Matematika Teknik 1_Kuis 2_Analisis Vektor, Integral Garis, Integral Permukaan
Revista VeKtor
64
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Una revista para diseñadores gráficos con alto contenido en gráfica urbana, y deportes extremos.
Transcript of Revista VeKtor
Directa o indirectamente el diseño Gráfico en la actualidad , se a inmerso de manera importante en la vida diaria de todos y cada una de las personas que habitan en una sociedad, trascendiendo fronteras raciales , sociales y culturales , a través de distintos medios de comunicación masivos ya sean formales e informales esto con el objetivo de trasmitir un mensaje ya sea para persuadir, informar o disuadir .En su re-edición “Vektor ,Urbano visual “ como publicación gráfica - alternativa realizada por estudiantes de Diseño Gráfico VI, de la Universidad de Nariño, quiere enfocarse directamente en la forma que las nuevas generaciones perciben el mundo ,a través de los medios tradicionales, populares ,llámense análogos o digitales, en esta entrega como primera medida pretende converger en una sola publicación distintos estilos gráficos que han evolucionado de manera importante en el transcurso de la historia.
Vektor Group 2010
Las imágenes contenidas en esta edición fueron proporcionadas por sus autores con su respectiva
autorización .Derechos Reservados
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Vektor es un projecto editorial universitario semestral, desarrollado por alumnos
de Diseño Gráfico , de sexto semestre de la universidad de Nariño
Vektor es una iniciativa de : Vektor Group
Vektor Group
Pasto , Nariño
Barrio Pandiaco , Cra 45 N. 18b-50
EDITOR
Vektor group
AUTORES
FOTOGRAFIA, TEXTOS, DISEÑO
Mauricio Erazo
Franco Rosero
Wilbert Daza
Karen Ibarra
©TALLER EDITORIAL
UNIVERSIDAD DE NARIÑO
VI SEMESTRE
PASTO, NARIÑO
Primera Edición Diciembre, 2009
Re-edición Mayo de 2010
Prohibida su reproducción sin previa autorización escrita de vektor group .
las opiniones expresadas por los autores no corresponden necesariamente a las de
la revista
Vektor N.2
Año 2010
Revista Trimestral
Portada
Mauricio Erazo.
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Su filosofía y razón de ser han evolucionado como todas las artes y movimientos artísticos, a través de la historia y de igual manera a medida que la sociedad sufren cambios políticos, sociales y culturales, pero su esencia continua siendo la misma (la lucha contra el sistema ). Y desde distintos puntos de vista muchos artistas denominan a esta evolución post – graffiti.
El nuevo concepto de arte urbano se resiste a quedar enterrado en una fosa de concreto sin salida .Su naturaleza es mucho más amplia que hace años atrás podríamos hablar de una nueva etapa de un nuevo “renacimiento”, en donde la creatividad, las nuevas ideas y todo el talento de miles de artistas alrededor del planeta sienten la necesidad de exponer sus obras llenas de innovación invadiendo las calles, interviniéndolas como si se tratase de un gigantesco museo.
Dicha evolución ha traído consigo obviamente nuevas técnicas y estilos al street art. Así los artistas (grafiteros) utilizan además de los sprays y rotuladores de tinta permanente, otros métodos y materiales para llevar a cabo sus trabajos ya sean plantillas : adhesivos posters pinturas acrílicas aplicadas con pincel , aerógrafo tizas carboncillo, collage a base de fotografías, fotocopias mosaicos, etc. Por otro lado muchos estudiantes y profesionales del mundo del diseño gráfico utilizan este arte para dar a conocer su trabajos, estudiando la reacción de la gente y no dudando en firmar sus creaciones con direcciones e-mail, páginas Web e incluso su número de teléfono significando una huida de la pura esencia del graffiti, “efímero e ilegal”.
El street art “Arte Urbano “ó “arte callejero” como su propio nombre
indica, globaliza todas las intervenciones informales llámense artísticas o no, realizadas en la ciudad, esta corriente es un derivado directo del graffiti ,que a finales de los años sesenta eran pintados en los vagones de
tren en Harlem (New York).
Por : Karen Ibarra.
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Muchos artistas prescinden de la firma o tag (Etiqueta) pues no necesitan dejar algún indicio de quien lo realizo o simplemente no quieren recargar su obra y restarle sentido artístico. Una de las mayores preocupaciones en la planeación de las ciudades en la actualidad es el llamado paisaje urbano.El Street Art convierte las calles de las ciudades ya sean grandes o pequeñas en exposiciones al aire libre ,produciendo un impacto socio-cultural que permite una comunicación universal ya que gente que no tiene la oportunidad de asistir a exposiciones privadas (museos) quedan absorbidas por esta macro-exposición artística.
A los realizadores de estas intervenciones se denominan “el escritor” (dicho termino adoptado por los artistas convencionales del graffiti) crean sus obra en función del soporte y las circunstancias aprovechando al máximo las posibilidades que ofrece el paisaje urbano, así como sus estructuras. En las urbes los soportes pueden ser diversos ,desde cartón, papel o lienzos de ahí que más tarde serán trasladados y expuestos en sitios públicos ,aunque para un “escritor” pintar fuera del entorno que lo rodea no es graffiti , ya que se aleja de lo underground aproximándose más al arte corriente.La sociedad se ha ido adaptando a las nuevas necesidades colectivas. Mientras hace unos años el Graffiti era rehusado (aquellos quienes lo practicaban pertenecían a los eslabones más bajos de la sociedad), ahora ya lo utilizan para la publicidad y marketing, y si no, ¿qué es un videoclip, más que un video comercial o una técnica de marketing? La música Hip-Hop ha estado íntimamente ligado con el Graffiti, era otra manera de cargar contra el sistema un estilo musical que se ha extendido como la pólvora hasta la actualidad y que goza de gran éxito entre todas las clases sociales. El graffiti es una manifestación cultural que está presente y es aun más importante porque se involucra en la mayoría de los ámbitos de la ciudad, generando una inmensa galería, que paso de ser una ofensa para la sociedad a un espectáculo para los que vivimos en ella.
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En el agitado ritmo de la vida actual muy poca gente se toma el tiempo de conocer al otro. En la ciudad conviven y confluyen la diferencia y la diversidad cultural porque a ella llegan personas de lugares remotos para establecerse en busca de oportunidades y con miras a forjar un porvenir más próspero. Llegan personas que quieren integrarse a las actividades y rutinas capitalinas para tener voz y voto en todo lo que aquí acontece. Pero cuando muchos de ellos se estrellan con el impedimento para poder intervenir en los medios de Comunicación oficiales, se ingenian la manera de hacerse sentir a través del graffiti. Dada la multiplicidad de pensamientos que concurren en la vida urbana y que no todos tienen cabida ni salida en los principales centros de distribución de comunicación, el graffiti facilita y ayuda a que todos tengan una tribuna para predicar sus filosofías, modos de ser y visiones del mundo.
Para volver a lo que nos compete, cabe añadir que a los medios no les conviene monetariamente designar espacios a los más relegados. ¿Para qué darle voz a quien no le genera ganancias al canal?. Los dueños de los medios hegemónicos monopolizan los discursos y no se preocupan por los problemas de los más pobres, rechazados e ignorados sino por incrementar su lucro a toda costa; se muestran reacios a plasmar de modo crítico un mundo diferente al de las élites.
