EL POP ART

“El arte pop es popular, efímero, fungible, de bajo coste, masivo, ingenioso, sexy, efectista, glamuroso y un gran negocio“ RICHARD HAMILTON

NACE EN INGLATERRA

1945: línea divisoria entre el desarrollo de la vanguardia artística y las múltiples tendencias postvanguardistas. Fuerte cambio en el panorama político y social: Trás la Segunda Guerra Mundial se produce la Guerra fría El mundo se divide en dos grandes bloques irreconciliables: comunista

y capitalista. Estados Unidos se confirma como la potencia económica más rica y

poderosa del mundo. La peculiar estructura de la sociedad americana marcará las pautas de comportamiento del llamado “mundo libre” occidental. El arte último florecerá precisamente en la sociedad más capitalista del planeta.

Disolución de los Imperios coloniales en África y Asia Reactualización de las ideas desarrolladas las vanguardias históricas de

la primera mitad del siglo XX. No se puede hablar de una total ruptura con las vanguardias históricas del periodo de entreguerras.

Los artistas radicalizarán aún más su postura con respecto a las técnicas, los materiales, los asuntos, llevando el fenómeno artístico hasta límites inusitados.

CONTEXTO HISTÓRICO

La radicalidad del arte contemporáneo ha provocado el divorcio entre el arte y el gran público. Proceso que se inició ya en el siglo XIX con el Impresionismo y que en el siglo XX y XXI se hace más evidente.

Dependencia de los artistas con el sistema de galería de arte / crítico, que creará su propio público y su propia clientela especializada. Estas galerías tienen unas reglas de mercado y, en algunos casos, se encuentran más cerca del marketing de empresa que de los valores propiamente artísticos. Estamos ahora muy lejos de la idea del artista comprometido política y socialmente.

El arte de las últimas tendencias será impulsado y dado a conocer por las nuevas instituciones creadas ex profeso: museos, galerías, ferias y exposiciones internacionales como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el de París o el de Roma, el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York, la exposición de la Biennale Internationale de Venecia o la Bienale de París. Actualmente, España se ha incorporado a este circuito internacional con la Exposición Internacional Arco.

CONTEXTO ARTÍSTICO

EVOLUCIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO DÉCADA DE LOS SESENTA

La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte

contemporáneo. Desaparece casi por completo el INFORMALISMO y se produce la

mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo.

El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón

que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían

dominado el siglo XX.

Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta:

NUEVA FIGURACIÓN que se entendió como una crisis de lo abstracto.

ABSTRACCIÓN NEOCONSTRUCTIVISTA frente a la falta de expresión de la abstracción

POP ART: refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos.

NUEVOS REALISMOS comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del

Informalismo.

Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a

Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el

que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad

que aflorará ya en la década siguiente.

INFORMALISMO1950-1960

POP ART

ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962

Segundas vanguardias: se va perdiendo la figuración, la referencia a lo real.

Avance hacia el arte más conceptual de la postmodernidad

NUEVA FIGURACIÓN

LUCIAN FREUD: “Interior en Paddington”,1951

ANDY WARHOL: “”Campbell Soup”, 1969

NUEVOS REALISMOS

YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961

ABSTRACCIÓN NEOCONSTRUCTIVISTA

BRIDGET RILEY: “Fiesta”

Tendencia artística que aparece a mediados de los años 50 (abreviatura de la expresión inglesa Popular Art) en relación con el arte popular promovido por la publicidad de masas. Más tarde se amplió su uso para abarcar la actividad de aquellos artistas que empleaban imágenes populares dentro de un contexto de “arte culto” o de “élite”. El movimiento SURGE EN INGLATERRA en la década de 1950, en un grupo de artistas y críticos entre los que destacaban RICHARD HAMILTON y EDWARD PAOLOZZI. Alcanzó su máximo desarrolló en Estados Unidos.El Arte Pop subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Supone la aceptación y la intelectualización por parte del artista de la realidad urbana y de la sociedad capitalista para trasladarla al arte y esto era algo revolucionario. No es un arte dirigido al pueblo, sino que toma de él, de sus intereses, la temática. Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes y ajeno totalmente a la naturaleza. El Pop crea obras de arte a partir de elementos preexistentes casi exclusivamente, donde la contribución del artista estaría más en los aspectos técnicos y en el hecho de establecer conexiones entre ellos, yuxtaponiéndolos, que en hacer objetos nuevos.

