéticas

José sabogal


6 OBRAS visuales DESTACADAS DEL MES

“Tu eres eso”, nombre de la exposición, es la célebre frase Vedanta “Tat tvam asi”, que nos recuerda que todo lo que tenemos a nuestro alrededor está hecho del mismo material que nosotros, fugaz en apariencia e inmortal en esencia.

La muestra constará de 22 fotografías, en su mayoría en blanco y negro, que nos envuelven en una mirada involucrada. Un libro de viaje que revela, a través del paisaje, un espíritu conmovido que narra los encuentros con el asombro. La naturaleza y el espacio interior en espejo y en diálogo.

El artista Pedro Aznar conocido por su obra musical y poética. Con esta exposición se conocerá una nueva puerta de su mundo creativo, la fotografía.

“Tú eres eso” Pedro Aznar

“La obra de Rómulo Macciò difunde con inusitada calidad y precisión la vigencia de la pintura como reveladora de las problemáticas urbanas contemporáneas. Rige, con particular estilo, el paradigma pictórico argentino; conservando en su trayecto el denodado esfuerzo para sostener su libertad con histórica pose” sostiene Renato Rita, curador de esta muestra donde expondrán obras inéditas del reconocido pintor argentino.Macciò nace en Buenos Aires en 1931. A los catorce años empieza a trabajar en una agencia publicitaria. Se especializa en Artes Gráficas y realiza decoraciones y escenografías teatrales. Comienza a dedicarse

asiduamente a la pintura a partir de 1956 cuando realiza la primera exposición en Buenos Aires. Viaja a Nueva York y a varias ciudades europeas exponiendo en casi todos los países que visita. En 1961 se une con Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega para organizar la muestra “Otra Figuración”, con quienes realizará luego varias exposiciones.Su pintura es más abstracta que figurativa, la figura humana, generalmente fraccionada en líneas y planos y otras soluciones comparativas sirve a Macció para crear un espacio “sui generis” que no remiten a ninguna imagen.

“Bis” Rómulo Macció

Pedro Aznar con una serie de fotos. Foto por: Nestor Sieira.

Muestras de la exposición “Tú eres eso”

Muestra de la Exposición “Bis”


La artista, curadora y crítica de arte Gabriela Giurlani nos invita esta vez a vivir una experiencia digital a partir de su Serie de la Luz. Versión de instantes grabados, esenciales, eternos y mudables. Que dimensionan imágenes subyacentes, proyectadas, de humanas búsquedas epistemológicas. Renovadamente. Una redefinición artística contemporánea de la alegoría/mito platónico de la caverna (neocaverna), y su dialéctica del conocimiento.

Los artistas comparten la pasión por el lugar donde nacieron, la costa marítima de Necochea, que los modela y el mar donde nace la vida a cada instante. El constante movimiento del mar está en sus obras con la abrumadora y magnética presencia del cambio permanente.Sin embargo sus visiones son distintas, revelándonos cada uno una versión que pareciera ser el reverso de la otra

“Serie de luz” Gabriela Giurliani

“Horizontes develados” Carlos Segovia y Jerónimo Veroa

Muestra de la exposición “Serie de Luz”

Muestra de la exposición “Horizontes develados”

24 PUNTO VISUAL

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