Pero a pesar de que los medios aíslen a un público potencial, éste encuentra en el graffiti la manera de resurgir entre las ruinas del olvido y posesionarse en medio de los principales lugares más transitados. Hay quienes se proponen la tarea de expresarse y se conectan con el mundo así el mundo no se quiera conectar con ellos. El graffiti es el conducto que les permite este acercamiento y resurrección en la sociedad. Hasta los sectores más distantes se comunican ya que “nadie se encuentra totalmente al margen de este mundo” .
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Sub Tinta Crew es un grupo conformado por 3 escritores con una trayectoria evolutiva en el graffiti art hace más de 5 años. SCOL, DOHS, SCHR, pioneros en el graffiti en la ciudad de Pasto e implementando varios estilos que este arte exige han aquellos espacios urbanos olvidados por el mismo hombre y dándole vida con tipografías, diseños, formas y colores para dar a conocer el talento, el nivel, y el potencial para representar y llevar este arte a todos los campos que se vea necesario apoderándose de espacios legales e ilegales para darle un tono muy urbano a la capital del sur de Colombia.
Sub tinta Crew, Pasto - Nariño
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No hay nada más fácil que sacar del bolso, un taco de pegatinas y pegarlas allí donde se
nos antoje evitando el riesgo de ser pillados in fraganti. El stick art es sin duda una de las
técnicas más rápidas y discretas, junto con el esténcil, dentro del apasionante mundo del arte
urbano.Casi todos los artistas utilizan este medio
como una vía más para bombardear las calles, pudiendo decir entonces que el sticker es una
especie de “tag “semi industrializado, ya que se pueden fabricar fácil y cómodamente en casa
con la ayuda del computador y una impresora , encontramos toda clase de sticker, desde los más
rudimentarios hechos con fotocopias o dibujados a mano sobre cualquier papel o adhesivo.
Digamos que stick art no engloba solo las típicas calcomanías, sino a toda aquella obra que puede
ser pegada en la calle sobre cualquier superficie, es decir, desde posters, hasta los diversos mosaicos
que se puede encontrar en la ciudad.La cosa se complica cuando tenemos entre
manos un afiche de grandes dimensiones ya que el artista necesitara la ayuda de
algún compañero de batalla, no tan solo para acceder al lugar idóneo, normalmente
a gran altura, sino para también transportar el cubo con el pegamento y la brocha de
empapelar. El impacto visual del afiche es cuantitativamente superior al de los stickers
convencionales pudiéndose definir dentro de la modalidad como una “master piece”.
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“Window Lovers”, imagen obra de Banksy, en Park Street, Bristol, en la pared de una clínica de enfermedades sexuales, Bristol, Inglaterra. Según consulta popular efectuada, El ayuntamiento ha decidido que esta imagen no será borrada en Park Street, Bristol, England.
El nombre, sin hombre.
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Banksy es el seudónimo de un popular artista del graffiti inglés. Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol en 1974, pero los datos cerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy “nació en 1974 y creció en Bristol, England. El hijo de un ingeniero de fotocopiadoras, entrenó como un carnicero pero se vió implicado en el graffiti durante en boom del aerosol en Bristol de finales de los 80’s”.Su trabajo, en su gran mayoría piezas sátiras sobre política, cultura pop, moralidad y etnias.
Combina escritura con graffiti con estarcidos con plantilla. Su arte urbano, que combina escritura con una técnica de stencils muy distintiva similar a Blek le Rat, que empezó a trabajar con stencils en 1981 en Paris, y miembros de la banda de anarco-punk,Crass, que mantuvieron una campaña con stencils en el sistema de tubería de Londres a finales de los 70’s e inicios de los 80’s. Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres. El nombre real de Banksy no es, como comúnmente se cree y ha sido ampliamente reportado, Robin o Ribin Banks (robando bancos, en inglés). Se ha dicho que nació en 1974. Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre “Robin Banks” y “robbing banks” (“robando bancos” en inglés).
Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación.Esta intención política detrás de su llamado “daño criminal” puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).
Banksy “Nob artiste”
Piltonfrisk”
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Según la definición del diccionario “Ilustración”:
(De ilustrar) sust. Estampa, grabado o dibujo que adorna ó documenta un libro. Componente gráfico que
complementa o realza un texto.
ILUSTRACIÓNDe lo análogo a lo digital.
Por : Franco Rosero.
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En una definición profesional, la ilustración es una forma artística que incorpora elementos, técnicas y valores del dibujo y la pintura para ilustrar temas conceptos o situaciones específicas, además de su naturaleza y valores expresivos o abstractos, que se le confieren como profesión y disciplina del arte. La ilustración tiene una aplicación comercial mucho mayor que el dibujo o la pintura, debido a la rapidez de su realización y por el estándar de complejidad y calidad con que normalmente se realiza. Manejado como un intermedio entre el dibujo y la pintura, la ilustración toma fuerza de la necesidad de incorporar mayor expresividad y calidad a los dibujos que comenzaban a ilustrar escenas y situaciones en las tempranas publicaciones de fines del siglo XIX y principios del XX.Esto se logra a través del color o las tonalidades y evitando ser demasiado costoso además tardaba en su realización como una pintura además de ser mucho más versátil en su manejo. Históricamente, desde los inicios de la imprenta se han incorporado dibujos e ilustraciones en los diversos tipos de publicaciones, algunos más elaborados que otros, pero que sucesivamente han ido evolucionando y ampliando su diversidad y calidad.
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Htpp:// www.svitart.com
El momento determ
inante en el nacim
iento de la ilu
stración digita
l es a fin
ales de
los años ochenta cuando la compañía Adobe Sistems implementa el u
so del form
ato
Postscrip como base de los sistemas de Autoedición o “edición de escrito
rio” u
n formato
que traslada y tra
duce los pixeles y vectores en puntos de im
presión. De ta
l form
a
que, a partir del desarro
llo de software como Ill
ustrator, P
hotoshop y Pagemaker y la
adopción de los mismos ju
nto con el Postscrip
por parte
de la plataforma M
acintosh
de Apple, la autoedición se convierte
en el eje fundamental de toda la nueva industria
editoria
l que desarrolla sus contenidos im
presos y procedimientos industria
les a
partir del uso de dichos nuevos estándares.
La ilustra
ción Digital es una consecuencia de dichos eventos, a partir
de la aparición
de los software de re
toque y edición digital y de generación de im
ágenes, la
ilustra
ción a través de dichos m
edios se empieza a convertir en una constante
alternativa que fo
rtalece el u
so de las computadoras como herramientas de tra
bajo
y para el artis
ta convirtiéndolas en elementos in
dispensables en el desempeño de
la gran mayoría
de los profesionales gráficos de la actualidad. Profesionalm
ente se
puede hablar de la Ilu
stración Tradicional e Ilu
stración Digital, d
onde:
La Ilus
tració
n Tradicio
nal, sería
la que mantiene sus cualidades orig
inales: la
realización m
anual por medio de m
ateriales de dibujo, pintura o collage sobre papel
o lienzo y a partir
del desarrollo de una im
agen trazada o defin
ida por el artista .
La Ilus
tració
n Digital, se puede defin
ir como aquella que se vale de herra
mientas
digitales, usualm
ente una computadora y diversos programas que le ayudan al
artista a generar, r
etocar o complementar im
ágenes y archivos digitales bajo
sus propias formas de tra
bajo o que emulan a la ilustra
ción tradicional y sus
técnicas.
