Apócrifa Art Magazine 26 - Geometría

Apócrifa art magazine es una revista digi-tal independiente que muestra el trabajo de artistas y escritores que participan en la actualidad del planeta.Parte del conte-nido de este ejemplar ha sido autorizado por sus autores, salvo el obtenido por terceros u otro medio, esto sin ninguna intención de alteración o difamación.

Total libertad para cualquier espectador hacer uso adecuado de esta revista siem-pre y cuando respete el crédito de los au-tores participantes o de esta publicación.

ISSN en trámite

Publicación trimestral Octubre - Diciembre

Director generalAnubis Mendoza

EditorMatcarrag

Directora de arteKarla Florendain

DiseñoMexicana Digital

ColaboradoresMaribel CastorenaPepe AguileraAbril PosasGerardo EsparzaLa ZurdaMaferna IILester ChapmanJesusa Chairez BritoFabiola TeresitaYorch Gómez

Ilustración de Portada - EUCLIDESMr. Koblick

MarketingGriselda González

Contacto [email protected]

En el origen, la humanidad asimiló las for-mas que se encuentran en la naturaleza, moldeando un lenguaje visual de imitación, la representación temprana fue abstrac-ta, esquemática, fue geométrica.

La geometría tiene por objeto el espacio, su medida y sus relaciones. ha sido en todas las épocas, regla inherente al Arte.

El editor

EUA

Cuando pensamos en un artista del papel, la primera imagen que nos viene es el origa-mi, ese arte japonés con el que es posible doblar una hoja hasta que se convierta en una gruya.

El Inge del Papel o La ciencia como inspiración artística

TXT Abril Posas

When you are killing what you are meant to kill there can be no remorse, 2012TyvekIMG: Josh Kurz

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Anarchic Hand, 2014Papel 72 x 104 x 9”

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http://www.mattshlian.com

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Sin embargo, doblar, cortar, pegar y or-denar papel en un espacio no sólo tiene im-plicaciones estilísticas: hay organización del espacio, manejo de la luz, mediciones y el po-tencial de saltar entre el arte y la ciencia, sin que ninguna disciplina se pelee con la otra. Eso es algo que científicos de la Universidad de Michigan y Matthew Shlian, ingeniero del papel, descubrieron para colaborar juntos -algo que le hace falta a otros menos ilumi-nados, como el autor y científico Carlos Chimal, que piensa que la ciencia ficción es “una tomadura de pelo”-. “Los investigadores ven a la ingeniería del papel como una me-táfora de principios científicos; yo veo sus investigaciones como bases para la ins-piración artística”, dice Matthew sobre el trabajo que realiza, en la universidad y en la Fundación Nacional para la Ciencia (National Science Foundation), donde sus estructuras, a nivel macro, se traducen a escalas nano para comprender mejor la división celular o cel-das solares.

We are building this ship as we sail it, 2010Papel doblado

8 x 6 x 9”

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Para Shlian, su trabajo es una elección que nunca estuvo en duda. La vocación artística le ha impedido considerar otro modo de vida y, además, la toma desde las posibilidades y la elasticidad de un material que está más acostumbrado a ser lienzo que obra de arte. El título de ingeniero, entonces, no es una exageración: basta con observar cómo con-vierte una cartulina en una ola tridimensio-nal con puntas afiladas.

Lo interesante es la forma con la que aborda cada pieza. No la planea meticulosa-mente ni sigue un plan maestro. Lo que más le interesan son los accidentes que pueden suceder al apegarse a un tipo de ángulo o doblez; ahí es como decide los cortes y los giros que crean sus esculturas cinéticas, como él mismo las llama. Lo explica en su página oficial: “mi trabajo se hace porque no puedo visualizar su realización final; de esta manera llego al entendimiento a través de la curiosidad”.

Ciencia y arte, como debe de ser.Matthew Shlian (1980) Fundador de

Initiative Artist Studio en Ann Arbor, Mi-chigan, ha trabajado también con Apple, Facebook, Levi’s, Plaza Sésamo y la reina de Jordania. Su apellido se pronuncia Sh + line, en una sílaba.

