Trabajo escrito 7 de julio de 2014

TRABAJO ESCRITO

LENGUA CASTALLENA

ANGIE LORENA NAVARRO GIRALDO

DARLYN SIERRA CANO

10°A

INSTITUCION EDUCATIVA

PRB. ANTONIO JOSE BERNAL L.

MEDELLIN

2014

Trabajo escrito 7 de julio de 2014

DESARROLLO DE LA IMPRENTA

Durante los siglos de la Edad Media, junto con la invención del papel, los chinos dieron los primeros pasos

en el desarrollo de la imprenta. Buscaron un procedimiento que, en lugar de copiar los escritos a mano, les

permitiera obtener muchas reproducciones iguales de un mismo original. La solución fue labrar los

caracteres de una página en una plancha de madera, de manera que éstos sobresalientes. Después entintaban

la plancha y aplanaban sobre ella hojas de papel. Como ves, es un sistema parecido a los sellos de hoy en

día.

Siglos más tarde, cada signo se labraba en un trozo separado de madera, que se combinaba con otros para

formar expresiones. El sistema era más rápido, aunque la enorme cantidad de caracteres de la lengua china

dificultaba las cosas. Los primeros libros, calendarios y noticias se imprimieron con estos procedimientos.

Juan Gutenberg: ¿El inventor de la imprenta?

No se tiene clara la fecha de nacimiento del inventor alemán Johannes Gutenberg. Pero se ha determinado

que nació en Maguncia, pequeño poblado de Alemania, hacia el año 1400. Proveniente de una familia noble,

su verdadero nombre era Fríele Gensfleisch. Tampoco se tienen antecedentes concretos de su muerte

estableciéndose que el hecho ocurrió probablemente a fines de 1467 o a comienzos de 1468.

En su pueblo natal se desempeñó como orfebre. Se trasladó junto a su familia a Estrasburgo, donde instaló

una empresa de grabados en madera, que sería el punto de partida para el desarrollo futuro de su legado.

Numerosos han sido los estudios por determinar si fue efectivamente el inventor de la imprenta y de las

letras móviles. Algunos han concluido que no. Antecedentes corroboran que los babilonios, en la

Antigüedad conocieron la impresión con sellos de arcilla y que los chinos, alrededor del año 1041, también

imprimieron con ese tipo de letras. Más aún, en la Edad Media se hicieron grabados de páginas enteras

usando grabados de madera.

Sin embargo, podemos atribuir a Gutenberg la utilización de tipos móviles de metal no usados

anteriormente, pero no se sabe bien quien fue el primero en implementarlas. Investigadores aseguran que

el primero fue el holandés Laurens Janszoon. Lo que se sabe con certeza es que Gutenberg construyó, entre

1436 y 1450, un aparato que logró fundir satisfactoriamente las letras metálicas que usó en sus primeros

libros, con las cuales imprimió su famosa Biblia en 1455. A modo de anécdota podemos contar que debido

a sus deudas, Gutenberg fue embargado y la imprenta que lo hizo famoso quedó en mano de sus acreedores,

quienes con la venta de la Biblia aumentaron en cinco veces su inversión inicial.

Gutenberg en realidad no inventó nada. Mucho tiempo antes que él, los chinos habían desarrollado las

técnicas de la impresión y de la fabricación de papel. Los orfebres ya sabían fabricar buriles y los viñateros

de Renania ya utilizaban prensas con tornillo en sus vendimias. Pero todavía nadie había reunido estos

distintos inventos. El ingenio del impresor alemán lo llevó a desarrollar un artefacto mecánico

verdaderamente eficaz para la reproducción de los textos escritos. Así se puede considerar como el

verdadero padre del libro moderno.

Para el profesor de fisiología de la Escuela de Medicina de la U.C.L.A., a Gutenberg se le debe distinguir

por sus avances en el uso de la imprenta "una técnica para producción en serie con letras metálicas, una

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nueva aleación metálica para los tipos y la tinta de impresión con pintura. También sería conveniente ubicar

a Gutenberg como un símbolo porque inauguró la industria editorial en occidente con la Biblia de 1455".

En 1450 se asoció con Johannes Fust, quien le prestó ochocientos florines para que instalará la imprenta,

fundiera las letras metálicas y comprara el pergamino para imprimir la Biblia. El préstamo consideraba el

salario de los ayudantes y el sustento del propio Gutenberg.