La mejor té
cnica para realiza
r una ilu
stración es aquella que
se adecue mejor a las habilidades y necesidades del
ilustrador.
En el proceso creativo y de realización
se puede ir cambiando o incorporando estilo
s,
pero eso es una cualidad que sólo se
aprende y domina con la disciplina, la
práctica y la experimentación
independientemente del tipo
de ilustra
ción.
Se puede pensar que
un ilustra
dor necesita sa
ber
manejar ampliam
ente ambos estilo
s
para considerarse
un artista completo.
La generación de la idea y el proceso creativo
a través del tr
azo y el dibujo, o el tratamiento de las
texturas, form
as y trazos en diversos tip
os de papeles y
su retoque digital posterio
r, son técnicas que están teniendo
gran auge y que complementan a la perfección ambos m
undos,
pero siempre se debe recordar q
ue los materia
les o herramientas no
hacen al ilustra
dor, es el ilu
strador e
l que se vale de ellas para generar la
obra.
Otra caracterís
tica definito
ria de ambas, es que la ilustra
ción tradicional es
única y original, p
orque existe como un objeto físico y palpable, e
n cambio una
ilustración digita
l es virtual e infin
itamente duplicable, puesto que existe sólo como
un archivo de computadora del cual n
o hay un original m
ecánico, pero se pueden
generar cuantas copias se deseen.
En cuanto a estilos, se podría
hablar de m
uchos, aunque básicamente se los
podríamos clasific
ar como: caricatura, semicaric
atura, dibujo serio, hiperealismo,
ilustración abstra
cta, collage, dibujo conceptual, etc. En cuanto a técnicas,
la ilustra
ción se ha valido de todas aquellas té
cnicas clásicas de pintura o dibujo (el
dibujo a lápiz o sketche, el dibujo a plumilla
, la acuarela, acríli
cos, collage, óleo, etc.)
que puedan implementarse para su desarro
llo. Adicionalm
ente la ilustra
ción digital
incorporaría la
s opciones propias que los diversos softw
are le proveen, como el
modelado de objetos tridim
ensionales (3D).
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Ilustración Esteban Fajardo.
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TIPOS DE ILUSTRACIÓN
Ilustración CientíficaIlustraciones de libros científicos, en donde se aclara mediante una imagen lo que se explica en el texto de un modo realista. Por ejemplo ilustraciones de anatomía o ingeniería. Normalmente realizadas mediante grabados.Ilustración EditorialOtra área es la ilustración editorial, utilizada en periódicos y revistas de todo tipo, así como páginas Web.Ilustración PublicitariaEn los últimos 50 años la ilustración publicitaria ha resultado ser muy importante. No sólo para la creación de carteles, sino también para envases y productos variados, ya que ofrece al espectador una visualización rápida de la información a explicar (por ejemplo en folletos de instrucciones).La ilustración publicitaria también ofrece ventaja con respecto a la fotografía, ya que se puede cargar de connotaciones emocionales caricaturescas que la fotografía no alcanza.
Pasos para hacer una ilustración
1. Concepción de la idea. Ya sea como ilustración artística o por encargo hay que definir el contenido o lineamientos de la misma y la necesidad a la que responde y los materiales necesarios para realizarla.2. Búsqueda de referencias. Según sea el caso, es necesario obtener referencias de objetos, personajes situaciones o entornos para aterrizar el concepto y en su caso estilizar.3. Realización. Este proceso debe ser meticuloso y sistemático en lo general. El proceso de realización esta unido al creativo, por lo cual es importante equilibrar el concepto original con las ideas que van surgiendo para plasmarlos en la ilustración y no perder de vista el objetivo de la misma.4. Retoque y preparación final. El retoque final es lo que le da los últimos valores definitorios a la obra y que adicionalmente ayuda a cubrir los pequeños errores plásticos que haya habido en el proceso, dejándola lista para su uso comercial o personal.
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Master of Puppet , Ilustración Daniel Jojoa
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Con 27 años de edad este joven arquitecto egresado de la Universidad Nacional de Colombia sede Manizales actualmente se encuentra estudiando maestría en diseño arquitectónico avanzado en la universidad de Buenos Aires/ Argentina, diseñador gráfico y artista amateur, trabaja como independiente en el campo del diseño arquitectónico y diseño grafico, ha participado en varios concursos nacionales de diseño, el más importante ha sido el afiche del carnaval de negros y blancos de pasto 2008, trabaja la ilustración digital y comics, actualmente desarrolla una serie de pinturas para un libro de ilustraciones del carnaval de pasto y varias exposiciones personales, su trabajo se caracteriza por ser artístico de alta calidad y de tipo digital con un alto contenido de color y expresividad mezclando la carrera como arquitecto con el amor y pasión por el arte
y la ilustración.
FRANCO RODRÍGUEZ
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Visualización ilustrada de ideas
Por : Mauricio Erazo.
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El Concept Art es una forma de ilustración donde la meta principal de esta ,es crear una representación visual de un diseñó, idea, para el uso en películas, juegos video, o comics antes de realizarlo en el producto final.Esto es relativamente una nueva designación popularizada por los artistas que trabajan en las industrias de los juegos de video. Este término ha sido utilizado desde los años 30 por la industria tradicional de la animación que describiendo dibujaban las imágenes los colores, las escenas ilustradas que se deseaban de la película animada que se haría. El concept art también se refiere como ese desarrollo visual en la animación tradicional. El término fue adoptado más adelante por la industria de los juegos. Estas ilustraciones llegaron a ser necesarias para las características visuales desarrolladas. El concept art es la declaración visual preliminar hecha en la producción. Antes de crear estos mundos que se visualizaban en la imaginación, se crean los guiones escritos, las imágenes se hacen para demostrar lo que debe representar, sean personajes, sitios, cosas y acciones basado a menudo en una descripción de los escritores. Los dos temas más ampliamente cubiertos en el Concept de Art son ciencia ficción y fantasía. Esta rama de la ilustración siempre ha tenido que cubrir muchos temas, siendo el medio principal en el diseño de póster de película desde los primeros días de Hollywood, sin embargo, ya que el reciente aumento de esta labor es utilizada en el desarrollo y producción de video juegos se ha ampliado para cubrir los géneros del fútbol a la mafia y más allá.
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Artistas de concepto
Un artista conceptual es un individuo que genera un diseño visual para un artículo, carácter o área que todavía no existe. Esto incluye, pero no se limi-ta a, la producción cinematográfica, producción de animación y más recientemente la producción de videojuegos. Un artista conceptual puede ser nece-sario para nada más que la ilustración preliminar ademas es posible que deba ser parte de un equipo creativo hasta que un proyecto llegue a buen térmi-
no. Si bien es necesario tener las habilidades de un artista fino, un artista conceptual también debe ser capaz de trabajar a plazos estrictos como el Dise-ñador gráfico.