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Contour, 2013Papel 36 x 52 x 5”IMG Thea Eck

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Extraction Series 2 (Black, White), 2012Papel 12 x 12 x 1”IMG Cullen Stephenson

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Toda ciudad conoce sus márgenes, espacios físicos e intangi-bles que marcan la frontera donde termina el bullicio y comienza el imperio de la luz. Lugares que perviven a pesar de los intentos denodados del hombre por colonizarlo, por apro-piarse de ellos; embates que ante el irremediable fracaso de la posesión termina por convertirse en un asidero de inspiración. De eso abreva Chris Ballantyne, artista que plasma en su obra abstracciones geométricas de la llanura norteamericana.

Elogio de la llanura TXT Gerardo Esparza

Right of Way, 2012Acrílico sobre papel

16 x 12”

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Las figuras y formas, casi todas en tonos pastel (acaso como un regreso a los colores ya olvidados dentro de una ciudad que entiende el gris como leit-motiv en sus edificios y que reconoce al asfalto como color), son una reconstrucción de aquellos campos de siembra que aún pueblan el medio oeste america-no, lugares cuya repetición se vuelve un tablero de ajedrez en el llano.

Existe, además, un tono melancólico en sus cuadros, pues la geometría de los campos, retícula delimitada

Fields with Greenhouses, 2015Acrílico sobre madera

32 x 24”

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por colores, está salpicada de montañas cortadas de manera abrupta, de cables de alta tensión que su-gieren una ciudad cercana e hileras de árboles que entienden el juego de la simetría, todos elementos que aportan un recuerdo diferente al espectador, acaso el primer día de campo fuera de la ciudad (cuya única perfección está en las hileras luces que se superponen en un horizonte infinito), o el momento en que la luz se cuela entre el follaje de un árbol.

Fragmented Landscape, 2012Acrílico sobre papel

16 x 12”

Uno olvida ciertas cosas al vivir en una ciudad, desde el brillo diferente de la luna, los colores que-mados del sol que amanece, lo ausente del silencio y los murmullos de la noche. Sin embargo, apenas se miran los cuadros de Chris Ballantyne, las fronteras se difuminan y es posible abandonarse a los espacios donde el silencio reina y la luz se recrea en figuras geométricas.

Fields, 2010Acrílico sobre madera

16 x 12”

Fractured Landscape, 2012Acrílico sobre papel 16 x 12”

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Fields with Seawall, 2013Acrílico sobre tela 20 x 16”

http://www.chrisballantyne.com

Muy dentro, en lo más recóndito del ser, donde aún se encuen-tra el pintor, subsisten las figuras geométricas esenciales, el círculo, el triángulo y el cuadrado, la percepción de lo abstrac-to. Holger Lippmann, estudió Arte en Dresde, el impulso vital le llevo a una formación plétorica en el mundo del Arte. La Aca-demia de Arte de Stuttgart, el Instituto de Estudios Avanzados en Bellas Artes de París, el Instituto de Tecnología de Nueva York y el CIMdata en Berlín.

Pionero en el arte electrónico gestado en la década de los 90 en Alemania, Lippmann marcó en una cartografía un destino ambiguo, una ruta X Y hacia el finito donde sus necesidades expresivas lo encaminaron a forjarse como un sensible orques- Data Data III (detalle), 2014

Processing

TXT Lester Chapman

ALE

Data Data III (detalle), 2014Processing

Iteration LINEAR, 2013Processing

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Data Data IV, 2014Processing

tador de código binario, un artista que trabaja en co-laboración con un sistema de algoritmos, operaciones lógicas, entradas y salidas de datos.

Atrapado en el código, Lippmann se siente prolífi-co, genera redes neuronales de patrones geométri-cos, glóbulos de diámetros ajustables, glóbulos que se superponen, se condensan, se atraen, se comen lentamente entre sí. En la mente y ejecución, los gra-dos de complejidad son difíciles de separar, las nece-sidades estéticas se asocian con un sistema que debe operar con cierto grado de autonomía; se produce en-tonces una tecno-estética empalagosa no cuantifica-ble, un ente abstracto y secuencial.