Dos años después Fust entregó la misma cantidad nuevamente, para el término del proyecto que

contemplaba dos volúmenes del libro sagrado. Pero faltaba la ornamentación a mano y el empaste de los

impresos. Fust molesto finalmente decide ir a los tribunales exigiendo que se le devolviera inmediatamente

el dinero.

El perfeccionamiento de los caracteres metálicos móviles fue lo que mayores inconvenientes le produjo,

como se puede deducir de las muchas pruebas efectuadas sin éxito. Lo más inmediato fue la elección de la

base de los impresos: el pergamino, elemento caro y poco corriente, no era lo bastante liso ni lo

suficientemente liviano como para facilitar un trabajo rápido y limpio.

A pesar de la simpleza de la imprenta significó para Gutenberg invertir casi su vida entera en el

perfeccionamiento de ella. Logró revolucionar la vida cultural, política, social e incluso religiosa de una

buena parte de la humanidad.

Segunda edición

La llamada "Biblia de Gutenberg", impresa en 1455, es uno de los tesoros de la Biblioteca Nacional de

Austria y será digitalizada según informó la editorial austríaca Hollinek. El objetivo del proyecto es

conmemorar el siglo XXI de Gutenberg y facilitar el acceso a la herencia cultural europea utilizando

tecnología de punta tanto para la digitalización como para la reimpresión.

INVENSION DE LA IMPRENTA EN EL DESARROLLO DE LA HUMANIDAD

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El invento de la imprenta transformó la sociedad humana y abrió una nueva era al conservar el pensamiento

escrito y la imagen al difundirlos a la sociedad, así de sencillo.

La evolución ha sido notable y trascendente, los primeros impresos fueron realizados por Gutenberg, y la

historia narra que La Biblia no solamente fue el primer documento impreso, sino que fue el documento

impreso más perfecto. Le siguió la imprenta mecánica, como periódicos, folletos, revistas etc.

De ahí siguió la imprenta electrónica fotocopias, litografías etc.

Hasta llegar a la actual rama de la imprenta (por llamarla de algún nombre) que es la imprenta digital. Sigue

vigente su importancia fue, y seguirá siendo un pilar para la comunicación en la actualidad.

En el siglo XV se dieron dos innovaciones tecnológicas que revolucionaron la producción de libros en

Europa. Una fue el papel, cuya confección aprendieron los europeos de los pueblos musulmanes (que, a su

vez, lo habían aprendido de China). La otra fue los tipos de imprenta móviles de metal, que habían inventado

ellos mismos. Aunque varios países, como Francia, Italia y Holanda, se atribuyen este descubrimiento, por

lo general se coincide en que fue el alemán Johann Gutenberg (nacido en los últimos años del siglo XIV en

la ciudad de Mainz, cerca del Rin, en Alemania) quien inventó la imprenta basada en los tipos móviles de

metal, y publicó en 1456 el primer libro importante realizado con este sistema, la Biblia de Gutenberg.

Aunque es de señalar que con ese sistema, que agilizó la impresión, Gutenberg podía imprimir 40 páginas

de su Biblia de 42 líneas, y tardó tres años en terminarla. El ingenioso inventor lograba copias en una

aleación de plomo, antimonio y estaño que podían volverse a fundir cuantas veces fuera necesario.

BIOGRAFIAS

LEONARDO DA VINCI

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Leonardo nació en Anchiano, cerca de Vinci, Italia; antes de que se adoptaran las convenciones de nombres

actualmente vigentes en Europa, por lo que a su nombre de pila se añadió el de su padre (Ser Piero) y la

localidad de nacimiento siendo entonces "Leonardo di ser Piero da Vinci". Sin embargo, Leonardo

acostumbraba firmar sus trabajos como Leonardo o Io, Leonardo (yo Leonardo), es decir, sin emplear el

nombre de su padre, lo que induce a pensar que era hijo ilegítimo.

Leonardo creció con su padre en Florencia. A lo largo de su vida Leonardo se mantuvo como vegetariano

por razones éticas. Sus primeros bocetos eran de tal calidad que tan pronto como su padre los mostró al

pintor Andrea del Verrocchio este tomó al joven de catorce años como aprendiz. Posteriormente Leonardo

montó su propio taller como pintor independiente en Florencia.

