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BASQUIAT, EPICENTRO DE LA VANGUARDIA EN NUEVA YORK

El passat 15 de febrer Frankie Pizá va oferir una xerrada sobre Jean-Michel Basquiat en el marc de les trobadesmensuals organitzades per Estación Spoken Word. Director del web amic Concepto Radio, Pizá ens va oferir lapossibilitat de publicar la transcripció de la seva intervenció. Vàrem acceptar, per suposat.

+++

Jean-Michel Basquiat primero se hizo famoso por sus pinturas, y luego fue célebre precisamente por ser unacelebridad.

New York, finales de los años 70: crisis económica, un paraíso del crimen palpable, prostitución, las drogasinstaladas completamente en las calles, diversidad cultural e injusticia social. La gran manzana adquiere en esaépoca un halo de misterio muy característico. El centro de Manhattan, concretamente, se convirtió en unrefugio para artistas, bohemios, marginados en su mayoría, que utilizaron las circunstancias de su alrededorpara explotar su talento e inspiración. Digamos que, en aquel entonces, New York era una absoluta y constanteerupción de creatividad: todos tenían grupos, eran pintores, rapeaban o eran b-boys; y lo mejor es que todos serelacionaban entre sí como una gran comunidad.

De entre todos los protagonistas hubo un rey, Jean-Michel Basquiat, quien “como todo rey, reinaba por sutalento”. Alrededor de su centro de gravedad giraron la emancipación del Hip Hop, la renovación de unmercado artístico hambriento de realidad y muy monótono, estancado, las expresiones sonoras más eclécticas,la conceptualización del graffiti o la poesía, usada como un lenguaje críptico, satírico y filosófico surgidodirectamente de la calle. Él era el epicentro. Algo así como un centro magnético.

En 1977, un joven Basquiat de 17 años (hijo de un contable haitiano y una diseñadora gráfica puertorriqueña,

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hermano mayor de Lisane y Jeanine), educado en el arte desde muy pequeño, con síntomas de gran inteligenciay asentado en una familia económicamente solvente, decide abandonar su hogar en Brooklyn para adentrarseen el submundo del bajo Manhattan, concretamente en el barrio del SoHo y el East Village. En aquel momentoconocería a Al Díaz, amigo y colaborador que le introduciría en el mundo del grafiti y la contracultura de lazona, iniciando ambos, poco después, el proyecto artístico conceptual SAMO (un acrónimo o siglas quesignificaban “Same Old Shit”, “la misma vieja mierda”).

“Origen del algodón”, “un pino gotea un olor acre”, “paga por la sopa, construye un fuerte, préndele fuego”,“es una mujer vieja”, “SAMO como una expresión de un amor espiritual”, “SAMO salva idiotas”, “SAMO esuna nueva forma de arte”, “SAMO como fin del lavado de cerebro, nada de política y falsa filosofía”, eranalgunos de los mensajes, lemas, que fueron apareciendo en el Village con el símbolo de copyright y de los queinicialmente nadie conocía su autoría.

No era grafiti clásico, primigenio, no eran tags orientados al Hip Hop, sino una especie de adaptación de lasimágenes y conciencia de Brassaï, el primer artista que catalogó el grafiti como una forma de arte; unasmanifestaciones urbanas provocadoras, poéticas, que incitaban a la reflexión filosófica, y que no se mostrabancomo la típica y explícita forma de narcisismo (no olvidemos que el objetivo final del grafiti es la fama, elreconocimiento). Era una new wave of graffiti, una forma en la que quien hablaba parecía ser la calle.

Eran palabras-concepto, frases a menudo, mensajes que arremetían contra la hipocresía de una sociedadmaterialista, ofreciendo una especie de religión fraudulenta y ficticia como sucedáneo de todas aquellascreencias en las que solo se podía confiar si había una solvencia económica respaldando. SAMO era unacaricatura de los valores y creencias extendidas como veneno en la sociedad. La repercusión del proyecto erapalpable en las calles de New York. Un artículo en The Village Voice fue el primer síntoma de que la comunidadartística se interesaba por la visión de Basquiat, quien decidió dar la cara como SAMO en una de lasmultitudinarias fiestas organizadas por Michael Holman en Canal Zone/Canal Street, un auténtico hervideropor aquel entonces.