En un proceso que podría denominarse pintura ge-nerativa, se ejecutan ensayos que en su aleatoriedad se benefician de posición, tamaño, dirección, rotación y opacidad de partículas de contornos vectoriales; pigmentos de límites predefinidos que legitiman los mundos de un artista, de Holger Lippmann.

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Rose Cherry, 2013Processing

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http://www.holgerlippmann.de

brickWarp (III), 2015Processing

Iteration LINEAR, 2013Processing

Círculo, triángulo y cuadrado; ritmo y abs-tracción en superposición, todo un solo manto geométrico que envuelve la obra de la reconocida Jasu Hu, quien nos muestra en esta edición un ejercicio de ingenio y fuer-za visual reunidos en una colección de mo-da-ilustración a partir de la más emocional de las creaturas; la arquitectura.

RP

C

St. Peter Church Ilustración digital 28 x 40”

Guggenheim Museum Ilustración digital 28 x 40”

House in WhiteIlustración digital 28 x 40”

TXT Karla Florendain

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Wohnsiedlung in NovazzanoIlustración digital 28 x 40”

Serpentine Gallery Pavilion 2011 Ilustración digital 28 x 40

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Repeating CreviceIlustración digital 28 x 40”

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Mario Botta, Eladio Dieste, Frank Gehry, Kengo Kuma; en fin parecie-ra que pudiera vestirnos con cual-quier obra o espacio en ese su pro-pio lenguaje de la ilustración tan único, personal, y con el poderío de un dragón.

Muestra gráfica de la joven ilus-tradora de origen chino quien no teme acercarse a una de las dis-ciplinas más complejas y contro-vertidas en el estudio de las artes, para honrarle con la interpretación de las formas en un recreo antro-pométrico vasto de creatividad.

No titubea y con trazos determi-nados nos presenta la figura humana cubierta de ideas que han trascendi-do el tiempo, así como lo fuera la seda que teje discursos tridimensionales al duo-plano sin perder hilo ni puntada.

Ju, impone las reglas en este atrevido juego de la línea, el vo-lumen y la forma en respetuosa apropiación de algunas obras y sus autores, Le Corbusier, Louis Kahn,

http://www.jasuhuart.com

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The Orbe Tea HouseIlustración digital 28 x 40”

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Nakagin Capsule TowerIlustración digital 28 x 40”

Church at FirminyIlustración digital

28 x 40”

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RonchampIlustración digital

28 x 40”

ESL

La exposición de espacios o ambientes simétricos, lineales y geométricos suelen ser una elección recu-rrente en las artes plásticas, por la rigurosidad y com-plejidad del discurso la expresión a través de la pintu-ra puede ser mayormente maleable y dispuesta, pero captar elementos de esta estricta particularidad en la

ASYMPTOTE TXT Maribel Castorena

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fotografía, es admirable, y de la manera en que esta joven fotógrafa lo hace es fascinan-te; pues hay un dejo deliberado de frialdad y estado vacuo, aislado, pesado que es ar-monizado muy convenientemente con tonos básicos, que neutralizan los elementos y la atmósfera en su totalidad.

Esta serie fotográfica realizada en colabo-ración con Adam Csoka Keller nos confronta a un escenario triangular y de simetrías cor-porales extrañas y composiciones geométricas abstractas, regida por la técnica digital, se caracteriza por una estética pulcra, sobria y por un expresionismo limpio y profundo, que crea una ficción y un dramatismo atem-porales, aunque a primera impresión, la sobriedad y la inmensidad de la linealidad arrastra a escenarios misteriosos y viejos; al segundo giro de pupilas, ese universo que Bencicova nos presenta, no es más que un colapso tridimensional en la memoria, de nosotros, de ella, de alguien y de algo.

la sobriedad y la inmensidad de la linealidad arrastra a escenarios misteriosos y viejos

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http://www.evelynbencicova.com

miento dentro de la casa, dentro de la oficina, dentro de sí mismo. La es-tética del futuro está en el pasado, en la añoranza de lo que ya se ha ido. Ahí comienza la creación.