En los últimos años el Concept Art ha adoptado el uso de la tecnología. Programas tales como, Pho-toshop , Corel Painter ,Illustrator se han convertido en herramientas de fácil adquisición, así como los equipos o hardware tales como las tablas gráfica-
Diseño Conceptual Automóvil Corel magazine
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doras, lo que permite métodos de trabajo más eficien-tes. Previo a esto (y aún hasta el día de hoy),
cualquier número de materiales tradicionales como el óleo, acrílico, marcadores, lápices, etc., etc... Debido a esto, ya muchas pinturas se encuentran ya en medios digitales y se venden en paquetes que son programables para simular la mezcla de color de la misma manera que se mezcla pintura sobre un lienzo; el conocimiento de los medios tradicionales a menudo es fundamental para la utilización de los programas de pintura digital en los proyectos de un Artista conceptual .Necesariamente cuando se habla de Concept Art en el mundo cinematográfico , de video juegos y demás toca referirse al Storyboard o Guión gráfico. Los cuales son los organizadores gráficos son una serie de ilustraciones o imágenes muestran en orden con el fin de pre-visualizar un imágenes en movimiento,llámese animación, secuencia movimiento gráfico o medios interactivos, incluida la interactividad de los sitio Web.El proceso de storyboarding, en la forma en que se conoce hoy en día, se desarrolló en Walt Disney Studios durante los primeros años de 1930, después de varios años que se usó este proceso otros studios de animación lo asimilaron.Uso más reciente de crear storyboards de manera más sencilla es que resume los sitios Web y otros proyectos de medios interactivos durante la fase de diseño.
El uso del storyboard ó guión gráfico es muy común en el mundo del entretenimiento y en otros campos como los negocios.Un guión de película gráfico es esencialmente un gran comic de la película o en algunos ,secciones de la película producida con antelación para ayudar a los directores de cine, directores de fo-tografía y de televisión comercial , y de publicidad a visualizar las escenas y encontrar posibles problemas antes de que se produz-can. A menudo guiones gráficos incluyen flechas o instrucciones que indican movimiento.
En la creación de imágenes en movimiento con cualquier
grado de fidelidad, un guión gráfico proporciona un diseño visual de eventos que van a verse a través de la lente de la cámara. Y en el caso de medios interactivos, es el diseño y la secuencia en que el usuario o el visor ve el contenido de
Diseño conceptual transformers Jet Fire
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la información. En el proceso de storyboard se puede observar detalles más técnicos involucrados en la elaboración de una película o un proyecto de medios interactivos pueden describirse eficientemente en imagen o en texto adicional.Usos de los storyboard o guión gráfico :
Teatro Una idea errónea co-mún es que los guiones gráficos no se utilizan en el teatro. Son he-rramientas especiales con frecuencia que di-rectores y dramaturgos utilizan para entender el diseño de la escena. En Rusia Constantin Stanislavski desarrolla guiones gráficos en sus planes de producción detallada para sus ac-tuaciones en el Teatro de arte de Moscú (tales como de La gaviota en 1898 de Chéjov). El di-rector alemán y el dra-maturgo Bertolt Brecht desarrolla guiones gráficos detallados como parte de su dramaturgical método de “fabels”.
Animatics En el trabajo de animación y efectos especiales, la fase de storyboard puede estar seguida de maquetas simplificadas llamadas “animatics” para dar una mejor idea de cómo será la escena
con movimiento. En su forma más sencilla, un animatic es una serie de imágenes fijas
editadas juntas y se muestra en la secuencia. Comúnmente, un diálogo o pista
aproximada de sonido se agrega
a la secuencia de imágenes fijas (generalmente tomada de un guión gráfico) para comprobar si el sonido e imágenes están trabajando conjuntamente de forma eficaz. Los Animatics también se utilizan por agencias de publicidad para crear anuncios de bajo costo de la prueba.
PhotomaticEl término ‘photomatic’ probablemente se deriva de ‘animatic’ o foto-animación. Un photomatic es una serie de fotografías editadas juntas y se presentan en pantalla en una secuencia,Por lo general, una voz en off, banda sonora y
Storyboard Video clip “Somewhere I belong” linkin Park Director : Joe Hahn Izquierda : Tomas VideoClip Realizado
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efectos de sonido se agregan a la pieza para crear una presentación para mostrar cómo podría ser la película en breves cortos. Este método es cada vez más utilizado por los anunciantes y agencias de publicidad para investigar la eficacia de su propuesta de guión gráfico antes de comprometerse con el anuncio .Este método suele ser una herramienta de investigación, similar a un animatic, este se presenta a una audiencia de prueba para que puedan evaluar su eficacia. Originalmente, las fotografías son tomadas con película de color. Imágenes pueden ser tomadas y editadas rápidamente para permitir
Storyboard Video clip “Somewhere I belong” linkin Park Director : Joe Hahn Izquierda : Tomas VideoClip Realizado
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que las decisiones creativas importantes se puedan aceptar.
CómicAlgunos autores han utilizado dibujos de tipo de guión gráfico (aunque bastante incompletos) para sus secuencias de comandos del cómic, que a menudo indica puesta en escena de figuras, fondos y colocación de globo con instrucciones para elartista según sea necesario a menudo se indica las leyendas de diálogo.
NegocioGuiones gráficos fueron adaptados de la industria cinematográfica. Hoy son utilizados por la industria para la planificación de campañas de publicidad, anuncios, una propuesta u otros proyectos destinados a convencer al cliente.Un “guión gráfico de calidad” es una herramienta para ayudar a facilitar la calidad en una organización. Los Comic de diseño son un tipo de guión gráfico utilizado para incluir caracteres en un relato. Comic de diseño a menudo se utiliza en el diseño de sitios Web o que ilustran los escenarios de uso del producto durante el diseño.
Medios interactivosRecientemente el término storyboard ha sido utili-zado en los campos de desarrollo Web, desarrollo de software y diseño instructivo para presentar y describir, en él eventos interactivos, así como el au-dio y el movimiento especialmente en las interfaces de usuario. Una de las ventajas de utilizar los guio-nes gráficos es que permite (en película y negocio) al usuario experimentar con cambios en la historia para evocar reacciones más fuerte o de interés.
Flashbacks.El proceso de pensamiento visual y planificación permite a un grupo de personas intercambiar ideas juntos, colocar sus ideas en los guiones gráficos y, a continuación, organizar los guiones gráficos en la pared. Esto fomenta más ideas y genera un consenso dentro del equipo de creativos.
Storyboard “Street Figther 3, La historia de Chun Lee”
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Linkin Park es considerada por muchos, como la banda más famosa y exitosa dentro del género denominado “Nu Metal”. Esto se debe principalmente a su primer álbum de estudio: Hybrid Theory, publicado en el año 2000 y del que se han vendido más de 20 millones de copias hasta el momento en todo el mundo
Por : Wilbert S. Daza
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Indiscutiblemente esta banda californiana abarca en 100% toda , la producción gráfica que la hace tan característica en cada unos de sus trabajos musicales. Portadas de cd s , videos musicales ,cine, merchandising,desarrollo web y proyectos paralelos.....
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NOS REMONTAMOS A LOS ORIGENES
En 1996, Mike Shinoda y Brad Delson se graduan en el Agoura High School en la zona de Agoura Hills, en Los Ángeles, California. En ésa época, formaron una banda con un amigo en común, Rob Bourdon, bajo el nombre de “SuperXero“. Anteriormente, Delson y Bourdon estuvieron juntos en otro grupo durante un año, llamado “Relative Degree”. Delson también fue parte de otro grupo: “The Pricks”.