En ese sentido, se tiene que puntualizar que el posterior abandono de su personalidad como SAMO y rupturacon Al Díaz en 1978 (después del mensaje lapidario “SAMO is dead” anunciando el cese de la actividad) fue laprimera prueba del buen entendimiento de los mecanismos de la escena artística por parte del instintivoBasquiat: se apuntó a la moda del grafiti dando su propia perspectiva justo cuando ésta apuntaba como unartefacto más para ser absorbido por el mercado, y se separó de ella cuando el interés público decreció. Basquiatentendió que no debía pintar en vagones o edificios abandonados, que si quería ser famoso debía llevar elgrafiti a las zonas dominadas por el mercado blanco, llevárselo directamente delante de sus ojos de una maneraradical, agresiva, inteligente. Al fin y al cabo, Basquiat buscaba la atención.

En aquella fiesta de Canal Zone conoció a Holman y aquella misma noche ambos fundaron Gray (primersíntoma de su obsesión por el libro Anatomía de Gray que su madre le regaló cuando se encontraba, a los 7 añosde edad, convaleciente en el hospital después de un accidente de tráfico), la que se convertiría en la primeragran obra pública del artista y una de las muchas cosas que dejó incompletas. Pronto, lo que él mismo llamaríala “Baby Crowd” se extendería con los miembros Vincent Gallo, Wayne Clifford, Justin Thyme, Nick Taylor y

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Shannon Dawson, quienes ayudarían a que la banda adquiriera un aspecto más completo.

“Gray comenzaron como una banda de efectos Industrial, pero poco a poco comenzaron a adquirir un sonido único”,comentaba Glenn O’Brien en una entrevista, donde además los definía como “a bebop industrial sound effectslounge ensemble”. En palabras del mismísimo Basquiat (que tocaba el clarinete y manipulaba variossintetizadores): “algo incompleto, abrasivo y extrañamente hermoso”. Debido al ascenso en la escena pictórica deBasquiat, este proyecto se fue diluyendo con el tiempo, dejando únicamente 5 o 6 composiciones grabadas y noeditadas oficialmente hasta hace unos años.

Por aquel entonces, Jean-Michel era prácticamente un mendigo de 18 años que hacía lo necesario parasobrevivir, un joven rebelde y bohemio que se dedicaba a vender postales y camisetas decoradas por él. Algunasde sus más fuertes amistades cimentadas en aquellos tiempos fueron Fab 5 Freddy o el enigmático Rammelzee,al que años más tarde decoraría su más famoso single “Beat Bop”, elevando la mitología que ya de por sírodeaba al material, posiblemente el más visionario de la historia del género. Basquiat se desenvolvía como pezen el agua en la escena de clubes del Village, tales como el Mudd Club, el CBGB o el Club 57, tres de las mecas osantuarios de la etiquetada No Wave neoyorquina.

Pero fue una conexión particular, una amistad hecha y cimentada desde la vida nocturna en la propia pista delMudd Club, la que dio a Basquiat la oportunidad de empezar a abrirse camino en el arte: Diego Cortez vio susprimigenios dibujos y le aconsejó que probara con el arte. De hecho, sus primeras pinturas en tela y lienzofueron las que Basquiat realizó para ilustrar y utilizar en el largometraje protagonizado por él, Downtown 81, elretrato de un joven pintor que intenta abrirse paso en la gran manzana, y para el que reprodujo algunas de susactuaciones como SAMO.