Cuando uno es pequeño quiere ser muchas cosas, pero una sola se queda fija en la mente, los planos de edificios y las calles que se desdibu-jan en la obra de Augustine nos po-nen frente a frente con el pequeño que quería ser algo.

La obra de Augustine Kofie es mu-chas cosas, solo falta pararse frente a ella y darse cuenta.

Construir una obra cuesta, más que trabajo, tiempo, silencios, momentos con uno mismo, eso es lo que Augus-tine ha logrado generar a lo largo de los años: construir su propia estéti-ca basada en el arte urbano (grafiti) y en la arquitectura.

Las figuras multidimensionales, los trazos básicos, las trayectorias de las líneas que se unen y se bifur-can, los colores de antaño nos reve-lan un pasado y un futuro que son lo mismo: la añoranza por el presente perdido y que está por perderse.

Observar las obras de Augustine es pasear por las calles de la ciudad, recordar instantes que se han que-dado pegados a los muros de las ca-sas y de los edificios altos. Cada ima-gen es un plano del recuerdo, uno se para frente a ellas y observa el movi-

La estética del futu-ro está en el pasado, en la añoranza de lo que ya se ha ido. Ahí comienza la creación.

Taking into account, 2014Mixta

26 x 29 x 1 3/4”

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LA ESTÉTICA DEL FUTURO EN EL PASADOTXT Pepe Aguilera

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System shift in Sequoia reds , 2013Acrílico sobre papel22 x 30”

The system of puting things in order , 2014Mixta

24 1/8 x 24 1/8 x 1 5/8”

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Circulations converse deeper No. 3, 2014Mixta36 x 72 x 1 1/2”

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We are building this ship as we sail it, 2010Mixta

8 x 6 x 9”

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Circulation of a spring cleaning convenience , 2013Mixta31 1/2 x 31 1/2 x 1 5/8”

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Where the action is , 2013Mixta 24 x 24 x 1 5/8”

The circulation of a process of elimination, 2010Mixta47 x 65 x 1 5/8 x 2”

http://www.augustinekofie.info

Clemens crea a partir de lo que ya no sirve. Artista plástico que juega con las estructuras y crea no obras sino espacios. Su trabajo es conocido en Alemania y en el mundo de la escultura con-temporánea por dos cosas:

La estética del reciclado.La estética del grafiti/diseño

grafico.Es decir, su arte tiene una raíz

completamente urbana, se gesta en las calles, su obra surge ahí, en las calles de Alemania, en los espacios

vacíos que es necesario llenar por-que sino algo sucede a nuestro alrededor.

La obra de Clemens se origina en el caos, en la ausencia de algo, es necesario pararse en cualquier espacio por un tiempo largo para comenzar a percibir la ausencia, es así como en unas escaleras aparecen formas geométricas, o en una plaza pública surgen triángulos grandes y pequeños que se van superponiendo unos en otros.

El espacio no existe, sino hasta

El espacio no existe, sino hasta que es llenado con nuestra presencia, eso es lo que sucede cuando estamos frente a la obra de este escul-tor, nosotros no existimos...

ALE

TXT Pepe Aguilera

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que es llenado con nuestra presencia, eso es lo que sucede cuando estamos frente a la obra de este escultor, nosotros no existi-mos sino hasta que nos vemos frente a las formas caóticas, proyecciones de nosotros mismos, y ahí estamos, formando el espacio y deformándonos a la vez.

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http://www.clemensbehr.com

TXT Karla Florendain

Comienza todo en un punto, seguido por una línea, continuando por caminos infinitos de planos habita-dos y post-habitados por formas y colores. Es muy amplio el espectro en la obra de Andy Gilmore quien partió desde el confín del grafito y navegó el mun-do de la tinta para finalmente explorar las profundas galaxias digitales.

Sin título, 2013Ilustración digital

EUA

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Es a través del binomio de programas y plata-formas especializadas que ingresa al mundo de los ángulos y las uniones para encontrarse con la geo-metría y sus melodías visuales.