En 1506 Leonardo se encuentra con el Conde Francesco Melzi, de quince años, hijo de un aristócrata de

Lombardía y que poseía una gran apostura. Luego de tempestuosas escenas de celos, Salai acepta un nuevo

arreglo en su relación con Leonardo y los tres llevan a cabo varias giras a través de Italia. Aunque Salai fue

siempre presentado como su discípulo, jamás produjo la más mínima obra. Melzi, de todos modos, se

convirtió en su discípulo y compañero de toda la vida.

Entre 1482 y 1499 trabajó para el duque de Milán Ludovico Sforza y mantuvo su propio taller, en el que

trabajaban varios aprendices. Setenta toneladas de bronce que habían sido reunidos para la realización de

la estatua de un caballo llamada "Gran Cavallo" se fundieron para fabricar armas para el Duque en un

intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de Carlos VIII de Francia en 1495.

Leonardo permaneció en Milán por un tiempo, hasta que una mañana se encontró con que arqueros

franceses estaban usando su modelo de arcilla a escala real para el "Gran Cavallo" como blanco de práctica

para el tiro. Abandonó entonces Milán, junto a Salai y su amigo Luca Pacioli (que era inventor y contador),

yendo a Mantua, mudándose de nuevo a los dos meses hacia Venecia y volviendo a Florencia a finales de

abril del 1500.

Desde 1513 a 1516 vivió en Roma, donde en ese momento trabajaban pintores como Rafael y Miguel

Ángel; no tuvo sin embargo mucho contacto con estos artistas. De todas maneras se cree que la presencia

de Leonardo fue de importancia capital para el cambio de sitio del "David", la obra maestra de Michel

Ángelo, quien al parecer estaba disgustado por ello.

En 1518 Salai abandonó a Leonardo y retornó a Milán, donde más adelante perecería en un duelo. El rey

llegó a convertirse en un amigo cercano del artista.

Falleció una semana antes de su 67 cumpleaños en Cloux, Francia, en 1519 en los brazos del rey Francisco.

De acuerdo a sus deseos, 60 mendigos siguieron su ataúd. Fue enterrado en la capilla de Saint-Hubert en el

castillo de Amboise. Melzi fue su principal heredero y albacea, pero Salai no fue olvidado: recibió la mitad

del viñedo de Leonardo.

Leonardo es bien conocido por su obra pictórica, entre la que destacan La Gioconda (actualmente en el

museo del Louvre de París) y La última cena. Sin embargo, hasta nuestros días sólo han llegado 70 pinturas

y ninguna de sus esculturas.

Leonardo era un pintor compulsivo que a menudo planeaba grandes obras pictóricas para abandonarlas sin

terminar. En 1481 se le encargó la decoración del altar La adoración de los Magos. Después de grandes

proyectos y numerosos bocetos, la obra fue abandonada sin terminar cuando Leonardo se trasladó a Milán.

El 3 de enero de 1496 ensayó una de sus máquinas para volar sin éxito.

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Leonardo nunca publicó o distribuyó los contenidos de sus manuscritos que permanecieron inéditos hasta

el siglo XIX cuando

Allí invirtió algunos años planeando y realizando modelos de la estatua de un monumental caballo de bronce

de 8 metros que iba a alzarse en Milán. A causa de la guerra con Francia, el proyecto nunca se llevó a cabo.

Por iniciativa privada, se construyó en 1999 en Nueva York una estatua construida según sus planos que

fue donada a la ciudad de Milán, donde se erigió.

De regreso a Florencia, recibió el encargo para la ejecución de un mural público junto con Miguel Ángel,

que fue el elegido para ornar la pared opuesta. Tras realizar una gran variedad de estudios para el proyecto,

abandonó la ciudad.

Sus detallados estudios de la anatomía, como por ejemplo el Hombre de Vitrubio, son quizá más

impresionantes que sus trabajos pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los

pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.

Sus elucubraciones sobre temas técnicos y científicos eran registrados por Leonardo con minuciosidad y en

ellos se combinaba perfectamente el arte con la ciencia para representar de la mejor manera posible la

materialización de sus ideas. Sin embargo, con cierto afán críptico, como si no quisiera desvelar del todo

sus descubrimientos, Leonardo, que era zurdo, realizaba sus escrituras reflejadas, escribiendo de izquierda

a derecha.

