El Greco Domenikos Theofokopoulos (1541-1614) Self- portrait.
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El Greco
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El Greco 1541-1614
Pintor español, considerado el primer gran genio de la pintura española. Nació en Creta en 1541 y pintó en un estilo Bizantino tardío. Su visión personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian una atmósfera mística. El Greco gozó de una excelente posición en Toledo, donde recibió a miembros de la nobleza y de la elite intelectual, como los poetas Luis de Góngora y Fray Hortensio Félix de Paravicino, cuyos retratos pintó. Pintó también algunos cuadros de la ciudad de Toledo, temas de la mitología clásica y del Viejo Testamento, como el de la obra inacabada que muestra la escena apocalíptica de El quinto sello del Apocalipsis (1608), atestiguan la erudición humanista de El Greco y cuán brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales. Murió en Toledo el 7 de abril de 1614.
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INFLUENCIAS• Bizantina: antinaturalismo y alargamiento
de las figuras.
• Veneciana: Colorido.
• Miguel Ángel, a quién criticaba, las anatomías rotundas y el predominio total de la figura humana que ocupa prácticamente todo el espacio pictórico.
• Manierismo: distorsión, anticlasicismo, artifiosidad, teatralidad en los gestos, irrealidad.
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Características1. Carácter subjetivo y antinaturalista de su pintura: trata
de crear un arte artificial dedicado a expresar ideas abstractas sobre la belleza y que mostrara su ingenio y su calidad de artista intelectual
2. Estilización de las figuras que él creía más bellas que las de tamaño natural. Influencia de Miguel Ángel en anatomías de sólidos volúmenes. Distorsiones de los contornos: largos, más sinuosos y ondulantes, " Figura Serpentinata”
3.Escorzos acrobáticos (ángeles), para demostrar su virtuosismo.
4.Evita la perspectiva y sitúa los temas en un espacio indefinido que aparece aislado de los elementos naturalistas por un telón de nubes.
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5. Uso arbitrario de luces y sombras: utiliza cuidadas gradaciones de luz para situar los distintos planos: alternancias de luz y sombras.
6. El color es esencial en su estilo, incluso como recurso expresivo (igual que los venecianos), pero también utiliza colores estridentes manieristas: amarillos, verdes chillones fogosos rojo o anaranjados y azules.
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7.Pinceladas también influidas por los Venecianos: retocaba las figuras una y otra vez para que el acabado fuera aparentemente espontáneo, como apunte.
8. Aunque es muy antinaturalista, intenta imitar la naturaleza en retratos y en la representación de texturas y calidades. Esto supone un contraste muy manierista: así subrayaba la distancia de su arte con la naturaleza.
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9.Pinta temas fundamentalmente religiosos que enlazan con el espíritu de la Contrarreforma, aunque no faltan retratos de personajes toledanos y solo un paisaje y un tema mitológico.
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Niño soplado una candela.1570
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Purificación del Templo 1570
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Retrato de Julio Clovio. 1572
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Alegoría de La Liga Santa. 1574
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Alegoría de la Liga Santa
• SUEÑO DE FELIPE II: óleo sobre lienzo. Se conserva en El Escorial. La Liga Santa era la alianza entre Venecia, el Vaticano y España que venció a los Turcos en Lepanto. En primer plano se muestran arrodillados los tres protagonistas: Felipe II, vestido de negro; el Dux Mocenigo con manto de armiño; y el Papa Pío V que lleva guantes rojos y manto forrado de azul. La figura que tiene las manos sobre la espada es el hermanastro del rey, D. Juan de Austria. La representación del infierno es medieval (monstruo con las fauces abiertas). Se ignora si fue encargo del rey o un regalo a éste. Pero a Felipe II le gustó.
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San Mauricio
y la Legión tebana.
1577
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San Mauricio y la legión tebana
• Encargado por Felipe II, no fue muy bien acogido. Abandono total de la perspectiva. Nos ofrece gestos, estados de ánimo, actitudes. Se dijo que Felipe II rechazó el cuadro porque estaba fuera de los cánones de la Contrarreforma: no le interesaba el hecho trágico del martirio sino su aceptación serena por S. Mauricio " los santos deben de ser pintados de manera que no quiten las ganas de rezar por ellos". Fue encargado para instalarlo en la iglesia de El Escorial como pareja del martirio de Santa Úrsula de Lucas Cambiaso. Fue sustituido por uno de un mediocre pintor llamado Romulo Cincinnato.
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El Expolio
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El Expolio• Óleo sobre tabla. Realizado para la Catedral de Toledo. Se
basó en las tradiciones medievales ortodoxas: representa a las tres Marías, y lleva atada Cristo una cuerda que según esa tradición, Cristo cansado, habría sido arrastrado en los últimos tramos de la subida al Calvario. estas peculiaridades que no aparecen en el Evangelio, hizo que el Cabildo se querellara con el Greco para que las eliminara, y, al no acceder éste, no le volvieran a encargar ningún cuadro más. El cuadro muestra el momento en que se va a desnudar a Cristo para sortear su túnica. Rodean a Cristo una multitud rabiosa que le insulta. El hombre de la armadura puede ser el centurión bueno que se convierte en el momento de atravesar el costado de Cristo con una lanza. El escenario casi desaparece totalmente y, salvo la túnica de gran colorido de Jesús y el acero también brillante (y del s. XVI) del capitán todo se reduce a una galería de cabezas rebosantes de expresión, en la que al odio del coro, se opone la bondad de Cristo. Patetismo en los rostros (esas expresiones las abandonar en sus próximas etapas). Gran expresionismo religioso.
