Revista PTM Edi. 1

BLACK SABBATH – CHERMAN INÉDITO - ABBA

AÑO 1 | EDICIÓN 01 | JUNIO/JULIO 2013BÚSCANOS EN FACEBOOK COMO REVISTA PTM

EL BEATLE quE NOS fALTABARINGO EN LIMA

[email protected] # música

editorial

Hemos cambiado de nombre. Éramos Revista Phan-tom ahora somos PTM y hablamos de música, claro, pero también del arte relacionado con ella. Hemos cambiado de formato y nos convertimos en digitales, y es que de esa manera podemos llegar a más gente, apostar por un diseño más amplio y un despliegue más interesante. Hemos cambiado, sí, pero solo en formas, la esencia sigue siendo la misma: amor por la música. Eso nos nutre, nos motiva, nos hace escribir, soñar y disfrutar.

Paola Miglio

EDITORIAL | PtM.01 | 3

Gerente Comercial. Dora Ipanaqué Gálvez editora. Paola Miglio Rossi | Twitter @paolamiglio. Colaboradores. Álvaro Díaz, Beto Kanaffo, Daniel Ágredaj, Enrique Palacios, Ketty Cadillo, Luis Miguel Espejo, Rosa Bonilla, Rui Pereira y Sergio Rebaza. Fotografía. Archivo Phantom, Ana Claudia Bendezú, Santiago Barco. ilustración. Cherman. diseño & diagramación. Killa-design Publicidad. [email protected] Gabriela Miglio 98111*8508, Dora Ipanaqué 998883318. logística y distribución. José Antonio Bazán Phantom MGZ no se responsabiliza por las opiniones de los autores de los artículos firmados. Publicación de Phantom Music Group | Teléfono. (511) 657 4038 | Dirección. Calle Casimiro Ulloa 107 - Miraflores, Lima 18, | Perú Depósito Legal en Trámite. Todos los derechos reservados | Búscanos en el facebook como Revista PTM.

AÑO 1 · EDICIÓN 01 · JUNIO/JULIO 2013

7. aCUStiroCK arG. rata BlanCa.

8. tHe Beat BoX. reSeñaS.

17. liMa, SanGrienta liMa. Black Sabbath.

19. el MeJor Pedro. Pete BeSt.

20. ¿QUiÉn eS rinGo Starr? Otro Beatle en Lima.

24. SelVÁMonoS 5. arte y MúSiCa.

25. la Gira del adiÓS. Los Cadillacs.

26. reContra reloaded. aBBa.

32. 50 añoS de Un Vinilo iMPerSCindiBle. BUen Jazz.

34. SeGUndo deBUt. Sixto Rodriguez.

38. MUSiC SoCiety! eSPeranza SPaldinG.

39. reGreSo. tHe oCean BlUe.

40. diBUJoS en tinta CHina. CHerMan inÉdito.

44. el MUndo aBiSal de dreXler

45. en el MonUMental. lUiS FonSi.

46. en MÉXiCo. zero BalaS.

48. Hot roCKer. MiGUel BoSÉ.

[email protected] # música

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6 | PtM.01 | XOXOXOXOX

RATA BLANCA | PtM.01 | 7

RATA BLANCA Llega nuevamente a Lima Rata Blanca, banda de he-avy metal que se formó en Buenos Aires (Argentina) en 1986. Ya todo el mundo lo sabe: está considerada como una de las más importantes del rock pesado en español, incorporando a sus trabajos variaciones del género como power, neoclásico, ballad, entre otros. El grupo se alista para participar en el Acustirock ARG este 14 de junio, celebrando también sus 25 años junto con Catupecu Machu, y las bandas na-cionales Stereonoiz, Carlos Compson y Área 7. En Embarcadero de Barranco. Entradas de venta en Tu Entrada.

8 | PtM.01 | THE BEAT BOX

THE BEAT BOX rEsEñAs

Este es el año en que los abuelitos han decidido regresar a patear traseros en casi todos los géneros musicales, del pop al rock, del jazz a la música clásica y… bueno, en el caso de Iggy Pop & The Stooges, ellos han decidido dar una clase maestra de punk, de suciedad químicamente pura muy, pero muy bien hecha. Bastan solo 10 segundos del primer tema para saber que todo el álbum Ready to Die (Fat Possum Records, 2013) es dinamita pura y que, con 65 años, Iggy aún es un joven furioso. Justamente, lo que llama poderosamente la atención del regreso de la banda tras 40 años (Raw Power, de 1973, fue su disco previo) es que el salvajismo, la rabia, la fuerza, la honestidad y la energía se mantienen intactas. Uno puede pensar que el punk ya es historia, porque las coyunturas políticas y socioeconómicas que lo vieron nacer ya no son las mismas, y porque varios de sus exponentes están inmersos en el sistema. Pero no, Iggy Pop nos arroja esta bomba irresistible de adrenalina y crítica sarcástica sobre la vida, la estabilidad laboral, el amor y demás demonios. Todas las canciones son una genialidad… es más, ¿qué hacen ustedes leyendo esto? ¡Vayan a comprar el disco de una vez! (D.A.S).

Ready to dieIGGY POP & THE STOOGES

Inti-Illimani es, junto con Quilapayún, una de las más importantes instituciones musicales del nuevo canto chileno, social y folclóricamente comprometido. Su nombre, para más señas, mezcla el quechua ‘inti’ (sol) y el aimará ‘illimani’ (águila dorada). Hace unos años, luego de una serie de pleitos internos, hubo un sisma entre sus miembros que puso en escena al Inti-Illimani Histórico, que raya con sus presentaciones por el mundo al lado de estrellas como Cigala, Quilapayún y nuestra eterna Eva Ayllón. Justamente el disco que comentamos es Eva + Inti (11 y 6, 2013), una joyita musical que refresca, gracias a la genialidad musical de los chilenos, los temas afroperuanos que ya casi estamos hartos de escuchar una y otra vez: No me cumbén, Fina estampa, Regresa, Toro mata, Ingá. Se trata de una revisión muy respetuosa de nuestras raíces basada en los tremendos recursos artísticos de los intérpretes. Cierto es que Eva, seamos sinceros, no es precisamente una cantante muy versátil en varios sentidos, pero lo que no tiene en técnica lo gana en picardía, logrando estar a la altura de estos monstruos chilenos. Mención apare merecen el percusionista peruano Marco Campos y el pianista Camilo Salinas. Un álbum para todos los públicos, pero muy especialmente para músicos y musicólogos; así de exquisito es este producto. (D.A.S).

eva + intiEvA AYLLóN + INTI ILLIMANI HISTóRICO


THE BEAT BOX | PtM.01 | 9


Es absolutamente imposible que alguien no haya escuchado una canción de Fleetwood Mac en toda su vida, porque durante varias décadas sonaron hasta en la sopa. Desde el famoso cover que hizo Santana de Black Magic Woman hasta la adaptación a sencillo publicitario de Angel. Varios de sus discos (como Rumours, de 1977) siguen vendiéndose hoy como pan caliente, y otros como Tusk (1979) llegan a unos niveles de perfección que rondan el delirio. Así, con casi 50 años de carrera ininterrumpida (y con más cambios de personal que ga-binete ministerial en época de crisis), el ahora cuarteto integrado por Mick Fleet-wood, John McVie, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks nos trae un Extended Play (vía LMJS Productions, 2013, nombre que asumimos está formado por las iniciales de sus nombres) con cuatro temas: Sad Angel, Without You, Miss Fantasy (de Buckingham) y It Takes Time (de Nicks). Alguno es un tema muy antiguo, rescatado casi de casualidad por algún fanático aplicado, mientras que otros son el reflejo de lo que es esta banda actualmente: genios que viven de sus laureles y se presentan ante multitudes que aún los escuchan como cuando so-naban hace… 20, 30 o 40 años. ¡Pero qué rayos! Es Fleetwood Mac y un nuevo lanzamiento suyo es todo un acontecimiento. (D.A.S).