Este artista gráfico y músico que nos sesiona con hipnosis caleidoscópica, nutrida de esa magia producto del intenso baile de retinas al obedecer una a una las notas entre la simetría, los giros, los axiomas y las teorías de la forma.

Seguro sería asombro lo que en Descartes se despertaría ante esta síncopa de ecuaciones que nos llevan de una dimensión a otra, tan de prisa

como la luz del color, en un orden y surreal desor-den representando los patrones desatados en la naturaleza y todo objeto que nos rodea tal como lo hace Gilmore en esta eufórica serie que nos impide descansar la mirada hasta sentir el rocío en nues-tros parpados después de atravesar esta fractal jungla de la forma.

Así la relación del hombre con la geometría y sus armoniosas consecuencias.

A Cinder(detalle), 2015Ilustración digital

http://www.crowquills.com

Hemicube, 2013Ilustración digital

Gold Pand - Half of Where you live (detalle), 2013

Ilustración digital

Pars Pro Toto, 2013Ilustración digital

TXT Zahira Rico

El lugar de la construcción atmosférica con múltiples materiales y formatos híbridos como instalaciones, video 2d, fotografía, pintura, intervenciones en la naturaleza con arqui-tectura, proyecciones en espacios interiores y exteriores, sucede por la artista Cybele Lyle, quien nació en Pasadena, California y ac-tualmente reside en San Francisco.

Para abordar brevemente el aspecto geométrico de la vasta obra de Cybele es

Lo físico y lo digital en el trabajo de Lyle reconfigura paisa-jes y como ya se ha dicho, la percepción de la arquitectura a través del uso metafórico del “Frame”, lo cual provoca al espectador sentirse dentro o fuera de algo.

necesario recordar una frase de Kandinsky: “el número de colores y formas es infinito, así como las combinaciones y los efectos” (2005, p. 50). Los elementos manifiestos en sus ex-hibiciones como: A Queer Room (2007), Ar-chitecture and DNA (2010), Boxed Out (2014) por nombrar algunas, además de jugar con diversas técnicas que buscan la documenta-ción y representación de las problemáticas de identidad social dentro de su contexto

EUA

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Boxed Out, 2014Instalación

cultural, se expresan a través del color, las formas geométricas creadas en un espa-cio sobre otro, considerando a la arquitec-tura como un entorno de construcción que debe ser transformado, en este caso la luz es protagónica. La reconstrucción como forma de crítica o reflexión representa a los espacios como ambientes emocionales.

Definitivamente los espacios, la luz y la arquitectura permiten retratar el mo-mento histórico de la artista, revelando sombras, texturas, colores y las formas

geométricas elementales como el círculo y el cuadrado crean otros espacios que se comunican en dos dimensiones o más a través de los efectos del color.

Lo físico y lo digital en el trabajo de Lyle reconfigura paisajes y como ya se ha dicho, la percepción de la arquitectura a través del uso metafórico del “Frame”, lo cual provoca al espectador sentirse den-tro o fuera de algo. El tiempo y el espacio es parte esencial de sus construcciones.

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http://www.cybelelyle.com

I Feel the World Around Me, 2015Instalación

A Space Within, 2014Instalación

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Además cabe mencionar que su taller es el universo de maquetas y bocetos en el que se genera la idea y las experimentacio-nes para que la ficción salga a flote, aunque también los mismo espacios que interviene son observados y analizados hasta enten-der su parte física para poder entrar a la otra dimensión.

Para conocer más de su obra recomen-damos visitar Et al. Gallery 620 Kearny en San Francisco, CA o la página web www.etaletc.com en donde también encontrarán a otros artistas locales.

Referencia: Kandisnsky, W. (2005). De lo espiritual en el arte. México: ediciones Coyoacán.

http://www.etaletc.com

http://www.etaletc.com

EUA

TXT Lester Chapman

Un viaje a la fantasía, donde se entremezcla la com-plejidad fragmentada en un imaginario intrincado, pero de flujo libre.

La sobrecarga de información y multitud de estímu-los visuales en la obra de Clark Goolsby, expresa el deseo de hacer una superlectura de los objetos y de la cultura, una visión integral y totalizadora de la realidad.