Basquiat tenía un don especial, una sofisticación increíble para ser adolescente, sus obras parecían siempreincompletas, obras sin terminar; su aspecto era radical y su contenido muy directo, muy instintivo. La granvirtud del primer Basquiat fue la de conseguir capturar la energía de la calle y trasladarla a una obra de arte,tenía la habilidad de acceder a su memoria y experiencias, canalizarlas a través de su cuerpo y atraparlas en ellienzo. Su pasión por las caricaturas también estuvo muy presente en sus inicios. Era un artistamultidisciplinar, muy físico: mientras pintaba escuchaba y veía la televisión, exploraba una pila de libros o sedejaba inspirar por el Bebop o el “Bolero” de Ravel, que escuchaba compulsivamente.

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Sus comienzos son el momento clave en la corta pero intensa carrera de Basquiat: no tenía dinero y a menudopintaba en ventanas, puertas, neveras o lo que solía encontrar por la calle, tan solo Diego Cortez leproporcionaba algún lienzo. Aún así, la transición de la calle al lienzo, hoy por hoy, se recuerda como su épocamás brillante: grafitis sígnicos se mezclan con visiones callejeras y formas simbólicas de tradiciones culturalesprimitivas, como máscaras, esqueletos y calaveras.

Comienzan a observarse los primeros síntomas de genialidad, como la utilización de imaginería “negra”,utilizada con ansiedad, con deseo de someterla a una pronunciada universalidad; además de su sutileza a lahora de captar influencias, su apropiación singularizada: no copiaba, improvisaba versiones diferentes de losrasgos de Picasso, de Kooning, Pollock, Leonardo Da Vinci, se inspiraba en los textos de Burroughs, en JohnCage, Miles Davis. No escondía sus influencias, sino que las presentaba como un panteón particular.

En muchas ocasiones, algunos expertos han llegado a comparar las técnicas y poderoso estilo de Basquiat comoun precursor de la era digital basada en Internet, en la que se tiene acceso a muchísimos conocimientos demanera inmediata y que acaba creando un conglomerado de retales sueltos y sin completar en nuestro cerebro.Los cuadros de Basquiat eran como layers y layers de conocimento, superpuestos y presentados como una granamalgama muchas veces indescifrable.

En este sentido, y debido a la proximidad de la irrupción del pintor y la madurez de la cultura Hip Hop, sumétodo a la hora de apropiarse de pequeñas muestras, contenido y rasgos de muchísimas culturas diferentes,ha sido comparada con el propio sampling, así como una manera más sofisticada y violenta de presentar lasprimitivas técnicas de los surrealistas o del “cut up” o “técnica de recortes” de William S. Burroughs.

Deborah Harry de Blondie compró su primer cuadro por 200 dólares, después vino el Times Square Show, juntoa Keith Haring o Kenny Scharf entre otros, la New York New Wave, el PS1 y la aparición de Annina Nosei, suprimera galerista y con la que firmó su primera exposición en solitario. Todo fue vendido la misma noche de lapresentación. Más tarde aparecería Rene Ricard con su artículo en Art Forum, “The Radiant Child”, en el queafirmaba “hemos encontrado el niño radiante del siglo”, profetizaba que “nadie quiere ser parte de una generaciónque ignora a otro Van Gogh” y lo posicionaba como el futuro del arte contemporáneo.

Basquiat llegó a un mercado artístico aburrido, sumergido en el minimalismo, el apropiacionismo y elconceptualismo, disciplinas poco dadas a la improvisación y expresión, un raser muy académico que seríasucedido por el neoexpresionismo del que él fue el principal pionero. Era, además, el prototipo del genioromántico, atractivo, rebelde, hip, bohemio, salvaje, joven, pobre por propia decisión, negro y de ascendencialatina, presuntamente vinculado al mundo de las bandas, con un pasado reciente de frenético y rebelde,inconformista grafitero y, a la vez, un profesional ansioso de celebridad y dinero. La leyenda del niño salvaje

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había nacido y ascendía con una rapidez inusitada.