extended PlayfLEETwOOD MAC


THE BEAT BOX | PtM.01 | 11

Más cuajados que en sus entregas anteriores (Pucusana, 2005, y Nuevo mundo, 2007), Gabriel Alegría y su combo han logrado sistematizar un lenguaje propio que fusiona el jazz y lo afroperuano sin sonar a la superposición de lo uno sobre lo otro. Obviamente, no es tan fácil hacer música fusión (por lo menos, no desde un estudio de grabación) sin tropezar con ciertas piedras. En este caso, tras escuchar Ciudad de los reyes (Sapo Negro Records, 2013) uno puede darse por satisfe-cho y decir, sin que le quede nada por dentro: “Habemus Jazz Afroperuanum”. El equilibrio entre las arremetidas rítmicas y las melodías de los metales (a lo Coltrane y Davis) fluye a lo largo de temas como La puertecita, La esquina del pensamiento, A Lima llegó el tondero y el cover del clásico Moon River… Hace unos meses, en una entrevista, Alegría nos dijo que “el jazz es un género que permite explorar nuevas maneras para expresarse y nosotros hemos encontrado una simbiosis entre los ritmos afroperuanos y los del jazz; es muy fácil encontrar los lugares musicales y espirituales en que ambos géneros se juntan”. Pues este disco es la prueba fehaciente de que no mentía: lo que ha descubierto no solo suena ahora muy bien sino que, además, anuncia varios caminos por explorar. (D.A.S).

Ciudad de los ReyesGABRIEL ALEGRíA AfRO-PERuvIAN SExTET




Eclecticismo al máximo y quebrantamiento de todas las reglas sin concesiones de ningún tipo, eso es Tera Melos, un grupo que hace acompañar a su intere-sante propuesta sonora con una fantasía visual bastante original. Suenan como se ven y se ven como suenan, y todo esto está integrado. Este trío californiano acaba de editar X’ed Out (Sargent House, 2013), un ávido tributo a la sicodelia sesentera con toques ‘indie’ que recuerdan al más angustiante Sufjan Stevens, pero manteniendo constante la riqueza musical, lo que marca la diferencia con sus contemporáneos: no hay abusos de ningún recurso, no se van a extremos de ningún tipo (mientras no sea necesario, claro está). Los primeros sencillos son Sunburn y Bite (tienen que ver el videoclip); además, el resto del disco está disponible tanto en Youtube como en MySpace (www.myspace.com/teramelos) y Tumblr (teramelos.tumblr.com). Luego de escuchar bandas como esta, uno se vuelve a preguntar cuál es el criterio de las discográficas para fichar y promo-cionar ciertos grupos que suenan como aquellos a los cuales no promocionan, pese a ser los evidentes gestores de las nuevas tendencias. Injusticias aparte, lo único bueno de esta época globalizada es que podemos tener acceso a grupazos caletas como Tera Melos. Compren, descarguen Torrents, busquen streaming, lo que sea… pero escúchenlos. (D.A.S).

x’ed out TERA MELOS

Agnetha, por si alguien en esta galaxia no lo sabe, es la cantante rubia de aquel tanque de pop sueco llamado ABBA. Obviamente, con todos los mi-llones que continúa facturando, lo último que necesita es cantar para vivir, así que simplemente graba lo que le da la gana. Es así como llega A (Universal Music, 2013), un álbum que sigue la línea de My Colouring Book (2004), en el cual interpretaba canciones de la primera mitad del siglo XX. En A encontraremos temas nuevos, algo que no sucedía desde 1987… en realidad, Agnetha funge como cantante de sesión de Jörgen Elofsson y Peter Nordahl, ilustres desconocidos que tomaron la inteligente decisión de bajar el perfil y dejar que la verdadera estrella brille con propia luz. El resultado es bien interesante: pop simple y bien hecho (When You Really Loved Someone), baladas bonitas (I Was a Flower o I Keep Them on the Floor Beside My Bed) y divertidas reminiscencias setenteras (Dance Your Pain Away). La voz de Agnetha, a sus 63 años, se mantiene intacta, jugando a su favor que ya no se le exija llegar a las octavas altas. En resumen, se trata de un buen disco, de esos que nos recuerdan que lo comercial no está reñido, por definición, con la calidad. (D.A.S).

a AGNETHA fäLTSKOG


THE B EAT BOX | PtM.01 | 13



La historia de los crooner es algo extraña, pero siempre nos brinda indicios de por qué ha transitado por los caminos que le conocemos. A Frank Sinatra, sin restarle los méritos artísticos, lo apoyó incondicionalmente la comunidad italiana en Estados Unidos, mientras que otros cantantes contemporáneos incluso mejores, como Johnny Hartman, veían su estrella opacada por el racismo preponderante. Actualmente, está el caso de artistas como Michel Bublé, que se limita a repetir las fórmulas que otros cantantes del género mucho más talentosos (como sus compatriotas Adam James, George Evans o Ted Hawkins) investigan y recorren, corriendo riesgos musicales que Bublé convierte en certezas comerciales. To Be Loved (Reprise Records, 2013) es más de lo mismo, y va hacia lo seguro, a tal punto que al escuchar la versión de So-mething Stupid al lado de Reese Witherspoon, uno puede sentirse incluso estafado. El disco no está mal, sobre todo si uno no se lo piensa mucho y simplemente se dedica a disfrutarlo, pero… ¡vamos, Michael! Estás haciendo lo mismo que otros hicieron mejor hace 100 años. Y los aportes modernos (como arreglos computarizados y bala-das en estreno) no te justifican este nuevo lanzamiento. Aprender deberías de Bowie o de Iggy Pop, que a la vejez se dan el lujo de sorprender. En fin, por algo le llaman “industria” musical. (D.A.S).

to be lovedMICHAEL BuBLÉ

Sorprende gratamente el nuevo giro que la música del gringo Sam Beam ha tomado. Por un lado, mantiene su predilección por el preciosismo armónico/melódico, pero rítmicamente le ha puesto un poquito de alegría (no se asusten, que no es mucha; sigue siendo igual de introspectivo en ese sentido) a sus canciones. Lo que hace se inscribe perfectamente dentro de la tendencia del folk ‘indie’ cristiano, que cuenta con millones de representantes en los Estados Unidos, pero algo tiene que lo destaca muy por encima de los demás, pese a mo-ver exactamente los mismos elementos musicales y líricos. Caught in the Briars, Grace for Saints and Ramblers y Grass Widows son algunos de los mejores temas de su nuevo álbum, Ghost On Ghost (Nonesuch Records, 2013), del cual hace bastante tiempo empezó a circular el sencillo Lover’s Revolution (que no sonaba en absoluto a un tema de Iron & Wine) y recientemente se ha presentado el video oficial de Joy Como bien lo señala Sam Beam en varias entrevistas, ha dejado a un lado esa angustia obsesiva, tan cara a los músicos independientes, y ha optado por hacer música un poquito más feliz, lo cual le ha abierto varias puertas creativas sin traicionar su esencia conceptual. En resumen, uno de los mejores lanza-mientos en lo que va de 2013. (D.A.S).

Ghost on GhostIRON & wINE


THE BEAT BOX | PHtM.01 | 15

16 | PtM.01 | LIMA SANGRIENTA

LIMA LA SANGRIENTA | PtM.01 | 17

CuENTAN LAS LEYENDAS CAPITALINAS, quE A COMIENzOS DE LOS AñOS SETENTA LOS DISCOS DE BLACK SABBATH NO ERAN fáCILES DE CONSEGuIR. ES MáS, MuCHOS ROCKEROS LOCALES NO CONOCIERON A LA BRujA HASTA MuCHO TIEMPO DESPuÉS. Y ES quE, EN AquELLOS LEjANOS AñOS, NO SALIR EN LA PELíCuLA DE wOODSTOCK ERA MOTIvO DE vETO PARA LAS DISquERAS Y PARA LAS RADIOS (INCLuSO PARA AquELLOS PERSONAjES quE AHORA SE jACTAN DE HABER SIDO PROPuLSORES DE TODOS LOS ESTILOS DE ROCK EN ESTE PAíS). PASARON LOS AñOS Y EL ROCK PESADO POR fIN LLEGó, CON MáS CONfIANzA, AL PERú. DE LA MANO DE uN PúBLICO quE, EN Su MAYORíA, NO TuvO NINGúN PROBLEMA EN MIGRAR, AñOS DESPuÉS, A uN ESTILO MuCHO MáS MODERNO Y RáPIDO: EL HEAvY METAL. DEjANDO, EN GRAN PARTE, LA PESADEz EN EL OLvIDO. PERO BLACK SABBATH NuNCA CADuCó.