En su riqueza cromática se aprecia la influencia de una nostálgica estética ochentera que nos encamina a un mundo donde se exige al espectador hallar un placer distinto, no es fácil explicarlo, Goolsby recoge piezas aquí y allá, entra en dominios ajenos y elabora configuraciones de ruptura y continuidad. Los obje-tos empleados enriquecen la posibilidad de análisis, no un análisis superficial, la belleza puede esperar, el arte involucra el pensamiento, tiene estructuras, es idea, es materia es cultura.

Casi sin darnos cuenta, nos hemos internado en una incomprensible ceguera en el tiempo de las imá-genes, motivo y pretexto para buscar una sacudida de conciencia.

7/10/2015 Ill_Defined_Space.jpg

https://drive.google.com/folderview?id=0BxZDFdCTS5F3bEJET1N0MkVBM1k&usp=sharing_eid&invite=CJmKp1M&ts=56145be5 1/1

Four Deaths, 2015Mixta36 x 36”

7/10/2015 Raibow_Piece_III.jpg


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7/10/2015 Raibow_Piece_II.jpg


Rainbow Piece II, 2013Acrílico y tinta sobre panel28 x 20”

Rainbow Piece III, 2013Acrílico y tinta sobre panel28 x 20”

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7/10/2015 Yesterday_This_All_Seemed_New.jpg


Yesterday This All Seemed New, 2014Mixta

60 x 54”

Frame I, 2014Mixta

20 x 16”

Goolsby, quien se define como una es-ponja cultural, no se ha propuesto ser geómetra, en su experimentación conti-nua y en la espontaneidad de su caos, re-curre a lo básico, la línea, la superficie y el volumen, incorpora la geometría en lo que parece una disonancia visual, impri-miendo un efecto abstracto en la crítica a una sociedad saturada por la tecnología y la información.

http://www.clarkgoolsby.com

7/10/2015 Frame_I.jpg


Geometrie de l’Impossible, 2013Aerosol

TXT Fabiola Teresita

FRA

La obra de Fannete Gilloud es más que una esceno-grafía multidireccional una irrupción del espacio a través de las dimensiones, sin opción a rechazar la invitación. Joven artista francesa que hace suya la antigua técnica desarrollada por iconos del renacimiento, y nos entre-ga hoy a través de medios digitales “la alternativa” de ingresar a ese mundo de ilusión óptima para olvidarlo jamás.

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107Geometrie de l’Impossible, 2013Aerosol


Una serie fotográfica de sitios sórdidos que pa-recieran en el abandono, retomados en co-relación técnica-espacial a partir de la anamorfosis, ges-tando punto a punto, trazo a trazo la geometría de lo imposible.

La obra de esta fotógrafa y artista gráfica nos inti-ma al estrabismo entre la anóptica y la catóptica para encontrarnos de manera franca a la representación distorsionada de la realidad en un espacio específico, nos confronta al engaño de la forma pero son la sim-patía del objeto imaginario y por imaginar.

Escenarios interiores en composición cerrada y exteriores semi abiertos como el bosque de los alpes franceses; todos en matemática abstracción de la lente para ser intervenidos por la espontanei-dad del volumen, el truco de la mente y la fuerza de la profundidad que arrastra, mitigando la óptica del más curioso.

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http://www.fanetteg.com

Sequence/Delay No.4, 2012Acrílico sobre tela

TXT Jesusa Chairez Brito

CA

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Sí, sí que lo son, historias visuales, tan peque-ñas y delimitadas como profundas, según el es-pectador elija. Son fábulas por descubrir entre una capa de color y otra, algunas ni tan ocultas y otras evidentemente expuestas pero todas siem-pre dispuestas a la denuncia de sí mismas, a la interpretación personal o del juicio grupal; así la geométrica oración de Jeff Depner, sin pretensio-nes, cumplida y honesta, lista para disfrutarse en cada línea.