Los tres miembros de SuperXero tocaron juntos mientras estudiaban. Delson fue a la Universidad de California. Shinoda por su parte se fue al Art Center College de Diseño en Pasadena, Califor-nia. Mientras, Brad conoción a Dave Pharrell (Phoenix) en la universidad. Ambos eran compañeros de habitación, e incluso practicaban y tocaban juntos. Antes de eso, Phoenix tocaba con una ban-da llamada “Tasty Snax” con Mark Fiore, que después se llamaría “The Snax”. Fiore se convertiría al final en el filmador de la banda. Mientras tanto, en el Art Center College de Diseño, Shinoda conoce a Joe Hahn.Phoenix y Hahn se añadieron final-mente a SuperXero, y el nombre fue acortado a “Xero“. A los cinco, se les añadió por último Mark Wakefield (vo-calista), y juntos grabaron una cinta de demos. La cinta fue enviada a varias disco-gráficas pero nunca fue considerada y la banda no consiguió un contrato. Poco tiempo después, Mark Wakefield deja la banda.
Cuando se produjo esta marcha, Shinoda empezó a hacer una audición para econtrar al nuevo vocalista para la banda. Mientras tanto Brad se internaba en la Warner Brothers Records manteniendo contacto con Jeff Blue, A&R en la compañía, dentro de sus estudios de comunicación en la universidad. Blue avisó a Brad y Mike de la existencia de un joven vocalista de Phoenix (Arizona), Chester Benning-ton, que estaba buscando una banda, después de haber pertenecido a Grey Daze, cuyos orígenes se remontan a Sean Dowdell And His Friends en 1993.Mike y Brad enviaron a Chester una cinta que
Hybrid Theory 2000
Reanimation 2002
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contenía la instrumental de una canción, y él grabó las voces para dicha canción. Entonces llamó a Mike y le cantó por teléfono el tema. La banda quedó impresionada por las habilidades vocales de Chester y no tardaron en ver las ventajas de su voz y de su habilidad para parecer tranquilo y suave o duro llamando la atención.Una vez que Chester se unió a la banda, intentaron registrar el nombre. Desgraciadamente, ese nombre ya había sido escogido tiempo atrás por una banda australiana, asique cambiaron a Hybrid Theory quedando una banda consolidada o casi. Phoenix dejó la banda por un tiempo debido a compromisos anteriores con The Snax/Tasty Snax y no pudo grabar su bajo en el EP de la banda. Para
ello, Brad y un bajista llamado Kyle Christner tocaron el bajo.
Lanzado a mediados del 99, sólo un millar de copias del Hybrid Theory EP fueron distribuidas, por ejemplo entre las compañias de discos, incluyendo la Warner Brothers. El resto de copias fueron dadas a los miembros del inicial grupo de promoción de la banda. Phoenix fue
sustituido temporalmente por Scott Koziol, el cual aparece en un instante
del video para el tema “One Step Closer” del disco Hybrid Theory.
La banda firmó con Warner Brothers gracias a Blue. Sin embargo, se les forzó
a cambiar el nombre otra vez, por un tema de copyright con una banda británica de electrónica, llamada Hybrid. Hubo varias sugerencias para el nuevo nombre, incluyendo Clear, Probing Lagers, Ten P.M. Stocker ( que viene de una broma del grupo relacionada con como ensayaban ) Chester sugirió entre otras cosas el uso de Lincoln Park, porque él solía conducir por allí en Santa Monica, California, cada vez que se dirigía al estudio donde grababan las demos para su primer álbum.
Dos cosas que le gustaban del nombre, eran que era un nombre que se repetía en parques de todo el país, con lo que le daría un toque local a la banda fuera donde fuera, y también, que no tenía un determinado significado, sino que la música
Meteora 2003
Live in Texas 2003
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hablaría por si misma. Durante un tiempo se llamaron así, pero a la hora de registrar su dominio en internet, dicho nombre estaba ya ocupado, y como no podían permitirse su compra, decidieron cambiar la manera de escribirlo a algo parecido, y de ahí surgió Linkin Park.El 24 de Octubre del año 2000, el disco debut de la banda, Hybrid Theory, fue lanzado mundialmente. El primer single fue “One Step Closer“. El 1 de Diciembre, ya era disco de oro.La banda actuó en su primer gran concierto a nivel nacional el 17 de Diciembre de 2000, dentro del especial de la cadena de radio KROQ, Almost Acoustic Christmas. Mike escribió una nueva canción para la ocasión, titulada “My December“. El tema fue lanzado como un B-side en el single de One Step Closer y en alguna versión internacional de Hybrid Theory. También apareció en un recopilatorio de la cadena de radio KROQ.
A principios de 2001, Phoenix se une a la banda. En ese tiempo es lanzado el segundo single extraído del álbum: “Crawling“, que les daría un Grammy el siguiente año como “Best Hard Rock Performance“. La banda se embarcó en su primer tour a nivel nacional en festivales, el Ozzfest, con otros grupos como Black Sabbath, Marilyn Manson, Slipknot… aunque ya habían estado en los escenarios con grupos como Deftones y Taproot. A mediados del 2001 se lanza el tercer single, “Papercut“, y a finales de año, ya en noviembre, “In the End“. Esta canción terminó siendo el gran éxito de la banda y una de las canciones más escuchadas del 2001. El videoclip para el tema fue dirigido por Nathan “Karma” Cox y Hahn, en él la banda toca en lo alto de una enorme estatua. El video contenía una gran cantidad de efectos CGI por ordenador, comparado con otros vídeos de esa época.
Antes, en Septiembre, la banda actuó en los MTV Video Music Awards, teniendo a X-Ecutioners de invitados, interpretando “One Step Closer” de una nueva forma, por la gran presencia de samples, y scratches que aportaban X-Ecutioners.El 21 de Noviembre se el primer DVD de la banda. Incluía todos los videos de la banda hasta ese momento así como un documental sobre la banda mientras estaba en tour con Hybrid Theory. También incluía el video para “Points of Authority”,
Fort Minor 2005
Collision Corse 2004
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recopilando videos de actuaciones de la banda y escenas de backstage. asi como los cambios en el diseño de la carátula.
A principios del 2002, la banda presentó su primer tour como cabeza de cartel, era el Projekt Revolution. La primera parte del tour, tuvo a grupos como Adema, Cypress Hill y Dj Z-Trip. Durante el transcurso del mismo, Mike y Hahn colaboraron con X-Ecutioners en el tema “It’s Going Down”, en cuyo videoclip podemos ver a otros miembros de la banda también. Poco después de acabar el tour, la banda regresó al estudio por primera vez desde el 2000. Estuvieron ocupados con algunos remixes de temas anteriores, y lo que en un principio iba a ser un EP de pocas canciones, se convirtió en un proyecto más allá, gracias entre otras cosas a la insistencia de Brad y Joe.El proyecto, que tomó el nombre de Reanimation, contenía remixes de las canciones de Hybrid Theory, así como de otras: My December y High Voltage. Cada canción era versionada por diferentes artistas, y se rumoreó que Mike se juntó con unos 50 remixes en total para el proyecto. Entonces Mike eligió de entre ellos los mejores. Dos de los remixes que no entraron en el álbum fueron lanzados posteriormente: el remix de POA por parte de Chrystal Method ( que aparecía en el CD del LPU 2.0 ) y el remix de Marylin Manson para el tema By Myself.