BLACK SABBATH, 40 AñOS TARDE

Escribe Enrique PalaciosFotos Archivo

Luego de la lamentable muerte de Dio y de la posterior re-conciliación de los cuatro miembros originales, el futuro del grupo parecía más claro y, por supuesto, la esperanza peruana (gigante, la misma que sueña con ir a un mundial de fútbol) de ver a los maestros en vivo, volvió a crecer.

LIMA, SANGRIENTA LIMA

18 | PtM.01 | LIMA LA SANGRIENTA

Pasaron los años, los tiempos cambiaron. Pero himnos como Black Sabbath, N.I.B, Snowblind y Electric Funeral, por nombrar sólo algunos, seguían tan vigentes como el primer día. Sí señores, Black Sabbath había inventado la oscuridad. El Sabbath Negro de Birmingham, dejó en la historia una gran lista de discos, canciones, conciertos y hasta de cantantes. También grandes éxitos, problemas, giras mundiales, separaciones, reconcilia-ciones y hasta una pelea por los derechos del ya conocidísimo nombre, heredado de una vieja película de horror del maestro Boris Karloff.

Hasta hace unos 10 años, más o menos, era un sueño poder ver a Sabbath pisando tierras incaicas. La primera ilusión, en 2009, se esfumó tan rápido como llegó. Black Sabbath (aunque con el nombre de Heaven and Hell, por culpa de Ozzy y su señora esposa) estaba de gira por Sudamérica presentando The Devil You Know, el que vendría a ser el último disco con el mejor cantante que ha podido tener una banda de rock pesado en la historia: el finado Ronnie James Dio. ¿Perú? No, gracias. “Muy caro”, dijeron los productores de esos tiempos.

Años después, luego de la lamentable muerte de Dio y de la posterior reconciliación de los cuatro miembros originales, el futuro del grupo parecía más claro y, por supuesto, la esperanza peruana (gigante, la misma que sueña con ir a un mundial de fútbol) de ver a los maestros en vivo, volvió a crecer. Black Sabbath había anunciado un nuevo disco. Luego empezaron los problemas, Ozzy decidió (muy a pesar de todos los fans) no contar con los servicios de Bill Ward y de incluir a Brad Wilk para grabar el disco y a un conocido por estos lares, Tommy Cufletos, para la gira. Entre otras gracias, Ozzy también se olvidó de contar, al momento de lanzar el disco, todos los discos en los que no estuvo presente. Sí, para el señor Osbourne, no existió Black Sabbath sin él.

Entre muchas otras noticias y un interesante cruce de versiones entre Ozzy y Bill Ward, los diarios locales empezaron a anunciar lo que parecía imposible, Black Sabbath iba a pisar Lima en octubre.

De repente todo cambió y se empezó a hablar de la banda, la mayoría sin tener ni idea de lo que estaba diciendo (algunos atrevidos hasta dijeron que Black Sabbath inventó el metal). Los cuatro ingleses (incluido Adam Wakeman, hijo del famoso Rick) y el gringo, están de moda, y por fin vamos a verlos de cerca. Hablar de la discografía y del porqué el último disco (13) suena a un disco noventero de Ozzy sería ocioso. Solo nos queda esperar hasta octubre. Viene Black Sabbath, por fin, después de hacernos esperar más de 40 años.

Hasta hace unos 10 años, más o menos, era un sueño poder ver a Sabbath pisando tierras in-caicas. La primera ilusión, en 2009, se esfumó tan rápido como llegó. En octubre se cumple el sueño: el 16 en el Estadio Monumental.

EL MEjOR PEDRO

EL MEJOR PEDRO | PtM.01 | 19

Más allá de los oscuros motivos que generaron su despido de The Beatles, Pete Best pudo retomar las riendas de su carrera tras un hiato de casi 20 años. Fue así que, a finales de la década de 1980, formó su propia banda y se lanzó a los escenarios para cantar sus propias canciones y los covers del célebre cuarteto del que alguna vez formara parte, revolviendo la marea a ver si le salpicaba algo de la gloria ajena. Pete ha entrado a la historia como el baterista que fue reemplazado por Ringo Starr, pero viene haciendo lo necesario para quedarse por mérito y talento propios. Y es en esas movidas que llega a Lima este mes, para presentarse en el concierto Un día en la vida. De hecho, será básicamente un homenaje a The Beatles pero, de paso, aprovechará para demostrarnos que la razón de su despido fue la envidia generada en Paul John y George por su arrebatador magnetismo con las fans y su tremenda personalidad roba reflectores. Ver (y oír) para creer. (D.A.S.).

Escribe Álvaro Díaz Bedregal@adiazbedregalFotos Archivo

20 | PtM.01 | RINGO

Siempre habrá afiebradas teorías conspirativas sobre los Beatles, o interpretaciones progresivas que llegan incluso a acusarlos de impedir –como fenómeno- una mayor popularidad e influencia de los cantantes de soul. Cuando los Beatles grababan el Álbum Blanco, Ringo se fue del estudio por la tensión entre los miembros del grupo –más la esposa de uno.

McCartney tuvo que tocar la batería en Back in the U.S.S.R. y Dear Prudence, y Ringo pasó unos días con el inmortal actor Peter Sellers en su yate, en el mar de Grecia. Allí Ringo escribió Octopus’ Garden. Lennon le pidió vía telegramas que regrese. George Harrison adornó la batería con flores para recibir a Ringo de vuelta. Una postal enviada por McCartney a Ringo el 31 de enero de 1969, un día después del último concierto de los Beatles en la azotea de Apple Studios, dice: “Tú eres el mejor batería del mundo. De verdad”.

Lo fuera o no, siempre será el baterista de los Beatles, además de un músico sólido de los que vemos quizá una vez en la vida. Cantó al menos una canción por cada uno de sus discos de estudio, en el buen pacto de tener las voces de los cuatro en cada disco. Lennon o McCartney escribían las letras y la melodía ajustadas al registro vocal de Ringo, como en Good Night del Álbum Blanco o Yellow Submarine en Revolver. Ringo también suena claramente en All Together Now y The Continuing Story of Bungalow Bill.

Separados los Beatles en 1970, Ringo tuvo gran éxito con los álbumes Ringo (1973) y Goodnight Vienna (1974). De esa época son Photograph, co-escrita con George Harrison, y You’re Sixteen. Fue menos conocido y comer-cial en los ochenta, pero todos lo saben, las joyas se esconden casi siempre en los discos menos conocidos. Ringo tocó también como solista de los tres otros Beatles y de otros artistas, narró series de TV, actuó en películas y ha tenido, como cualquiera querría, una vida multifacética y libre.

En 1989, creó Ringo Starr & His All-Starr Band, banda con una formación que va variando y con la que sale de gira. Lanzó en 1992 Time Takes Time, primero de varios discos creados junto a Mark Hudson, que ha producido luego discos de Ringo como Vertical Man (1997), el muy celebrado Ringo Rama (2003) y Choose Love (2005). Su disco más reciente es Ringo 2012 (enero de 2012).

#¿Quién es Ringo starr?

jOHN LENNON, PAuL MCCARTNEY –PRINCIPAL COMPOSITOR DE LOS BEATLES- Y GEORGE HARRISON HAN CONfIRMADO LOS APORTES DE RINGO A LA BANDA BRITáNICA quE REvOLuCIONó Y PERMITIó

LAS TENDENCIAS DEL ROCK quE CONOCEMOS HOY. ES MOMENTO DE COMPROBARLO EN vIvO. LLEGA RINGO A LIMA Y LO ESTAMOS ESPERANDO.

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Otro Beatle en Lima

Ringo siempre será el baterista de los Beatles, además de un músico sólido de los que vemos quizá una vez en la vida. Can-tó al menos una canción por cada uno de sus discos de estudio, en el buen pacto de tener las voces de los cuatro en cada disco.