APARICIÓN DEL ARTE POP

El Pop Art se muestra como todo lo contrario al Informalismo, tomando recursos de todas partes (fotografía, cine, prensa, anuncios, cómic…) que se utilizaban como un nuevo lenguaje plástico de carácter figurativo en el que se huye de la pura subjetividad: no interesaba ya mostrar el interior del ser, sino lo que le rodeaba. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una nueva estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.

WARHOL, WESSELMAN O LIECHTENSTEIN: usan imágenes como elementos prestados de los medios de comunicación

OLDENBURG, JOHNS: utilizan los propios objetos de consumo

Este arte suponía una nueva indagación de un aspecto olvidado de la realidad que ponía de manifiesto de nuevo la constante búsqueda de los artistas contemporáneos para descubrir los innumerables valores del objeto, hilo conductor que une al Dadaísmo, al Surrealismo y al Pop Art.

LO BANAL PUEDE LLEGAR A SER SUBLIME

HAMILTON: “Pero, ¿ qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?”, 1956

LAS DOS OBRAS PIONERAS DEL POP ART 

PAOLOZZI: “I was a rich man's plaything”, 1947

¿POR QUÉEL POP ART…?

Un nuevo arte con un carácter comunicativo basado en

formas de lenguaje asimiladas.

(…) la moda servía a una variedad de fines. Uno de éstos, más importante, creo yo, que el de satisfacer el deseo por la novedad, o el aumentar la atracción sexual, fue el de actuar como un demarcador social. La moda comenzó en lo más alto de una estructura social por completo rígida, y poco a poco se fue filtrando hacia abajo, volviéndose menos elaborada y menos elegante a medida que lo hacía. La elaboración y el estilo fueron, de hecho, casi lo mismo y mucha gente no tenía tiempo ni dinero para ser elegante en absoluto. La máquina cambió esta situación. Produjo más dinero y más tiempo libre, y al mismo tiempo impuso una lógica propia. Si el hombre quería cosas hechas a máquina, era esencial, desde el punto de vista económico, que estas se hicieran en cantidad. Se descubrió que la moda suministraba un ímpetu poderoso donde la máquina estaba involucrada. Las cosas se pasaban de moda con mucha más rapidez que la que se gastaban. La moda aceleró el proceso de sustituir, y ayudó a mantener la industria en funcionamiento. Al mismo tiempo el proceso de democratización condujo al sentimiento a que todo el mundo tiene derecho a ser elegante si lo desea.” NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo”

“La cultura pop es el producto de la revolución industrial y la serie de revoluciones tecnológicas que le sucedieron. Si se unen la moda, la democracia y la máquina una parte de lo que resulta es la cultura pop.

…la incorporación de un mundo de objetos de consumo para transformarlos en imágenes con un sentido plástico sacudió al espectador de su rutina al colocar delante de él algo con un sentido y un significado diferente al que se le atribuía.

CUALIDADES ESTÉTICAS DE LOS OBJETOS COTIDIANOS

PAOLOZZI: “Dr Pepper”, 1948

“La actividad principal del artista pop, su justificación, no es tanto para producir obras de arte, como para dar sentido al entorno, aceptar la lógica de lo que le rodea en todo lo que hace. El descubrimiento de esta lógica, su forma y su dirección se convierte en la principal tarea del artista”. NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del fauvismo al posmodernismo”

.