En el disco participaron: Chali 2Na de Jurassic 5, Stephen Richards de Taproot, Kelli Alli, Aaron Lewis de Staind, Humble Brothers, Jonathan Davis de Korn, Aceyalone, Pharaohe Monch, X-Ecutioners, Black Thought, Jay Gordon de Orgy. El proyecto se lanzó el 30 de julio del 2002, y su primer single fue “Pts.Of.Athrty” mezclado por Jay Gordon.En noviembre, apareció la segunda edición del LPU, la 2.0. El nuevo CD incluía el remix de POA por parte de Crystal Method y un tema llamado “Dedicated”, en el que Mike demostraba su habilidad como MC. También incluía temas en directo y una instrumental titulada “A.06, demo de lo que sería su siguiente álbum de estudio: Meteora. Durante el año 2002, “In the End” fue la tercera canción más oída en las radios. La banda volvió al estudio a mediados del 2002 para grabar el disco que seguiría a Hybrid Theory.Road to Revolution 2008
Minutes to Midnight 2007
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DG ELEMENTO ESENCIAL PARA EL ÉXITO .
Detrás del éxito de esta gran banda están los cerebros fundadores de la gráfica y el sonido que disco a disco dejan su marca dentro del infinito mundo audiovisual, son el diseñador gráfico , productor y vocalista Michael Kenji Shinoda ( yonsei mitad japonés mitad americano ); y por otra parte el tambien diseñador , director y Dj Joseph Hahn ,de descendencia Coreana. ambos creando mundos irreales , personajes únicos que expresan su forma de ver y de percibir el mundo a través de sus sentidos, he aquí un breve reseña de estos dos creativos ......
BIO JOE HAHN
DJ Joseph Hahn es lejos el miembro más creativo de Linkin Park. Hahn no es sólo “ese chico en la espalda” detrás de sus tocadiscos en conciertos, también es el creador de a algunas de las marcas de LP, director de videos musicales únicos. Vuelo de ballenas en “In The End” a los híbridos de largas patas de elefante-araña en “Somewhere I Belong”, Joe siempre encuentra maneras de hacer los videos de música que dirige memorables, intrigantes y llamativamente.
Sus cinematográficas y artísticas habilidades las perfeccionó en Pasadena, California en el Art College of Design. Fue en este colegio donde fue reclutado por su compañero Mike Shinoda para unirse al grupo Xero. Joe y Mike tmaron la dirección artística de Linkin Park, de los vídeos de música, a los diseños de arte y de la tapa del álbum. Cuando no está en gira o trabajondo detrás de cámaras con Linkin Park, Joe sigue sus ambiciones como director para otros proyectos. Mr. Hahn ha sido acreditado por dirigir videos
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musicales para Static-X (“Cold”), historia del año (“himno de nuestro día Dying”) y Alkaline Trio (“Time To Waste”). Durante el verano de 2004, Joe compró los derechos para filmar su primera película de larga duración, una adaptación de “Rey de las ratas del China Mieville”. Su familia es de ascendencia coreana, y nació en Glendale, California. Recientemente abrió una tienda de ropa pequeña en el distrito de moda de Los Ángeles llamado “Suru”. Es notoriamente el miembro menos sociable de Linkin Park.
BIO MIKE SHINODA
Mike se piensa por muchos a ser el miembro más versátil de Linkin Park. Algunos de sus numerosos talentos incluyen rapear, tocando el piano y guitarra, producción y diseño de arte. Shinoda nació a un padre japonés y madre rusa y es un pariente lejano del legendario compositor ruso Tchaikovsky. Mike obtuvo en la música a una temprana edad, cuando aprendió a tocar el piano. Después de años de formación clásica, Mike finalmente comenzó a producir y crear sus propio bucles con un teclado que se había comprado. Combinación de bandas como los Smashing Pumpkins y Rage Against The Machine con voz de Wu-Tang Clan, Shinoda comenzó a establecer el estilo de fusión de género que más tarde se convertiría en la piedra angular de sonido de Linkin Park.
Mientras asistía a la escuela de secundaria de Agoura con su junior chum alta Brad Delson, Mike y Brad baterista conoció Rob Bourdon a través de un amigo mutuo en una banda local llamado Karma. Rob pronto se le pidió que el baterista
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de su nueva banda, Xero. Cuando Brad y Mike conocieron a dos personas a las cuales pidieron a unirse a su banda, el DJ Joseph Hahn y el bajista David “Phoenix” Farrell. Mike reclutado a Hahn de ‘Art College of Design del Pasadena’ ambos asistían, y Brad conoció a Phoenix en la UCLA. Plan principal de Mike para Xero era crear un sonido sin límites que mezcla de manera transparente varios estilos de música, incluyendo el rock, hip-hop y música electrónica. Esto era muy parecido a lo que había hecho por su propia cuenta a una edad más temprana con su teclado, pero su plan era a mayor escala. Mike era un fanático de las bandas de muchas de las diferentes categorías de música, incluyendo Depeche Mode, Nine Inch Nails, NWA y mucho más.
Mike también ha demostrado que puede sobresalir fuera de Linkin Park, convirtiéndose en un activo productor , ayudando a los artistas de hip-hop underground a obtener reconocimiento. En el álbum de remixes de Linkin Park ‘Reanimation’, que Shinoda producido, muchas de las estrellas de invitado elegidas para remezclas de canciones de ‘Hybrid Theory’ fueron las de la escena hip-hop underground. Shinoda también lanzó un disco de hip-hop como solista bajo el nombre de Fort Minor en 2005, donde dio la oportunidad a muchos músicos prometedores . Sus habilidades artísticas jugaron una gran parte en el desarrollo de la cubierta, el cd y el arte promocional de ese álbum, y en 2006 Mike mostró sus habilidades en pantalla a través de su primera exposición de arte en los Ángeles, titulado “Diamantes, PICAS, HEARTS & clubes”.
El éxito de ese show más tarde daría lugar a Mike sosteniendo dos espectáculos de arte más en 2008-2009: “exceso gloriosa: Born” y “Glorious Excess: muere”, ambos de los cuales se celebraron en el Museo Nacional japonés americano. En 2010, Mike Shinoda ayudó a contribuir ilustraciones y su arte para los videojuegos para iPad/iPhone/iPod Touch titulado Linkin Park “Rebelión de 8-bit!”. Mike está constantemente creando música y obras de arte en su tiempo libre.
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<<“Escribir canciones y compartirlas con personas es una experiencia muy
gratificante... puedo pensar nada más en ver como personas de diferentes orígenes
se reúnen para disfrutar de la música. Gracias.”->>
Mike
ALGUNOS DATOS CURIOSOS:
Mike Shinoda Se graduó en la Escuela de Arte de Pasadena, especializado en ilustración.Su primer trabajo fue como diseñador gráfico.Diseña portadas y gráficos para los discos de la banda.Fue el fundador de Xero ( los temas de la demo cassette llevaban su copyright )Apoya la descarga de música por internet y la considera importante para la creación de su base de fans. Lo repite en muchos conciertos.Diseñó también la portada para el disco “2000 Fold” de Styles of Beyond”.Mike intervino en la producción del disco de X-Ecutioners “Built from Scratch”.Mike ha producido hasta ahora: el Hybrid Theory EP, Reanimation y Collision Course.Mike ha co-producido Minutes To Midnight.Mike dirige “Machine Shop Recordings” entre sus labores se encuentra el diseño de zapatilas para la marca ECKO - DC.