Su segunda etapa es la del ascenso metódico: primero Larry Gagosian se lo lleva a una exposición enHollywood; Bruno Bischofberger, más tarde, aparece en el dominical del New York Times y comienza suestrecha relación con el que sería su mentor público, Andy Warhol, rey del mercado del arte en aquellosmomentos junto a Julian Schnabel, del que también se hizo íntimo. Cuadros poblados de palabras-conceptos,imágenes vudú, totémicas y arcaicas, retratos-homenajes a héroes negros -músicos de jazz como CharlieParker, Art Blakey, escritores, jugadores de baloncesto, boxeadores como Joe Louis o Muhammad Ali- yreferencias al incipiente consumismo y ambiente capitalista norteamericano.

Su arte se centraba en la experiencia de ser negro, exploraba su historia y sus raíces, él decía “soy un rey negro yacabaré con la élite que controla el valor de mi raza”. Canalizaba su infancia en su manera de dibujar y convertíasus obras en una galaxia de realidad que explotaba, algo que él llamaba “Boom, for real!”. Basquiat estaba llenode energía y eso se retrataba en la furia de sus obras, primitivas, de pureza casi arcaica, con un vigor expresivoque acabó chocando con un mercado que no estaba preparado para tal producto. Su arte tenía un perfildemasiado underground y el propio Leo Castelli llegó a rechazarlo para una exposición. Los grandes galeristasse mostraban escépticos ante la exuberante ruptura de límites del arte Basquiat.

Su inestabilidad, el haber conseguido mucho dinero en muy poco tiempo, su carácter autodestructivo y suscoqueteos con la heroína (que utilizaba para concentrarse) iniciaron el declive de Basquiat, que no llegó nuncaa ser considerado a la altura de los más grandes. La crítica consideraba el neoexpresionismo algo vulgar. Sucomponente trágico, como el de Pollock y Van Gogh, sus pinturas proféticas y la sensación de que no soportabala realidad acabaron por engrandecer uno de los grandes mitos de la década de los 80. Se volvió paranoico ypensaba que todo el mundo le apreciaba por interés. Eso, sumado a la repentina muerte de Warhol (del que sehabía distanciado tras las críticas de su exposición conjunta y la idea de que. poco a poco, la prensa le tratabacomo “el perro de Andy”), la fuerte drogodependencia y la imposibilidad de conseguir ese respeto que tantoanhelaba acabaron por someterlo a una espiral destructiva que acabó con su vida.

Su última etapa pictórica destacó por unos cuadros cada vez más sofisticados en sus contenidos y en sucompleja figuración, programada a base de múltiples y fragmentarias citas hacia culturas primitivas o antiguas(africana, culturas mesoamericanas, incluso referencias a la egipcia o la grecorromana), pero también de latradición pictórica europea que conocía al dedillo. En este punto es importante matizar que la“deshumanización” o salvajización de los grafismos-textos utilizados por su admirado Cy Twombly, los cualesél reinventaba de manera colérica, ganaron espacio y amplitud, más ironía y alcanzaron un nivel profético sinigual. El contenido asustaba esta vez por su simplicidad y la fina capa de terror que lo envolvía. Por ejemplo,“Eroica II”, pintado en 1988, llegó a utilizar el término Man Dies en más de una veintena de ocasiones. Y“Riding With Death”, una de sus últimas obras y una de las mejores valoradas, apunta claramente haciasíntomas sibilinos, fatídicos.

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Un 12 de Agosto del mismo año, Basquiat aparecía tendido en el suelo de su apartamento. Su novia lo encontróinconsciente y con síntomas de una sobredosis de heroína, que llegó después de pasar seis meses limpio. Desdeaquel día, las fabulaciones y los testimonios se han agolpado, haciendo casi imposible diferenciar la realidad dela invención. Lo que está claro es que ahora, con perspectiva, se puede valorar mejor su importancia: la fuerza,la extraña coherencia de su discurso, el lirismo, la melancolía, el punto de desesperación, el no miedo al color,su preocupación por transmitir en sus cuadros la problemática de las minorías étnicas mostrada con seguridady complejidad, su narración pictórica radical como arquetipo antiintelectual. La violencia, euforia y su intuiciónparecen todavía estar frescas, presentes ante nuestros ojos, como testimonio del más grande artistaafroamericano de todos los tiempos.

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