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Trinidad.
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La Trinidad• Se conserva en el Museo del Prado. Era el cuadro
central del retablo de Santo Domingo el Antiguo. Gran influencia de Miguel Ángel en la composición: figuras monumentales que ocupan casi todo el espacio pictórico. Carece de fondo. Juegos de luces y sombras en Cristo, que cae sobre el Padre: la forma palpable del cuerpo y de las heridas subrayan la humanidad de Cristo y las expresiones angustiadas de los ángeles acrecientan el dramatismo. Expresión tridentina del dogma de la Santísima Trinidad. Colores venecianos: amarillos, carmesíes, azules. Es un cuadro que mantiene un gran contacto con sus fuentes italianas (anatomía y musculatura de Miguel Ángel y colorido y luminosidad veneciana).
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Entierro del
Señor de
Orgaz
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Entierro del Señor de Orgaz• Lo pintó para la iglesia de Santo Tomé‚ donde estaba enterrado
Gonzalo Ruiz, señor de Orgaz (muerto en 1323). Según la leyenda, su caridad había sido recompensada con un milagro: San Esteban y San Agustín habían bajado el cielo para enterrarlo. Representó la escena en una misa de funeral en el momento de descender el cuerpo a la tumba. Los personajes representados no pertenecen al siglo XIV sino al XVI y se trata de un retrato colectivo de sus amigos y personajes importantes de la época. Divide el cuadro en dos sectores claramente diferenciados: el inferior correspondiente al entierro y el superior a la gloria, unidos por un estrechamiento de nubes, a través del cual, un ángel sube al cielo el alma del difunto. La parte inferior es más clasicista y naturalista, aunque con rasgos teatrales y manieristas: el sacerdote que mira hacia arriba o el niño que alza el lienzo. Aunque las figuras son alargadas, los rostros son realistas porque son retratos (el niño es su hijo) y un autorretrato. También demuestra su virtuosismo en la representación detallista de vestiduras y en calidades y texturas. La zona de la gloria es más irreal e inmaterial, con formas más alargadas. No representa el espacio y los personajes casi no caben en el espacio pictórico. Contraste de colores entre los rostros, los blancos cuellos y los trajes negros.
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Autorretrato.
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Caballero de la mano en el pecho.
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Sagrada Familia. 1585.
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Apostolado• Durante la última déada de su carrera el Greco
difundió un nuevo tipo de conjunto pictórico: el apostolado: 12 lienzos a caballete de los apóstoles, má uno con la imagen de Cristo. Hay varias series enteras y otras fragmentadas, algunas vinculadas a su taller. Se conservan 2 enteras de la mano del pintor: la de la Sacristía y la de la Casa del Greco. 6 santos miran a la derecha y 6 a la izquierda de Cristo. Son tratados con una simbología tradicional. Aunque San Lucas no fue apóstol , a veces se le incluye. San Lucas era médico, pero, según la leyenda, también fue pintor de la Virgen, razón por la cual es el patrón de los pintores
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San Pedro.
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San Juan.
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San Andrés. 1610.
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San Lucas. 1610.
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San Andrés y San
Francisco. 1595.
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San Andrés y San Francisco
• Óleo sobre lienzo. No se conoció hasta la Guerra Civil, cuando apareció en el Convento de la Encarnación de Madrid. La costumbre de reunir dos santos distantes en el tiempo en la misma pintura era tradicional en España, y parece que respondía al capricho devocional del comitente. Los dos hombres conversan en mitad de la campiña toledana. Gran armonía cromática tica de verdes y azules de San Andrés y el pecho de San Francisco, reflejados en un paisaje de cielo turbulento. La cruz aspada sirve de nexo compositivo y colorista.
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Virgen y San
Juan. 1586
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Inmaculada Ovalle 1608.
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Vista de Toledo.
• Único paisaje del pintor. Es antinaturalista y sitúa los edificios arbitrariamente. Cielo tempestuoso e iluminado por la luna. Distorsión y artificiosidad.
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Bautismo de Cristo. Colegio
de Aragón.
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Bautismo de Cristo
• Óleo sobre lienzo. Fusión de los ámbitos terrenal y celestial. Sólo las rocas que sostienen a Cristo arrodillado y al Bautista hacen pensar en la tierra. Toda otra indicación del entorno ha quedado borrada por el derramamiento de luz y seres celestiales sobre el espacio en que se produce el suceso sacramental. Toda esta artifiosidad se ordena con un único fin: subrayar la significación del momento en que la concha del bautista derrama agua sobre la cabeza de Cristo. No se representa el bautismo como episodio de la vida de Cristo, sino el preciso momento milagroso en que el hombre es redimido por la gracia de Dios.
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Adoración de los Pastores 1614.
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Laoconte. 1610.
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Laoconte
• Único tema mitológico y su último cuadro. Sitúa la escena a las puertas de Toledo. Es un tema muy confuso. Las figuras de la derecha representan a Apolo y Artemisa.