Joe han
Se graduó en la misma escuela que Mike, especializado también en ilustración. Es el que se suele ocupar de la dirección de los videoclips de la banda.Joe diseñó el concepto del videoclip para “One Step Closer”Joe se ocupó de la fotografía en el álbum “2000 Fold” de Styles of Beyond.Tiene una tienda en Los Ángeles, llamada “SURU”
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Por : Wilbert S. Daza
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Parkour, también conocido como l’art du déplacement (en español: el arte del desplazamiento), es una disciplina o filosofía que consiste en desplazarse de un punto a otro lo más fluidamente posible, usando principalmente las habilidades del cuerpo humano. Esto significa superar obstáculos que se presenten en el recorrido, tales como vallas, muros, paredes, etc. (ambientes urbanos) e incluso árboles, formaciones rocosas, ríos, etc. ( ambientes rurales). Los practicantes del parkour son denominados como traceurs (traceuses en el caso de las mujeres).
Terminología • Parkour: proviene de “parcours” que significa “recorrido” en francés. “Les parkour du combattant” eran recorridos de obstáculos para entrenamiento de militares y en algunos casos para los bomberos.• PK: abreviación de “parkour”.• Traceur: practicante de Parkour. Significa “trazador” o “el que hace el camino”. El femenino es “traceuse”.• RT: “reunión de traceurs” son quedadas que hacen los traceurs para entrenar juntos. A veces incluso viene gente de otros países.• Add: “Art du deplacement” (arte del desplazamiento). Nombre que le dio el grupo Yamakasi a esta disciplina.• Ser y durar: Del francés: Être et durer, es el lema del parkour. Este lema deriva del lema del método natural “Être fort pour être utile” que significa “Ser fuerte para ser útil”.
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Su creador, es David Belle, cuyo padre, bombero y militar, le enseñó el llamado “Método Natural de Georges Hébert” (disciplina usada en el ejército
en la cual se busca superar los obstáculos naturales usando solamente el cuerpo) desde que era pequeño, junto con un entrenamiento militar. David adaptó esta técnica a sus recorridos por su ciudad Lisses, en Francia, creando una versión urbana. Después de entrar en el cuerpo de infantería del ejército francés, David se da cuenta que no es lo suyo y que necesita la libertad de la calle para encontrarse a gusto. Más adelante encontró gente que le siguió en sus entrenamientos, y así encontró a Sébastien Foucan y otros miembros de ese primer grupo de traceurs. Más adelante, Sébastien emigró a Reino unido, donde sorprendió a todos con sus habilidades, y prendió la mecha de la internacionalización del fenómeno. Para los que siguen esta idea como “original” y propia del Parkour, no se trata de espectáculo, no se trata de dinero, y no es ningún tipo de vandalismo. La
idea fundamental es la autosuperación.
En numerosos sitios, el Parkour está visto como una clase de vandalismo que se dedica a estropear el mobiliario urbano. Esta idea es completamente errónea y dificulta la expansión de esta filosofía. David siempre se ha tomado el Parkour como un deporte, pero también como una manera de vivir. En una entrevista dijo, que el Parkour, era tan físico como mental. Ya que la idea es seguir tu camino y superar los obstáculos que se te opongan. En vez de rodearlos como hace la mayoría de la gente. Los practicantes más experimentados coinciden en que el Parkour es una filosofía. Claro está que no hay una filosofía específica y rígida para el arte
David BelleBanleue 13 , 2010
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en concreto, sino que para cada uno significa una cosa distinta. Para unos puede ser simplemente un deporte con el que se entretienen, pero lo viven;
y para otros su vida gira en torno a él, otros pueden sentirlo como un arte con el que se expresan, y
para otros es una filosofía de autosuperación, o de andar caminos diferentes al del resto de la gente,
etc. Debemos tener en cuenta que un buen traceur nunca molesta a la gente o al entorno, nunca pone
en peligro su propia vida si no está seguro de que conseguirá cierto salto y nunca compite contra otras
personas. Como no puede haber competiciones, los traceurs optan por “reuniones” masivas en las que se muestra a los demas traceurs el progreso,
la técnica y otras características. Normalmente se hace un recorrido y cada uno opta por hacerlo
de una manera propia. Estos encuentros suelen llamarse entre los practicantes: RT El objetivo del parkour es el movimiento libre y
fluido. Una regla en el parkour es no retroceder. Su lema es: “Ser y Durar”. Esto significa que el traceur
no tiene que ponerse en peligro e ir superándose cada día, y no debe competir ni intentar superar a
los otros.
Equipamiento de un Traceur:
La particularidad de esta disciplina radica en su sencillez, tan solo es necesario un calzado deportivo cómodo ,preferiblemente que tenga un buen agarre
y una buena amortiguación. Esto es especialmente importante dado el gran número de impactos que recibe todo el cuerpo durante la recepción de los
saltos. En cuanto a la ropa no se requiere nada específico, simplemente ha de ser ropa cómoda que nos permita una gran movilidad para realizar sin
trabas cada movimiento. Se recomendaría también que el calzado estuviera fijo al pie(que estén los cordones atados,que sean del tamaño correcto, etc)
para evitar cualquier accidente.
Para principiantes es recomendable el uso de otros accesorios, tales como muñequeras y protecciones en rodillas y codos, teniendo en cuenta que esto solo como precaución, y evitar su uso conforme se avanza
de nivel, para no quedarse con una mala costumbre.
David Belle , entrenamiento.
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Hay que tener cierta originalidad con los movimientos, ya que hay muchos encadenamientos posibles. gato-precisión, gato-brazo, gato-pasavallas, doble gato, pasamurallas-reverse, reverse-brazo, rotaciones laterales, etc.
Recepciones:
* Recepción básica: El contacto con el suelo ha de hacerse con el propósito de repartir el peso del impacto por todo el cuerpo. Los talones no deben tocar el suelo, mejor mantenerlos ligeramente elevados para que sirvan de amortiguación. Las rodillas también deben estar semiflexionadas.La espalda inclinada hacia adelante, con las manos por delante para tenerlas preparadas por si es necesario utilizarlas. * Rotación: Esta técnica servirá de recepción a un salto en velocidad, es una voltereta apoyada en un hombro (rodando oblicuamente sobre la espalda), que nos permitirá evadir parte del impacto de la caída, después de una recepción con mucha inercia hacia delante. * Recepción de un salto de precisión: Se realizará con la parte delantera de la planta del pie (entre la bola del pie y los dedos), semiflexionando las rodillas y la espalda de manera que repartamos el impacto del salto lo más equitativamente posible por el cuerpo, y también para aguantar el equilibrio. * Recepción de salto de brazo: Se realizará con la parte delantera de la planta de los pies y las manos en la parte superior del obstáculo. Si es una valla, se flexionarán las rodillas para amortiguar el impacto. En un muro, normalmente se dejan resbalar las piernas hasta quedar colgados del muro sólo con las manos. * Recepción en rama: Se recepcionará en una rama únicamente con las manos, pero dejándonos balancear para evitar un golpe seco en los brazos y la espalda. Hay que tener cuidado de no caerse hacia atrás cuando estamos en la parte delantera de la oscilación (la primera oscilación).