RINGO | PtM.01 | 21

22 | PtM.01 | RINGO

Ficha técnicaNombre: Richard Starkey, MBE –Miembro del

Imperio Británico-Nació: Liverpool, Inglaterra, 7 de julio de 1940

Nombre de batalla:Ringo StarrInstrumento: Batería, voz.

Hemisferio:Es zurdo, pero usa la batería armada como para un diestro. Su abuela le enseñó a ser

ambidiestro.Antes de Beatles: Era baterista de Rory Storm and

the HurricanesIngresó a Beatles: Agosto de 1962 oficialmente

pero en 1960 y1961 ya había tocado con ellos.Cantó en Beatles: With A Little Help From My

Friends, Yellow Submarine, Act Naturally.Compuso en Beatles: Don´t Pass Me By,

Octopus’s Garden y otras más, ya con Paul McCartney.

Hoy toca con: Ringo Starr & His All-Starr BandAstronomía: El asteroide (4150) Starr, descubier-

to el 31 de agosto de 1984 por B.A. Skiff en el Observatorio de Lowell, fue nombrado así en su

honor.

Performance&influenciaPerformance: Mark Lewisohn confirma que en ocho años de sesio-nes de grabación, los Beatles cortaron la toma menos de 12 veces por errores de Ringo. Ringo falló menos de 1.5 veces por año. Los otros tres Beatles fallaron mucho más en sus líneas.Versatilidad: En 1970 editó un disco country, Beaucoups of Blues, con Peter Drake. Reconocen su influencia: Los bateristas Max Weinberg, Dave Grohl, Danny Carey, Liberty de Vitto, Phil Collins, Mike Portnoy y Stewart Copeland.

ademásPerformance: Mark Lewisohn confirma que en ocho años de sesiones Visión de negocio: Cuando Lennon se fue del todo a Estados Unidos, le compró su casa en Tittenhurst Park, incluyendo su Ascot Sound Studios, en el sótano. En 1971, fundó con Robin Cruikshank una compañía de muebles con sus diseños, Ringo or Robin.Trabajó como: Mensajero y aprendiz de mecánico, entre otros oficios, antes de la música.Dato clave: George Harrisson confirmó que fue por un lapsus de Ringo al decir “It´s been a bard day´s night’,que eligieron el título de la película y la canción.No se dice mucho: El verso en Eleanor Rigby que dice “writing the words to a sermon that no one will hear” fue un aporte de Ringo, entre varios que Paul McCartney reconoce. Alimentación:V egetariano. Pero cuando los Beatles fueron a la India a ver a Maharishi, se aburrió de la comida, extrañaba Inglaterra y se fue. De joven había comido de todo, claro.De película: El 27 de abril de 1981 Ringo se casó con Barbara Bach, actriz principal en la película de 007 La espía que me amó.

Ringo starr

RINGO | PtM.01 | 23

24 | PtM.01 | SELVÁMONOS 5

Selvámos comenzó en 2009. Este festival de música y artes se ha cata-pultado como uno de los más importantes de los últimos tiempos en el país, sobre todo porque es descentralizado y se celebra en Oxapampa. Este año, por primera vez, llegan bandas internacionales como Onda Vaga de Argentina, Juana Fe de Chile, Luis Rueda y El Feroz Tren Expreso de Ecuador y Weeding Dub feat Fu-Steps de Francia. Además, estarán los nacionales Daniel F y su banda, Vieja Skina, Emergency Blanket, Ray Callao El Hombre Misterioso, Mukura Blues y Cajón, Los Chapillacs, Norton, y Marcha. Al colectivo de artistas plásticos Arte Manifiesto, se unirán artistas circenses, visuales y fotografía para completar la propuesta, los días 28 y 29 de junio en el Fundo Cemayu, Oxapampa. Más info en www.selvamonos.org. Entradas y paquetes de venta en Tu Entrada.

selvámonos 5

LOS CADILLACS: LA GIRA DEL ADIÓS | PtM.01 | 25

Han dicho que esta vez en serio, que esta sí es la gira del adiós definitivo, que no volverán a tocar juntos en un escenario. Para despedirse del Perú llegan en agosto próximo, con su gira El Ritmo de la Luz 2013. Los argentinos darán tres conciertos – toda la gira tiene solo siete fechas- en territorio nacional: el primero en Are-quipa el 14 de agosto, luego en el 16 en el Cusco y, fi-nalmente, el 17 en Lima. Vamos a bailar, toda la noche. Entradas en Punto Tícket.

los Cadillacsla gira del

adiós

26 | PtM.01 | ABBA, RECONTRA RELOADED

Escribe Daniel Ágreda Sánchez@danielagredaFotos Archivo

EL AvE fÉNIx DEL POP NóRDICO vuELvE A LOS TITuLARES NOTICIOSOS Y A LOS PRIMEROS LuGARES DE vENTAS A 40 AñOS DEL LANzAMIENTO DE Su PRIMER áLBuM Y A 30 DEL úLTIMO, Y SIN PONER uN PIE EN LOS

ESTuDIOS DE GRABACIóN. ¿LAS RAzONES? uN SORPRESIvO NuEvO áLBuM DE AGNETHA fäLTSKOG Y LA RECIENTE INAuGuRACIóN DE uN

MuSEO TEMáTICO EN SuECIA, CONSAGRADO A LA MúSICA Y LA IMAGEN DE LOS CuATRO DE ESTOCOLMO.

Recontra Reloadedabba

Hicieron música linda, pulcramente manufacturada. Con cancio-nes pobladas de acordes mayores (eventualmente, algunas varian-tes para los efectos dramáticos) articulados por sétimas y novenas, ritmos (bailables en 4/4 y reflexivos en ¾), voces armonizadas siempre en terceras y quintas. Todo esto arropado por la técnica del muro de sonido. La fórmula perfecta para facturar millonadas en ventas y ganar una fanaticada incondicional en todo el planeta.

Los fab-four suecos recientemente recibieron un reconocimiento en su país por llegar a las 500 millones de copias vendidas de toda su amable discografía, que empezó a editarse en 1973 y culminó en 1983 con una compilación que incluía temas inéditos (que iban a formar parte de un álbum trunco). Ya en su etapa más productiva habían generado más ingresos que la mismísima Volvo para el gobierno sueco por impuestos abonados; la corona de su país les devolvió el favor consagrándoles sellos postales cuando poner a un grupo de pop en estampillas era impensable.

A todo esto, debemos sumarle un extraño revival sin motivo apa-rente, allá por 1992, con un nuevo compilatorio, temas versio-nados por Erasure y U2 en 1993, dos películas australianas que les rindieron furibundo homenaje en 1994, otro compilatorio que hizo números 1 en todo el planeta, bandas tributo como A-Teens y B&B, un musical en 2000 y una película basada en este último en 2009.

LA vIDA ANTES DEL SuCESOPero vayamos por partes, que la historia de ABBA no fue siempre tan fresa como pretendieron venderla sus asesores de imagen; es más, en algún momento lo que comenzó a marquetearse fueron los problemas, las desavenencias, los cuernos, las peleas y los divorcios de sus integrantes.

ABBA era dos parejas de esposos: Agnetha Fältskog con Björn Ulvaeus y Anni-Frid Lyngstad (Frida) con el barbado Benny Andersson. De las iniciales de sus nombres viene el nombre del grupo. Se conocieron porque todos eran músicos con carreras he-chas y derechas: Agnetha era famosa en Suecia con sus baladas azucaradas, Frida era una respetadísima mezzosoprano que se de-dicaba al jazz y al cabaret, y Benny y Björk tuvieron cada cual sus grupos hasta que decidieron formar un dúo pop y folk.

Y todos contaban, por separado, con una discografía propia, nu-trida entre 1965 y 1972. Pero se conocieron, se enamoraron y pasaron de la cama al estudio, al parecer con similar nivel de per-formance (bueno… son suecos, ¿no?). Ya tenían hijos y todo para cuando grabaron Ring Ring en 1972, lanzado al mercado al año siguiente.