En 1502 Leonardo proyectó un puente de 240 m de luz que formaba parte de un proyecto de construcción

para el Sultán Bayaceto II de Constantinopla. La obra jamás se realizó, sin embargo, en 2001, la idea se

resucitó para la construcción de un puente en Noruega basado en el diseño de Leonardo.

Dotado de una aguda capacidad de observación, su aproximación a la ciencia nunca destacó por sus

explicaciones teóricas ni por recurrir a experimentos; en cambio, para comprender los fenómenos que le

interesaban los describía y dibujada hasta sus últimos detalles; planeando realizar una gran enciclopedia

basada en detallados dibujos de todo lo conocido.

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Sus notas contienen dibujos de numerosas innovaciones como diversas máquinas para volar, un helicóptero,

armas de fuego, tanques armados, un submarino y un dispositivo con engranajes que se cree era una

máquina para calcular.

MIGUEL ANGEL

Nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, cerca de Arezzo.

Hijo de Ludovico Buonarroti, oficial florentino al servicio de la familia Medici, que colocó a su hijo cuando

contaba 13 años de edad en el taller del pintor Doménico Ghirlandaio. Dos años más tarde se sintió atraído

por la escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas

antiguas de la colección de los Medici.

Conoció a los Medici más jóvenes, dos de los cuales llegaron a ser papas (León X y Clemente VII); y

también a humanistas como Marsilio Ficino y a poetas como Ángelo Policiano. Con 16 años, ya había

realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y los centauros y la Virgen de la

Escalera (ambas fechadas en 1489-1492, Casa Buonarroti, Florencia). Su mecenas, Lorenzo el Magnífico,

murió en 1492; dos años después abandonó Florencia. Durante una temporada se estableció en Bolonia,

donde esculpió entre 1494 y 1495 tres estatuas de mármol para el Arca de Santo Domingo en la iglesia del

mismo nombre. Después, viajó a Roma, donde estudió las ruinas y estatuas de la antigüedad clásica que

por entonces se estaban descubriendo.

Realizó su primera escultura a gran escala, el monumental Baco (1496-1498, Museo del Barguello,

Florencia) y talló la Piedad del Vaticano con veintitrés años. En esa misma época esculpió también la

Pietà (1498-1500) para San Pedro del Vaticano, que aún se conserva en su emplazamiento original y es la

única obra en la que aparece su firma. Su estilo de juventud viene marcado por la gigantesca (4,34 metros)

escultura en mármol del David (Academia, Florencia), realizada entre 1501 y 1504, tras su regreso a

Florencia.

Paralelamente a su trabajo como escultor, tuvo la oportunidad de demostrar su pericia como pintor al

encomendársele un fresco para el Salón de los Quinientos del Palazzo Vecchio, la Batalla de Cascina, frente

a otro encargado a Leonardo da Vinci sobre la Batalla de Anghiari. Ninguno de los dos artistas llevó a cabo

su cometido sólo se realizó un dibujo preparatorio sobre cartón a escala natural. En 1505 interrumpió su

trabajo en Florencia al ser llamado a Roma por el papa Julio II para realizar dos encargos. El más importante

de ellos fue la decoración al fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina, que le tuvo ocupado entre 1508 y

1512, 24 años antes de comenzar, en 1536, el Juicio Final. Pintando en una posición forzada, acostado de

espaldas al suelo sobre un elevado andamiaje, plasmó algunas de las más exquisitas imágenes de toda la

historia del arte. Sobre la bóveda de la capilla desarrolló nueve escenas del Libro del Génesis, comenzando

por la Separación de la luz y las tinieblas y prosiguiendo con Creación del Sol y la Luna, Creación de los

árboles y de las plantas, la Creación de Adán, Creación de Eva, El pecado original, El sacrificio de Noé, El

Diluvio Universal y por último La embriaguez de Noé. Enmarcando estas escenas principales que recorren

longitudinalmente todo el cuerpo central de la bóveda, se alternan imágenes de profetas y sibilas sobre

tronos de mármol, junto con otros temas del Antiguo Testamento y los antepasados de Cristo.

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Con anterioridad a la bóveda de la Sixtina, en 1505, recibió el encargo del papa Julio II de realizar su tumba.