Desplaces: * Pasavallas: Movimiento fundamental en el que intentaremos sobrepasar el obstáculo de la forma más rápida y fluida posible apoyando una sola mano; este movimiento nos servirá como enlace de la carrera cuando nos encontremos una valla o
elemento similar en nuestro recorrido. * Salto de gato: Es un salto en el que franquearemos un obstáculo apoyándonos en él con las manos en paralelo durante el salto, para después pasar las piernas juntas y flexionadas entre el hueco que dejan los brazos en su apoyo en el obstáculo. * Doble gato: Después de realizar el primer impulso con las manos como en un salto de kong normal, sin pasar las piernas, hay que impulsarse hacia el frente con el fin de volver a encontrar otro apoyo con las manos, y ya después, pasar las piernas por el hueco dejado por los brazos. * Reverso: Este movimiento trata de franquear una valla, barandilla o muro, apoyándonos en ella con las manos, y realizando un giro de 360º posicionando el cuerpo en horizontal, de espaldas al frente con las piernas levantadas para preparar una buena recepción. * Pasavallas a dos manos: Corriendo de frente hacia el obstáculo, se apoyan las manos, con el fin de pasar las piernas por un lateral, la mano de
Nick Whitcombe (UK) www.apexparkour.co.uk
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ese lado, se aparta, y una vez pasadas las piernas al frente, se vuelve a colocar dicha mano. * Rompemuñecas: Es como un ‘gato frontal’, en el que las piernas van primero, estiradas, y después se ponen las manos. * Bajo de valla: Se pasa una valla o un hueco bajo de diversas maneras; por lo general, nos ayudamos de las manos en la parte superior del hueco para pasar el cuerpo. * Mono: pones las dos manos apoyadas saltas metiendo las piernas sobre el hueco entre la valla y tu cuerpo y casi al otro lado de la valla sin mover ni haber soltado las manos
Saltos: * Salto de precisión: Este es un salto de ‘longitud’ sin carrerilla, en el que el fin será una recepción precisa en una valla, muro o bordillo estrecho. * Distensión: Es un salto de precisión en el que el punto de recepción está a nivel distinto del punto de salida. * Salto de brazo: Se trata de un salto con el fin de agarrarse a una pared o valla, o cualquier sitio donde no lleguemos sin los brazos. * Salto de longitud: Es un salto de precisión en carrera. * Salto de fondo: Este es un salto hacia abajo y dependiendo de la inercia hacia delante que se lleve, será conveniente una rotación. Otros: * Pasa-murallas: Se trata de sobrepasar un muro alto; se necesitará carrerilla para llegar a la cima del muro, pegando una patada sobre este para subirnos, y arriba nos agarraremos con las manos (una y después otra si es demasiado alto) para subir a pulso. * Grimpeo: Grimpear en parkour, es una escalada rápida, bien de un muro con una inclinación pronunciada, un árbol, etc. * Plancha (de planche en francés): Consiste en llegar a una posición donde nos aguantemos sobre las manos (a la altura de la cintura) en una barra horizontal, desde una posición donde estemos colgado de las manos, estirados totalmente. Es un ejercicio de fuerza que ayuda en los pasa-murallas. * 180: Se trata de dar media vuelta en el aire, contra un obstáculo (muro o valla), para acabar con las manos en él, del otro lado, y en una posición de la que podamos descolgarnos.
* Liberado: Después de un 180, dejarse caer. Se puede volver a dar media vuelta en el aire para continuar corriendo en la misma dirección. * Tic-Tac: Este movimiento, consta de saltar sobre una valla o muro no muy alto ayudándonos de algún elemento, o pared que tenga en un lateral, apoyando en esta un pie para dar una patada que nos impulse para pasar el obstáculo. * Balanceo: En una rama o barra, trataremos de colgarnos con las manos en el, para dejarnos oscilar. Para salir hacia delante hay que tener cuidado de no caerse hacia atrás. Hay que mantener un equilibrio en el que consigamos mantener la posición en el aire, para recepcionar correctamente. * Laché (nombre francés): Colgado de una rama, soltamos las manos para recepcionar en otra, ya sea más baja, más alta o paralela, manteniendo una posición en el aire que nos de equilibrio y amortiguación. * Equilibrio: Hacer equilibrio en una valla, bien
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parado o andando en ella. * Movimiento cuadrúpedo: Andar a ‘cuatro patas’. Si se hace a ras de suelo o en escaleras, sirve como un buen ejercicio físico. En un muro fino o en una valla, además se trabaja el equilibrio (en ese caso se llama ‘equilibrio de gato’). * 360º: Se trata de hacer un giro de 360º sobre un apoyo ayudándonos sólo de las manos.* 360º invertido: Lo mismo que el anterior, sólo que en vez de hacerlo de cara, lo realizaremos de espaldas al apoyo.
Acrobacias: Las acrobacias (incorrectamente llamadas tricks) que normalmente consisten de rotaciones de cuerpo en el aire como mortales, frontflips, backflips, wallflips, aerials, árabes, etc. no forman parte del Parkour ya que no sólo restan velocidad, sino que no son fieles al lema del deporte por el riesgo y la ineficacia que conllevan. A la variación
del parkour que las incluye se le llama freerunning (carrera libre), y es prácticamente lo mismo que el parkour pero entra en conflicto sobre si debe ser parkour o no, y además se considera que va en contra de la filosofía de este porque busca la estética en vez de la eficiencia en el movimiento. Al hacer referencia de alguno de estos términos siempre hay que tener en cuenta cual de los dos se está mencionando, ya que surge confusión y el término parkour es aplicado para las dos partes, cuando eso es incorrecto. Sin embargo, en el free running, también se busca la autosuperación, y normalmente se acompaña el parkour con ésta modalidad, ya sea por la estética o porque se busca una mayor liberación en el movimiento.
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Yamakasi es un grupo francés de practicantes del arte de desplazamiento (parkour), free running, street stunts y otros tipos de acrobacias. La filosofía del Yamakasi, es la estética y la libertad completa o compleja del punto A al movimiento de el punto B, en comparación con el Parkour que se centra en la eficacia del movimiento entre el punto A a el punto B, sin énfasis en la estética. El grupo tiene una variante de la disciplina Parkour, se asemeja más al Free-running de Sebástien Foucan que al Parkour de David Belle, ya que incluyen acrobacias y saltos estéticos.
Etimología: Aunque es frecuentemente confundido por un vocablo japonés, Yamasaki (apellido de un empresario). Yamakasi en realidad proviene del Lingala (Ya makási), una lengua africana, y significa “Cuerpo fuerte, espíritu fuerte, persona fuerte”.
Miembros (oficiales): * Châu Belle-Dinh (Béisbol). * Williams Belle (La araña). * Malik Diouf (Comadreja). * Yannn H’Nautra (Zicmu). * Guylain N’Guba Boyeke (Cohete). * Laurent Piemontesi (Tango). * Charles Perrière & Jo Prestia (Toro sentado).
Filmografía: * La película francesa Yamakasi: Los samurais de los tiempos modernos (Ariel Zeitoun, 2001) los pone de protagonistas. En la película participó como guionista el director Luc Besson.* Les fils du vent es la segunda entrega de este grupo. Esta vez narran una historia diferente a la
pelicula anterior, que transcurre en Asia, donde quieren abrir un gimnasio para que los niños de la calle puedan aprender este deporte.[* El reportaje Génération Yamakasi - Vol au dessus des cités dirigido desde el punto de vista de Mark Daniels.
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