EuROvISIóN, SEGuNDO INTENTORing Ring, canción que daba título a su primer álbum, fue com-puesta por los varones del cuarteto más el apoyo de Stig Ander-

ABBA, RECONTRA RELOADED | PtM.01 | 27


son, Neil Sedaka y Phil Cody, y elegida para participar, en 1973, en un festival sueco clasificatorio para Eurovisión… pero solo llegaron al tercer puesto.

Sin embargo, fueron a por el repechaje un año después, y no pararon hasta ganar el primer lugar del mismísimo Eu-rovisión, con la que es considerada como la mejor canción jamás presentada en el festival: Waterloo. Este tema, que comparaba el “caer enamorado” con la caída de Napoleón en la famosa batalla, fue celebrado por el público pero de-nostado por los críticos musicales, muy especialmente por los periodistas suecos. Ellos siempre tuvieron entre ceja y oreja la banalidad del grupo y el poco tino de hacer una canción divertida aludiendo a las heridas aún abiertas por las guerras entre países europeos.

De hecho Frida, la cantante de cabello castaño oscuro, es un testimonio vivo de la demencia bélica europea. Su na-cimiento fue producto del experimento hitleriano llamado Lebensborn, mediante el cual se buscaba crear niñas y ni-ños racialmente perfectos, casando mujeres arias europeas con soldados alemanes, también arios. Ella y su familia tu-vieron que huir de su natal Noruega al finalizar la guerra, por temor a las represalias que se tomaban contra los hijos de soldados nazis. Pero este drama no se supo en 1974, sino mucho después. Aquel año se cerró con la edición de un segundo álbum, llamado, a la sazón Waterloo (1974), que arrasó por toda Europa cual Stalin en sus propias estepas.


LA CONquISTA DE AuSTRALIA Y ESTADOS uNIDOSLas horas que dedicaban Benny, Björn y su equipo técnico liderado por Michael B. Tretow (todos siguen trabajando juntos hasta la fecha) por emular y perfeccionar el famoso wall of sound patentado por Phill Spector en la década de 1960, empezaron a dar sus frutos. El sonido de ABBA (1975) resultó ser más parejo tema tras tema, dejando de lado ingenuidades innecesarias y optando por una mayor compleji-dad melódica. Dijo Björn alguna vez que “con Frida y Agnetha en el equipo se pueden escribir canciones recorriendo sin temor hasta cinco octavas en el pentagrama”.

Los cortes del álbum fueron Mamma Mia, Bang-A-Boomerang, S.O.S. y I do, I do, I do, I do, I do. Las canciones se esparcieron como reguero de pólvora por el mundo y el grupo, que ya había in-corporado a familiares y amigos para constituirse en empresa hasta con logotipo y marca registrada, tuvo que idear una manera efectiva de llegar a aquellos países en que su música era popular pero a donde no podrían ir a tocar. Es así como, de la mano de otro amigo, Lasse Hallström (actualmente, un exitoso cineasta), contribuyeron a crear el lenguaje del videoclip apelando a recursos audiovisuales elementales pero efectivos. Hallström dirigió todos los videos, documentales y pe-lículas del grupo, incluyendo ABBA The Movie (1977), interesante y muy bien logrado experimento a la mayor gloria de sus compatriotas músicos. Con todo esto, las ventas se incrementaron a nivel mundial de forma pavorosa.

El éxito desde entonces rayó en lo demencial. Con Arrival (1976) llegaron temas aún más populares: Dancing Queen, Knowing Me, Knowing You y Money, Money, Money. Ese mismo año apareció un sencillo, Fernando (¡que hizo 10 millones de copias vendidas en unas semanas!), y los álbumes solistas de Agnetha (Elva kvinnor i ett hus) y Frida (Ensam). La locura continuó con una gira mundial que incluyó todo Europa, Canadá, Estados Unidos, Japón y Australia, con la película antes mencionada y con un nuevo disco, The Album (1977), que trajo éxitos como Thank You for The Music, The Name of The Game y Take a Chance on Me.

El reinado de ABBA por entonces se puede resumir en otra anécdota similar a lo sucedido con la Volvo: la URSS tuvo que pagar al grupo en especias (petróleo y derivados) las regalías por concepto de ventas de sus discos y para remunerarles una gira. Hasta el duro bloque so-cialista, en plena guerra fría, bailaba rendido a sus pies.

EL DESGASTE… Y EL ADIóS INTEMPESTIvOSin embargo, al parecer ninguno de los integrantes del grupo ni del equipo de producción estaba preparado para semejante éxito. Las pa-rejas empezaron a tener problemas entre ellas, culminando en sendos divorcios más temprano que tarde, y en nuevos compromisos. Ade-más, las chicas no se soportaban mutuamente y, finalmente, Agnetha ya no podía hacer más de tripas corazón con su fobia a los aviones.

El éxito siguió rodando por unos años más. Un nuevo álbum (Vou-lez-Vous, con obvias influencias discotequeras matizadas por bala-das como Chiquitita) y dos sencillos adicionales exitosos (Gimme, Gimme, Gimme y Summer Night City) les hicieron lindo el año 1979. Super Trouper (1980) era portador del melosísimo The win-ner takes it all que, de paso, anunciaba el final próximo de la banda.

The Visitors (1982), el primer álbum lanzado comercialmente en tres formatos (vinilo, casete y disco compacto) sonaba maduro, cuajado, po-líticamente comprometido, musicalmente atrevido… es decir, sonaba a cualquier cosa menos a ABBA. Y las letras de las canciones eran mucho más corta venas y hasta hablaban de cosas más serias: el álbum fue censu-rado en todo el bloque europeo oriental debido a la canción principal, que aludía a las “visitas” de la KGB a las casas de los opositores al régimen, quienes misteriosamente desaparecían con todo y familia. Por otro lado, When All Is Said and Done no fue entendido como la crisis matrimonial que relataba, sino como un canto por la libertad de expresión y la necesi-dad de vivir en una democracia a la occidental.

Hubo un par de intentos más por volver al estudio, pero cada vez resul-taban menos divertidos (aunque más interesantes). The Day Before You Came (1983) fue, por ejemplo, un tema de seis minutos de duración, acompañado solo por sintetizadores, recitado y cantado desafinadamente (con toda la intención) solo por Agnetha, acompañado por un videoclip en el que ella implícitamente se iba a la cama con un tipo que acababa de conocer en un tren… y ya. Eso fue lo último que hicieron juntos.

uN REGRESO INESPERADO: MuRIEL Y PRISCILLACasi 10 años después de separarse, cuando ya todo parecía ser historia con ABBA, fuerzas desconocidas confabularon para volver a ponerlos de moda. Apareció la compilación ABBA Gold, que despertó el entusiasmo de sus seguidores a tal punto que hubo de editarse un segundo volumen y su equivalente en español, Oro (Gracias a la música, de 1980, fue el primer y exitoso intento por llegar al público hispano).

Erasure editó el EP Abba Esque en 1993 y grupos como U2 y R.E.M. ver-sionaron Dancing Queen en sus conciertos. Dos cintas australianas, Las bodas de Muriel y Priscilla, la reina del desierto, consolidaron en 1994


a ABBA como ícono pop y gay. Luego, los daneses de A-Teen se los presentaron en versión light a millones de adolescentes hacia finales del siglo XX.

Ni cortos ni perezosos Benny y Björn, que ya escribían mu-sicales juntos (Chess, de 1984, con libreto de Tim Rice, es el más conocido), tuvieron la genial y comercial idea de juntar sus éxitos más grandes en torno a una línea argumental que sirva de pretexto para poner el producto sobre las tablas. Y desde 1999 hasta la fecha, Mamma Mia! sigue siendo éxito de ta-quilla en el mundo, desde Broadway hasta Pekín, desde Moscú hasta Lima.

¡MAMMA MIA, LAS NuEvAS GENERACIONES!Y como que una cosa llama a la otra, rauda vino la adaptación cinematográfica de Mamma Mia! (2008) que fue otro éxito arrebatador y para cuya premier se pudo juntar por fin, luego de 20 años, a los cuatro miembros del grupo sin que se sacaran los ojos mutuamente. Incluso parecían darse abrazos y besitos sinceros. De hecho, posteriores entrevistas por separado deja-ron claro que ya estaban limadas las asperezas, que lo pasado ya había pasado y que, sin embargo, no se volverían a juntar ni por todo el dinero del mundo (un ofrecimiento por 10 dígitos y en dólares fue lo último que se dieron el lujo de rechazar).