Pensada para ser emplazada en la nueva Basílica de San Pedro, inició con gran entusiasmo este nuevo

desafío que incluía la talla de más de 40 figuras, pasando varios meses en las canteras de Carrara para

obtener el mármol necesario. Pudo terminar algunas de sus mejores esculturas con destino a la tumba de

Julio II, entre las que destaca el Moisés (c. 1515), figura central hoy conservado en la Iglesia de San Pedro

in Vinculis, Roma.

Como arquitecto no comenzó hasta 1519, cuando diseñó la fachada (no realizada) de la Iglesia de San

Lorenzo en Florencia, ciudad a la que había regresado tras su estancia en Roma. Durante la década de 1520

diseñó también la Biblioteca Laurenciana, anexa a la citada iglesia, aunque los trabajos no finalizaron hasta

varias décadas después. También emprendió -entre 1519 y 1534- el encargo de hacer las tumbas de los

Medici en la Sacristía Nueva de San Lorenzo.

Comenzó a trabajar en 1536 en el fresco del Juicio Final para decorar la pared situada tras el altar de la

Capilla Sixtina, dando por concluidos los trabajos en 1541. En 1538-1539 se iniciaron las obras de

remodelación de los edificios en torno a la Plaza del Capitolio (Campidoglio). El proyecto de ordenación

de la plaza diseñado por Miguel Ángel no se llevó a cabo hasta finales de la década de 1550 y no se remató

hasta el siglo XVII.

Su obra cumbre como arquitecto fue la Basílica de San Pedro. La dirección de las obras, iniciadas por

Donato Bramante y continuadas, entre otros, por Antonio da San gallo y Rafael, le fueron encomendadas

por el Papa en 1546. Siguiendo el esquema de Bramante, diseñó un templo de planta de cruz griega

coronado por una espaciosa y monumental cúpula sobre pechinas de 42 metros de diámetro.

Posteriormente, Carlo Maderno modificó la planta original y la transformó en una planta de cruz latina.

Michel Ángelo Buonarroti falleció en Roma el 18 de febrero de 1564.

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RAFAEL SANZIO

(Raffaello Santi o Sanzio; Urbino, actual Italia, 1483 - Roma, 1520) Pintor y arquitecto italiano. Sus obras

representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo equilibrado y sereno basado en la perfección

de la luz, la composición y la perspectiva.

Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas filosóficas de la

época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael contaba once años; para ganarse la vida, a los

diecisiete años trabajaba ya como artista independiente.

No se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo consideran

discípulo y otros socio o colaborador. Sea como fuere, lo cierto es que superó rápidamente a Perugino,

como se desprende de la comparación de sus Desposorios de la Virgen con los de este último. Desde 1504

hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo da

Vinci y Miguel Ángel.

De entre sus obras de este período (El sueño del caballero, Las tres Gracias), las más celebradas son sus

variaciones sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes sagrados, dotados de

cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están situados en un marco de paisajes sencillos y

tranquilos, intemporales. En estas telas, Rafael da muestras de su inigualable talento para traducir a un

lenguaje sencillo y asequible los temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la

característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en la Madona del gran duque, La bella

jardinera o La Madona del jilguero, entre otras obras.

En 1508, el papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano. Aunque contaba

sólo veinticinco años, era ya un pintor de enorme reputación. En las habitaciones de Julio II, conocidas en

la actualidad como Estancias del Vaticano, Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la

historia de la pintura.

Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó las figuras de la Teología, la Filosofía,

la Poesía y la Justicia en los cuatro medallones de la bóveda, para desarrollar de forma alegórica estos

mismos temas en cinco grandes composiciones sobre las paredes: El triunfo de la Eucaristía, La escuela

de Atenas, El Parnaso, Gregorio IX promulgando las Decretales y Triboniano remitiendo las pandectas a

Justiniano, estas dos últimas alusivas a la justicia. En un espacio de gran amplitud, organizado con un

perfecto sentido de la perspectiva, Rafael dispone una serie de grupos y figuras, con un absoluto equilibrio

de fuerzas y una sublime elegancia de líneas. No se puede pedir mayor rigor compositivo ni un uso más

magistral de la perspectiva lineal.