Ejercicio de proceso lento, de sumar y restar hasta que cada pieza cobra vida y por tanto senti-do según afirma el autor; y con esa intensión ha-cernos cómplices “voyeurs” del idilio volumétrico entre la forma y el color. Un asomo inevitable a

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Reconfigured Grid Painting No.8, 2009Acrílico sobre tela 47 x 43”

Reconfigured Grid Painting No.18, 2010Acrílico sobre tela

47 x 43”

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Reconfigured Grid Painting No.38, 2014Acrílico sobre tela 57 x 50”

través de estas ventanas de la lúdica sobrepo-sición de la textura y el movimiento, que se im-pulsan una a otro entre tramas y redes camino al cursi equilibrio.

Pudiéramos seguir discursando las estruc-turas y los espesores en cada relato que se nos comparte en esta serie, en la feroz búsqueda de la forma en y de la forma, pero será aún mejor aventurarnos a sentirla sin el temor a reacciones viscerales ante las teorías geometrales para en-tonces dejarnos asombrar por el mundo de las ideas, lo intangible y lo infinito.

http://www.jeffdepner.com

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Drifter, 2012Acrílico sobre tela 24 x 20”

Smoke Signal, 2014Acrílico sobre tela 17 x 15”

Big Fall, 2010Óleo sobre tela 48 x 56”

TXT La Zurda

EUA

No hay fórmula pacífica, ni final feliz aunque algunas zonas mentales nos lo reclamen y acosen al encon-trarse ante estos escenarios de pronto incomprensibles pero al mismo tiempo fascinantes; se trata de mus-culatura pura de la forma, sin negaciones o disimulos, en constante tensión; que por ajeno que sea nos empuja en el menor de los descuidos a una intensa terapia de la abundancia geométrica.

“Pienso en video juegos mientras pinto”, asevera Ryan Browning al describir el proceso estético duran-te la creación de su obra vasta de dramáticos paisa-jes virtuales, con narraciones abstractas llenas de posibilidades, cruzando una y otra vez las invisibles fronteras entre la fantasía y la imaginación.

Formas hostiles que gritan mensajes caóticos de lucha por hacerse escuchar, con referentes de ficción, de lenguaje angustioso de esa forma sin la forma y el espacio roto de toda calma. No hay calma, no hay

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Birth of an Island, 2008Óleo sobre tela

68 x 82”

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Massive Smiting, 2008Óleo sobre tela

68 x 114”

Portrait, 2011Óleo sobre tela 30 x 22”

retozo, no hay paseos de reconocimiento en la plásti-ca de quien inventa nuevos ambientes de realidades alternas siempre protagonizados por el volumen en pleno reto.

Pintura al óleo convertida en territorios de esqui-zofrenias espaciales colmas de dudas pero sin res-puestas para encontrar el camino de regreso.

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Massive Smiting, 2008Óleo sobre tela 68 x 114”

http://www.ryanbrowning.com

TXT Maferna II

ESP

Impaciente, con una extraña inquietud desconocida para mi, me enfrento a mi primer test de Rorschach. -¿Qué ves aquí?- Dubitativa, en mi mente el abstracto, se produce un reduccionismo y las formas geométri-cas resaltan como resultado de la complejidad. No me atrevo a contestar que veo un gato, que obviamente veo insectos, a un tipo fortachón, o que incluso reco-nozco a Lucy, me tildarán de loca.

Esculco en mis adentros, todo a una velocidad vertiginosa, recobro información y reconfiguro lo que estoy percibiendo. Icosaedros, dodecaedros, pero que disparate, formas básicas, el círculo, el triángulo y el cuadrado. Trazos eternizándose en todas direc-ciones, un ir y venir de elementos que terminan por modificar a unos y a otros. Pero, tengo un dilema, el pensamiento euclidiano o acaso el pensamiento fractal, ni siquiera distingo las fronteras entre ambos.

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Hermann Rorschach y sus técnicas psicoanalíticas, pero en un lenguaje que sintetiza todo a esquemas geométricos, a colores básicos y a un filtro donde me atrevo a especular sobre la influencia de Vasili Kandinski y Joan Miró.

Cekinsky propone un divertido juego donde las fi-guras geométricas y el imaginario no sólo del mismo artista, sino del espectador, son lo esencial.

Apócrifa Art Magazine 26 - Geometría

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