Mientras tanto, se ha reeditado toda su discografía en cuantas versiones pueda uno imaginarse: desde un USB con MP3 hasta box sets remasterizados con todos los elepés originales más te-mas inéditos y videos de todo tipo, pasando por el relanzamien-

to de ediciones conmemorativas de lujo en CD, DVD y hasta vinilo. Y mucho, mucho mercadeo vía la página oficial www.abbasite.com.

¿Que ya no hay más que agregar? Pues sí: porque hace unas semanas el museo temático de ABBA abrió sus puertas en Estocolmo, y está proyectado a convertirse en el principal atractivo turístico de la fría Suecia. Ni los Beatles, vaya. Con el tiempo, sus detractores han aflo-jado el ceño y ahora los respetan y hasta los consideran clásicos. En 2005 fueron inducidos al Rock and Roll Hall of Fame, nada menos. Y así como van las cosas, es seguro que ABBA y sus integrantes guardan varios ases bajo las mangas. Y, quién sabe, tal vez uno de ellos sea una nueva grabación en estudio. Nunca digan que no.

ABBA, LETRA POR LETRA

Agnetha: Luego de separarse del grupo, trató de continuar su carrera solista con un par de álbumes para el olvido. Abandonó todo intento de grabar un disco luego de sus sonados fracasos (que no eran tales, pero si estás acostumbrado a vender cientos de millones de copias, como que cientos de miles pueden signi-ficar una invitación al retiro definitivo). No obstante, en 2004 regresó con un disco de covers de pop clásico (My Colouring Book) y este año ha lanzado A, el cual comentamos en esta edición.

Benny: El eximio tecladista del grupo ha editado una serie de discos cada cual más extraño que el otro, casi todos instrumenta-les. Orquestaciones que emulan sonidos de la naturaleza, música para relajarse, arreglos sinfónicos de temas pop… le dio por la música pura. Lo cierto es que, al igual que el resto de ABBA, él no la debe ni la teme y puede darse el lujo de escribir y grabar hasta óperas sobre obras literarias suecas que nadie conoce (dí-gase de paso, ya hizo una).

Björn: Es el empresario de la banda y ha creado, entre otros, un muy socorrido software para la escritura musical. No hizo mucha música más allá de la película y los musicales escritos y produci-dos al lado de Benny, hasta que en 2005 regresó a los escenarios con su grupo sesentero, The Hootenanny Singers. Tampoco se pierde, junto con Frida, una sola premier de la cinta Mamma Mia!, pues dicen que les encanta. Que nadie los juzgue por dis-frutar la pompa y el boato que se han ganado a pulso.

Annie-Frid Lyngstad (Frida): De los cuatro, ella tiene la más exitosa e interesante carrera solista. Phil Collins le produjo Something’s Going On (1983), que vendió tres millones de co-pias. Luego, con la producción de Steve Lillywhite, editó Shine (1984) y no se supo más de ella hasta Djupa andetag (1996). Se casó con un príncipe alemán, del que enviudó y heredó el rim-bombante alias de Su Alteza Serenísima la Princesa Anni-Frid Reuss von Plauen. Desde entonces, ha colaborado en experimen-tos musicales al lado de, por ejemplo, Jon Lord y grupos folclóri-cos, de metal y de jazz, además de dedicarse a obras de caridad.

32 | PtM.01 | IMPRESCINDIBLE

Escribe Daniel Agreda Sánchez@danielagredaFotos Archivo

50 AñOS de un vinilo imprescindible

EL 7 DE MARzO DE 1963, jOHN COLTRANE Y jOHNNY HARTMAN ENTRARON A LOS ESTuDIOS MuSICALES vAN GELDER ACOMPAñADOS POR uN PuñADO DE MúSICOS Y vARIAS IDEAS GENIALES. EL MuNDO, CONSIDERANDO EL RECORRIDO ARTíSTICO DE TODOS LOS INvOLuCRADOS, AGuARDABA ExPECTANTE POR LO quE EL vINILO REGISTRARíA DE AquELLA CuASI COLISIóN ESTELAR.

IMPRESCINDIBLE | PtM.01 | 33

Thiele le llevó el recado a Coltrane y este último le pidió que insistiese con Hartman. Y luego de varias semanas, tras conversaciones que podrían ser consideradas sesiones de fortalecimiento de autoestima, Hartman accedió a visitar a Coltrane y su grupo durante un concierto en el Birdland de Nueva York. Luego de la presentación (que fue grabada y editada en un álbum en vivo), se unió al grupo para cantar por unos minutos algunos temas en pri-vado y todos, Hartman incluido, asombrados por los resultados, decidieron que aquello debía quedar registrado.

LA SESIóN PERfECTALa magia fue tal que todos los temas quedaron registrados tras la primera toma, salvo You Are Too Beautiful (Richard Rodgers, Lorenz Hart) debido a que Elvin Jones soltó la baqueta durante la introducción.

Cinco temas, además del mencionado, fueron grabados aquel 7 de marzo de 1963: They Say It’s Wonderful (Irving Berlin), Dedicated to You (Sammy Cahn, Saul Chaplin, Hy Zaret), My One and Only Love (Guy Wood, Ro-bert Mellin), la extraordinaria versión de Lush Life (Billy Strayhorn) y Autumn Serenade (Peter DeRose, Sammy Gallop). Todas las canciones fueron desaceleradas a más no poder, a un tempo en el cual solo los expertos pueden afinar y mantener el aliento. Largas secciones instrumentales fueron puestas en función de la voz de Hartman; incluso el saxo de Coltrane, quien se supone sería la estrella, bajó la frente y se acopló al conjunto.

La música del John Coltrane and Johnny Hartman (Impulse!, 1963) es indescriptiblemente buena. Mal haríamos en abordarla con palabras, pues es mejor escucharla y dejarse llevar por cada acorde, cada síncopa, cada susurro. Que de eso se trata la buena música, de música, no de adjetivos. El vinilo fue impreso, empaquetado y vendido con relativo éxito. La crítica, de otro lado, catapultó el álbum a la categoría de clásico instantáneo.

Se dice que Afro Blue también formó parte del repertorio, que existen tomas alternas de todos los temas y que por ahí circula el registro del error del ba-terista... lo cierto es que han pasado los años y lo único que ha sido editado hasta el momento es una remasterización en estéreo (la grabación original es monoaural).

De todos modos, los melómanos seguimos a la espera de que, en estas bodas de oro, Impulse! nos sorprenda con una edición que incluya todo lo anterior más sorpresas inéditas. El jazz siempre sorprende, y confiamos en que John Coltrane and Johnny Hartman no sea la excepción.

La música del John Coltrane and Johnny Hartman (Impulse!, 1963) es indescriptiblemente buena. Mal haría-mos en abordarla con palabras, pues es mejor escucharla y dejarse llevar por cada acorde, cada síncopa, cada susurro.

Coltrane venía liderando tremenda revolución musical, armado de un saxo tenor y contando con la complicidad de Jimmy Garrison (bajo), Elvin Jones (batería) y McCoy Tyner (piano). Su nombre figuraba codo a codo con los de Charlie Bird, Miles Davis, Thelonious Monk, Duke Ellington. Incluso había participado como músico de sesión en varias de las grabaciones fundamentales de aquellos tremendos artistas que, hoy por hoy, veneramos todos (entre ellas el Kind of Blue, de 1959, del que no es necesario decir nada).

Hartman era la voz romántica por excelencia en aquellos años. Y bien pudo pasar a la historia como uno de los mejores cantantes del que jamás se haya tenido registro. Pero su timidez y perfil bajo no ayudaba mucho a superar los padrinazgos y el racismo que le pusieron grillete a su carrera. Como muchos otros, siempre cantó a la sombra del Rat Pack, colectivo que bien se transfiguraba en combo artístico como en sindicato capaz de poner los candados y las argollas adecuadas a la mayor vigencia de Dino, Sammy y La Voz.