En la Estancia de Heliodoro, decorada de 1511 a 1514, Rafael desarrolló cuatro temas históricos,

acentuando en cada uno de ellos un rasgo plástico determinado: el claroscuro en La liberación de San

Pedro, la riqueza del colorido en la Misa de Bolsena, etc. En la estancia del Incendio del Burgo (1514-

1517) predomina ya la aportación de los discípulos sobre la del maestro, lo mismo que en la Estancia de

Constantino, donde sólo la concepción del conjunto corresponde a Rafael.

El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de otras obras, como los

frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina. A este período corresponden también numerosos

cuadros de la Virgen con el Niño, algo más solemne y menos cautivadora que los de la etapa florentina.

Los retratos romanos, en cambio, superan en veracidad y penetración psicológica a los florentinos. En

ambos casos, el dibujo es de una calidad inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma.

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DIEGO VELASQUEZ

Nació el 6 de junio de 1599 en Sevilla.

Hijo primogénito de Juan Rodríguez de Silva y Jerónima Velázquez.

Al cumplir los 12 años el pintor entró de aprendiz en el taller del que sería su futuro suegro, Francisco

Pacheco, pintor manierista. Durante su aprendizaje, aprendió el naturalismo tenebrista imperante en su

época, derivado del realismo italiano y del flamenco.

Sus primeras obras, realizadas entre los años 1617 y 1623, son bodegones, retratos y escenas religiosas.

Muchas tienen un marcado acento naturalista, como La comida (c. 1617, Museo del Ermitage, San

Petersburgo), bodegón que puede considerarse como la primera obra independiente del maestro. En el

Aguador de Sevilla (c. 1619-1620, Aspley House, Londres) los magistrales efectos de luz y sombra, así

como la directa observación del natural, llevan a relacionarlo inevitablemente con Caravaggio. Para sus

obras religiosas utilizó modelos extraídos de las calles de Sevilla. En la Adoración de los Magos (1619,

Museo del Prado, Madrid) las figuras bíblicas son retratos de su familia incluido su propio autorretrato.

Conoció a personalidades de su tiempo como al poeta Luis de Góngora y Argote (cuyo retrato, ejecutado

en el año 1622 se encuentra en el Museum of Fine Arts de Boston. En 1621 viaja a Madrid para conocer

las colecciones reales y en el 1623 regresa a la capital para pintar un retrato del rey Felipe IV (1623, Museo

del Prado) el monarca le nombró su pintor de cámara. Pinta también temas mitológicos como El triunfo de

Baco, popularmente llamado, Los borrachos (1628-1629, Museo del Prado).

En el año 1628 Petrus Paulus Rubens llegó a la corte de Madrid en misión diplomática y hace amistad con

Velázquez. En agosto de 1629 viaja a Génova y desde allí se dirigió a Milán, Venecia, Florencia y Roma;

regresó a España desde Nápoles en enero de 1631. Estudió de cerca el arte del renacimiento y de la pintura

italiana de su tiempo. Algunas de las obras realizadas durante sus viajes dan muestra de la asimilación de

estos estilos; un ejemplo representativo es su La túnica de José (1639, Monasterio de El Escorial, Madrid)

y La fragua de Vulcano (1630, Museo del Prado. De vuelta a España, Velázquez reanudó sus encargos

como retratista de corte.

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Hacia 1640 trabaja en los retratos de caza de la familia real para la Torre de la Parada. Pintó algunos cuadros

religiosos, como el Crucificado (c. 1632), La coronación de la Virgen (c. 1641) y San Antonio Abad y San

Pablo primer ermitaño (c. 1634), todos ellos en el Museo del Prado. En el año 1649 regresó de nuevo a

Italia para adquirir obras de arte para el rey. Durante su estancia en Roma (1649-1650) pintó el magnífico

retrato de Juan de Pareja (Metropolitan Museum of Art, Nueva York) así como el inquietante y profundo

retrato del Papa Inocencio X (Galería Doria-Pamphili, Roma). Al poco tiempo fue admitido como miembro

en la Academia de San Lucas de Roma. La Venus del espejo (National Gallery, Londres) data

probablemente de esta época.

Las obras más importantes de las dos últimas décadas de su vida son Las hilanderas o La fábula de

Aracne (1644-1648, Museo del Prado) composición sofisticada de compleja simbología mitológica, y una

de las obras maestras de la pintura española Las Meninas o La familia de Felipe IV (1656, Museo del

Prado), que constituye un imponente retrato de grupo de la familia real con el propio artista incluido en la

escena.

Poco antes de su muerte fue nombrado Caballero de Santiago. Velázquez fue un pintor poco prolífico, ya

que dedicó buena parte de su vida a su provechosa carrera cortesana, y sólo se le atribuyen entre 110 y 120

obras. Marcó el siglo XVII con su estilo naturalista, con su diestra diversidad de técnicas, con su empleo

de la luz y sus sutiles armonías de color. Son muchos quienes lo han considerado el mejor pintor ibérico de

la historia, y es quizás por ello digno que hubiera nacido y florecido con el siglo de oro español. Su

influencia sería inmensa y prolongada, pues incluso los impresionistas del siglo XIX encontrarían en sus

obras un ideal que estudiar y al cual aspirar.

Diego Velázquez murió en Madrid el 6 de agosto de 1660.

CARACTERISTICAS DEL RENACIMIENTO

Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal

versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León

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Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y

otros. En su mayoría eran arquitectos.

Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la

clasificación medieval de la pintura, escultura, estas serían artes “mecánicas” no liberales condicionalmente

las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como

la gramática, lógica y retórica y las más elevadas como aritmética, geometría, música y astronomía. La

importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghilberti que sostenía que

debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía,

perspectiva y “diseño teórico”.

Surge el individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente

conciencia de sí mismos que cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos

donde príncipes, nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía

como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron

ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.

Los artistas recibían encargos de príncipes, que actuaban como regentes del Estado. Estos encargos podían

llegar a convertirse en oportunidades de empleo fijo como Da Vinci en Milán. Este empleo tendrá dos

caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concadenada a obligaciones

de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.

Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer,

siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara mas esta

característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las

grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestro humanistas, encontrarían sus

alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de

mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes.

Los humanistas serían los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores

de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su

legado literario se reactivaría. Siendo Tetrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a

sus discípulos. Destacándose Colucio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se

encuentran los humanistas de la Filología Clásica, entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la

próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la

antigüedad humanista en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e

ideológicamente en lo practico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad.

En lo que se refiere a la arquitectura el Papa Nicolás V seria uno de los más grandes constrictores del

Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el

Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las

divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras

para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían el presente y los siglos venideros.

Con sus edificios recupero un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa

como nuevo Pontifez Máximum re contrayendo la iglesia de San Pedro con un mayores esplendor y porte

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clásico dándole la apariencia de un “monumento perpetuo” creado por la mano de dios siendo una prueba

eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de

la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la iglesia.

INFLUENCIAS EN LOS PINTORES (EL RENACIMIENTO)

El renacimiento, influencio a los pintores en gran medida, la principal idea que infundio el arte en este

movimiento, es la idea del hombre como medida de todas las cosas, además como arte esencialmente

cultural presupone en el artista una formación científica, es por esto que la mayoría de las obras de estos

artistas se fundamentan en el hombre o en artificios mecánicos, además intenta profundizar mucho más en

la estructura del hombre y trae al mundo inventos que hasta la época del renacimiento eran descabellados,

esto hace que estos artistas se eleven al más alto rango, además se retrocede a las ideas anteriores, es por

esto que el renacimiento es una nueva forma de entender el arte, las artes ya están controladas por la

burguesía, es aquí donde nace la idea del artista genial, por lo que se abandona definitivamente el

anonimato, el arte en el renacimiento exige una formación científica una gran capacidad de creación, se

inventa la perspectiva y se tienen en cuenta en cada obra los puntos matemáticos, además se pone mucha

atención en las proporciones, se descubre la arquitectura, hay que tener en cuenta que cada uno de los artista

une de las partes es decir de las herramientas y crea sublimes obras de arte, en algunos reaparece el retrato

y el desnudo, otros se establecen en el paisaje.

Se podría concluir que son muchos aspectos los que influencian al hombre; pero los principales son, la

antigüedad y su interpretación, el hombre, la naturaleza y la ciencia, es de tener en cuenta que las

matemáticas también tienen mucho que ver con todo este progreso, además la inspiración de acceder a la

verdad de la naturaleza, como en la antigüedad, no se orienta hacia el fenómeno causal, si no hacia la

penetración de la idea.