EL jAzz LIBREPero había otras argollas artísticas, menos comprometidas con brillar so-bre el escenario y, sin embargo, obcecadas con la investigación musical. A Coltrane y Davis (entre otros gigantes del jazz estadounidense), por ejemplo, los unía la amistad y el modal jazz que ambos encumbraron artística y comercialmente a finales de la década de 1950 y a comienzos de 1960.

John Coltrane fue fichado por Impulse! Records en 1960. Él y su trío empezaron a grabar casi compulsivamente para el sello, álbum tras ál-bum, recibiendo críticas no muy entusiastas por sus experimentos sono-ros. Él mismo reconoció que en más de una grabación se excedió en la investigación técnica y teórica, empeñando con un poquito de mal gusto registros que bien pudieron ser perfectos.

Es en 1962 que decide relajar un poco la especulación y apostar por la simplicidad y la belleza, de lo cual dan fe sus trabajos discográficos Ballads y el clásico Love Supreme. Y con esta bajada de revoluciones surge la idea, por parte de Coltrane, de contactar a Johnny Hartman, baladista de extraordinaria voz, con el objetivo en primera instancia de realizar algunas presentaciones juntos.

LA vOz quE ERA LA vOzPero Hartman no era de aquella órbita. Había empezado a cantar casi al mismo tiempo que Sinatra y nunca pareció interesarle competir por la fama ni codearse con los grandes. Poseía una voz impresionante y una técnica perfecta (queremos mucho a Sinatra, pero Hartman sencillamen-te se lo hubiese llevado de encuentro si así lo hubiese querido) aunque era menos avezado que Coltrane y mucho menos sociable que el Rat Pack. Discos como And I Thought About You (1959) y I Just Drop-ped By to Say Hello (1963) nunca fueron un éxito de ventas pero sí de crítica. Mas a Hartman no le interesaba aquello, a tal punto que cuando el productor Bob Thiele lo contactó para comunicarle la iniciativa de Coltrane, Hartman se excusó diciendo que no se consideraba un cantante de jazz, que Coltrane era un genio y que muchas gracias pero que su voz nunca estaría daría la talla ante la propuesta.

34 | PtM.01 | SIXTO RODRIGUEZ

sixto RodriguezSuENA A fRASE TRILLADA ESO DE quE TODOS MERECEMOS uNA “SEGuNDA OPORTuNIDAD”, PERO EN EL CASO DE SIxTO RODRIGuEz SE APLICA: GRABó COLD fACT (1970) Y COMING fROM

REALITY (1971) PARA EL SELLO SuSSEx RECORDS Y NO vENDIó MáS DE SEIS COPIAS EN LOS ESTADOS uNIDOS, A PESAR DE SuS PRODuCTORES DECíAN quE ERA OTRO DYLAN, INCLuSO MEjOR. AHORA, REDESCuBIERTO POR EL CINEASTA MALIK BENDjELLOuL EN SEARCHING fOR SuGAR MAN, OSCAR AL MEjOR DOCuMENTAL, A SuS SETENTA AñOS RODRíGuEz vuELvE A PISAR LOS ESCENARIOS Y CONvOCA MuLTITuDES.

Sugar man/ date prisa/ estoy harto de este panorama/ por una triste moneda/ todos esos colores a mis sueños/ en magicos barcos plateados transportas/ anfetas, coca, dulce María Juana dice, traducida al español, parte de Sugar Man, el sencillo más conocido de Cold Fact, en el que la voz raspada, casi aguardentosa, conservada casi milagrosamente en el tiempo de Rodriguez –sin tilde- se luce. Hijo de mexicanos, este músico chicano viene de los barrios obreros setenteros de Detroit.

Convertida en himno de la generación de sudafricanos que tomaba conciencia de que lo que era el Apartheid, a tal punto que su música fue prohibida por la South African Broadcasting Corporation por subversiva, Sugar Man convirtió a Rodriguez en una leyenda, uno de esos casos raros de un artista que se transforma en ícono de un país que no es el suyo y se entera de su suceso décadas después, tras vender más de medio millón de discos. La música de Sixto fue éxito también en Zimbawe, Nueva Zelandia y Australia, a dónde fue de gira apenas salió su primer disco y regresó después en 1979 y 1981 para hacer algunos conciertos.

Nadie sabe cómo llegó la música de Rodriguez a esos países, lo único de lo que se tiene certeza es que se convirtió en un clásico con más fama que Elvis y los Rolling Stones. En una voz casi fantasmagórica de cuyo origen solo existían leyendas de vida y de muerte. Se decía que luego de grabar esos dos discos, se había dado un tiro en la cabeza durante un concierto en algún lugar de Europa, que había tenido una sobredosis, que estaba muerto.

Escribe Ketty Cadillo@kettycadilloFotos Archivo

segundo debut//

FIESTA KILLERS | PHantoM 39 | 35

36 | PtM.01 | SIXTO RODRIGUEZ

¿quIÉN ES RODRIGuEz?Es más que probable que si el cineasta Malik Bendjelloul no se hubiera topado con esta historia, Rodriguez seguiría siendo un gran desconocido para todos nosotros o para la gran mayoría. Sueco y de padre argelino, el joven di-rector viajaba por Ciudad del Cabo, Sudáfrica, buscando un tema para su primer largometraje cuando se topó con esta historia: “entré a una tienda de discos y ahí conocí a Stephen Segerman, el dueño, un melómano al que apoda-ban Sugar. Me pareció divertido que lo llamaran así y le pregunté el por qué y ahí conocí a Rodriguez”.

Malik reconstruye la historia en Searching for Sugar Man, documental con el que ha ganado todos los premios posibles, incluido el Oscar, y en el que narra la búsqueda incansable de Stephen Segerman y Craig Strydom a me-diados de los noventa hasta darse con la sorpresa de que el músico estaba vivo, que había vuelto a trabajar como obrero de construcción, que tenía una licenciatura en filo-sofía, tres hijas y nunca se había movido de Detroit. Este camino largo llevó a Strydom a contactar con el produc-tor Mike Theodore, que trabajó con Rodríguez en Cold Fact. Eva, una de las hijas del músico, intrigada tras leer ¿Qué pasó con Sixto Rodriguez?, la página de Internet que se había creado para buscar al ídolo, dejó un mensaje diciendo que conocía a ese hombre. Era 1997 y Sixto co-menzó a resucitar para el mundo.

Tras el hallazgo, Strydom y Segerman llevaron a Rodrí-guez a Sudáfrica para dar conciertos: “era marzo de 1998. Mucha gente pensaba que iba a ser una estafa. Cuando apareció sobre el escenario fue como ver, literalmente, a alguien que ha regresado de la muerte. Y el público tar-dó en reaccionar. Pero cuando empezó a cantar, no ha-bía duda de que era él. Aquello se convirtió en emoción y en alegría, y empezaron a aplaudir como niños. “Fue un sueño hecho realidad”, declaró Sugar rememorando el primer show de Sixto en Ciudad del Cabo. Dicen que ese concierto fue para los sudafricanos como si para los estadounidenses Elvis se hubiera levantado de la tumba. Fueron seis shows con lleno total. RECOMENzAR A LOS 70Esta es la imagen: un bar lleno de humo y un hombre cantando de espaldas a la gente, ensimismado en sus le-tras, en su música. Así recuerda a Rodriguez el productor y guitarrista Dennis Coffey, quien descubrió a Sixto en 1969 en The Sewer by the Sea hace 40 años y produjo Cold Fact. Ahora, de nuevo en el mundo de los vivos, por

decirlo de alguna manera, Rodriguez recomienza tirando por la borda eso de que en las vidas “americanas no hay segundos actos” como decía F. Scott Fiztgerald. O, en todo caso, se reafirma como la excepción a la regla. Un repunte que gracias al documental de Malik lo ha convertido en un reclamo de los festivales de música de Europa, Australia y Estados Unidos de este verano, además de sus viajes cada cierto tiempo a Sudáfrica donde nunca ha dejado de volver a tocar.

Con 70 años a cuestas, cuentan los que conocen a Ro-driguez que sigue siendo el mismo chico que decidió no volver a hacer un disco después del fracaso de Coming from Reality (1971). Sigue manteniendo el pelo del mis-mo tamaño, usando esos abrigos negros largos para pasar el invierno y caminando las calles de Detroit con esas bo-tas gastadas por el tiempo. De hablar pausado, cuando se le escucha da la impresión de que nada de lo que le está pasando lo sorprende y, aunque se está quedando ciego –por un problema de glaucoma-, parece que tiene esa ca-pacidad de ver más allá y enfocarse en lo importante. No tiene televisión, ni tampoco fue a la ceremonia del Oscar, sigue viviendo en la misma casa en el centro de Detroit y al parecer reparte el dinero que ahora gana entre su familia y sus amigos.

La historia de Rodriguez, es cierto, suena increíble, como sus canciones. Hombre de principios, cuando apareció en el programa 60 Minutos de CBS y le preguntaron si alguna vez había pasado hambre, él respondió: “no hay por qué avergonzarse en ser pobre. Ser pobre no significa suciedad, estupidez o maldad”. Libre por sobre todas las cosas, Malik contó a The Independent que la relación de Sixto con el dinero es de desapego total: “realmente no lo quiere. Al principio crees que está loco, pero cuando lo piensas un poco tiene todo el sentido. Él nunca fue un consumidor. Y cuando tú no consumes hay muchos sacrifi-cios: no puedes comprar cosas o pagarte unas vacaciones, pero ganas libertad. Nadie jamás le podrá decir: tienes que hacer esto. Él siempre puede responder: no, no lo tengo que hacer porque no necesito tu dinero”. Y así vive y va a donde quiere, solo con su guitarra. No tiene una banda, se deja acompañar por músicos locales y amenaza con sacar un tercer disco, uno que cierre el ciclo.

Sugar Man convirtió a Rodriguez en una leyenda, uno de esos casos raros de un artista ícono de un país que no es el suyo y se entera de su suceso décadas después, tras vender más de medio millón de discos.

discografíaCold Fact (1970)Reeditado por Light in the Attic en 2008.Coming from Reality (1971)Reeditado por Light in the Attic en 2009.Searching for Sugar Man SoundtrackSony Legacy 2012.

MULTIMARCAS | PtM 01 | 37

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Detalles que marcan la diferencia

38 | PtM.01 | SPALDING

Esperanza Spalding, cantautora, bajista y contraba-jista de jazz, se presentará en el Gran Teatro Nacio-nal el 31 de julio, con un repertorio conformado en su mayoría por temas de su más reciente y celebrado álbum: Radio Music Society (Heads Up Internatio-nal, 2012, que viene acompañado de un DVD con videos de todas los temas); y del Chamber Music Society (Heads Up International, 2010), disco por el cual recibió el premio a artista revelación. Ambos álbumes, originalmente planteados como un doble que representaba, respectivamente, la fusión del jazz con la música de cámara y con el pop, soul y rythm & blues, forman la base de la gira mundial que ha empezado en nuestro país y que la llevará por Argen-tina, Brasil, Chile, Canadá, Holanda, Francia y, por supuesto, Estados Unidos. Spalding también partici-pará en una clase maestra dedicada a estudiantes de música de los diversos conservatorios limeños. Con su visita, Perú queda, ahora sí, ratificado como una de las más importantes plazas de la música. Entradas de venta en Tu Ticket. (D.A.S.)

Music society!

spalding

the ocean blue

en lima

Hace poco recibimos un combo noticioso que nos alegró de sobremanera. Se con-firmó por partida doble; primero, el lanzamiento de la sexta producción de The Ocean Blue -grupo proveniente de Pennsylvania, Estados Unidos- denominado Ultramarine y editado en Perú por Automatic Entertainment. El disco cuenta con 12 canciones más un bonus track, entre las que sobresalen notoriamente Give It a Try y Sad Night, Where Is Morning? (primer single del disco). El sonido de la banda se mantiene incólume como hace 24 años, cuando lanzó su primera pro-ducción (The Ocean Blue 1989), sin embargo, ha sabido adecuarse a las nuevas tendencias musicales motivo, por lo que esta producción tiene el sonido caracterís-tico, pero a su vez suena muy actual. Asimismo, se mantiene la influencia, siempre admitida, de bandas como New Order, The Smiths y Echo and the Bunnymen. Segundo: The Ocean Blue regresa al Perú luego de siete años y 11 días (tocó por el aniversario de Yacana Bar en el Ex Teatro Rajatablas) para dar un concierto el 12 de junio en Gótica de Larcomar y de esa manera presentar en vivo su última producción, así como los clásicos de la banda. Eso quiere decir que tendremos la posibilidad de escuchar clásicos como Between Something and Nothing, Mer-cury, Sublime, Vanity Fair, entre otras. Bienvenidos sean. El 12 de junio en la discoteca Gótica. Entradas a la venta en Teleticket. (BETO KANAFFO)

THE OCEAN BLUE EN LIMA | PtM.01 | 39

40 | PtM.01 | CHERMAN

cher

man

en

tin

ta c

hin

aEl artista plástico presenta por primera vez los dibujos de su cuaderno de diario de 2013 “en vivo y en bruto”, como el mismo anota.

CHERMAN | PtM.01 | 41

42 | PtM.01 | CHERMAN

CHERMAN | PtM.01 | 43

el Mundo abisal

de

drexlerRegresa después de dos años el cantante uruguayo Jorge Drexler, y lo hace para presentar en vivo Mundo Abi-sal, su más reciente disco, en el Anfiteatro del Parque de la Exposición este 3 de julio. En sus 20 años de carrera Drexler ha conseguido reafirmarse en el mundo musical y ha conseguido un grupo de seguidores fieles que llenan cada una de sus presentaciones. El concierto está enmar-cado dentro de la segunda etapa de su gira que además de Perú lo llevará a México, Venezuela y Chile. Imperdible. Entradas de venta en Punto Ticket.

44 | PtM.01 | DREXLER

LUIS FONSI | PtM.01 | 45

drexler

luis FonsiOtro que regresa a Lima es Luis Fonsi, esta vez para dar un concierto en la Explana Sur del Estadio Mo-numental este viernes 19 de junio. Dueño de éxitos como Tu Amor, Abrazar la vida, Imagíname sin ti, Quien te dijo eso, No me doy por vencido, entre otros, el cantante boricua ha prometido superar su presentación anterior para alegría de todos sus fanáticos. Con más de una década de trabajo en la música y media decena de álbumes a cuestas, muchos de ellos ganadores de disco de oro y platino, Fonsi viene promocionando Tierra Firme, su placa número ocho que contiene éxitos como Se supone y el tema icono de Menudo –banda admirada por el intérprete-, Claridad. Entradas en Teleticket.

En el Monumental

46 | PtM.01 | ZERO BALAS

ZeRo balas EN MÉxICO

Zero Balas se encuentran de gira con los mexi-canos de Panda por varias ciudades de los Esta-dos Unidos y México. Este es sin duda un gran paso para esta banda nacional que lleva tocando desde 2008 en Lima y provincias. Josué Calde-rón, vocalista y líder del grupo que formó junto a Jose Zimic en el bajo, han reclutado a nuevos miembros: Pedro Alayza quien se encarga de la guitarra, y Hernán Benza en la batería. Los chi-cos tocarán en la gira los temas que los hicieron conocidos, como No vuelvas más, Abismo y Tan cerca y tan lejos.

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48 | PtM.01 | HOT ROCKER

Este 19 de junio es la cita con Miguel Bosé, quien regresa a Lima para pre-sentar Papitwo, nombre de la gira y del disco más reciente del cantante español. Un concierto que se desarrollará en las instalaciones del Jockey Club del Perú. Siguiendo la saga de Papito –el disco de duetos que devolvió a Miguel Bosé a llenar grandes escenarios–, Papitwo trae una nueva colección de duetos de sus grandes éxitos, en la que participan Pené-lope Cruz, Tiziano Ferro, Jovanotti, Aleks Syntek, Ximena Sariñana, Juanes, entre otros. Si bien ellos no participan del show en vivo, seguro que “Don Diablo” se las ingeniará para cautivar, como siempre, al público que asista. Y no va a ser. Entradas en Tu Entrada.

MIGuELBOSÉ

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50 | PtM.01 | XOXOXOXOX

Revista PTM Edi. 1

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