Merce Cunningham Dance Company performing Minutiae

(1954) ante una obra de Rausenberg

Escapando de lo convencional

TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHENEl rock y los Beatles ponen la banda sonora al arte pop en Inglaterra. Las relaciones son

muy estrechas: PETER BLAKE hace la portada de “Sargent Pepper’s”

¿UN ARTE PROVOCADOR O…

“La conducta heterodoxa y provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería formaban parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles: la educación antiautoritaria, la emancipación de la mujer, las nuevas estructuras profesionales y la liberación de la sexualidad, se desarrollaron con arreglo a esta “revolución cultural”, se acabó el jugar al escondite con los pósters de chicas y las revistas dudosas (Playboy): Un nuevo sistema de comunicación surgió a través de los periódicos marginales, los fan-magazine, los pósters, los carteles, las octavillas, etc.” TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN

El pop art, sentenció el veterano dadaísta HANS RICHTER, no era un arte o un antiarte de protesta como el dadaísmo, sino el registro de la aceptación del artista y de la conformidad con el consumismo contemporáneo. Según Richter, el pop art no era más que un estilo derivativo, neodadaísta. Sin embargo, la crítica de las condiciones sociales y políticas existentes, o de intentar mejorarlas mediante la protesta artística, estaba muy lejos de las mentes de los protagonistas del pop art.Así, Richter criticó una falta de compromiso cuando se había pretendido que hubiera alguno.

…UN ARTE DEL CONFORMISMO?

"A mediados del siglo XX la primacía de la alta cultura sobre la popular comenzaba a disolverse de manera irreversible. La vanguardia histórica estaba dando paso a sonidos, imágenes y palabras que se originaban en la publicidad y en los mass-media.Los movimientos contraculturales de los 50 y 60, expresión de una rebeldía que pretendía superar los traumas de la II Guerra Mundial, encontraron su cauce en la música rock y pop, con sus ídolos de masas o en movimientos literarios como la generación “beat”; en el ámbito de las artes plásticas, supondrían el final del desarrollo lineal de la vanguardia con sus sucesivos “ismos”, encarnados en una generación de jóvenes norteamericanos y británicos que dieron lugar al nacimiento de un arte que plasmaba las imágenes de la sociedad en la que habían crecido: el arte pop.Los temas generales del Pop Art eran la subcultura, la cultura popular, las imágenes de los medios de comunicación, las nuevas tecnologías, el diseño, la industria de consumo y la interrelación de estas manifestaciones y su influencia sobre el hombre. Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.“ JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA)

La vida cotidiana se introduce en el arte

Artistas que, según el crítico, Alloway, “no sentían el disgusto por la cultura comercial que sentía la mayoría de los intelectuales, sino que la aceptaban como un hecho, la discutían en detalle y la consumían con entusiasmo”

EDUARDO PAOLOZZIRICHARD HAMILTONALLEN JONESPATRICK CAULDFIELDR.B. KITAY RICHARD SMITHPETER BLAKE HOCKNEY

VERTIENTE INGLESA

Aparece en los años sesenta mostrándose más extrema y radical en sus planteamientos.

VERTIENTE NORTEAMERICANA

ANDY WARHOLROY LICHTENSTEINGEORGE SEGALCLAES ONDERBURG JAMES ROSENQUIST TOM WESSELMANROBERT INDIANA

PRE-POP: RAUSCHENBERG JOHNS 

POP:

Las características pop se dan menos definidas y agresivas que en los otros artistas.

Lawrence Alloway bautizó esta tendencia artística como ARTE POP en 1955

ORIGEN: INGLATERRA Y ESTADOS UNIDOS

A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.

PATRICK CAULFIELD: "Cerámica", 1969

PAOLOZZI: I was a rich man's plaything, collage de 1947, que se ha considerado como la primera muestra real del Pop Art

PETER BLAKE'S Mystery TourKITAJ: "The Refugees", 1983

EL POP ART EN INGLATERRA

RICHARD SMITH: “Piano”, 1963

A. JONES: ”Secretarias”, 1972

HOCKNEY: “Two deck chairs “, 1972

RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1965

HACIA UN ARTE NUEVO

EDUARDO PAOLOZZIRICHARD HAMILTONALLEN JONESPATRICK CAULDFIELDR.B. KITAY RICHARD SMITHPETER BLAKEDAVID HOCKNEY

VERTIENTE INGLESA

Richard HamiltonRichard Smith

El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.

En 1952 un grupo de artistas, arquitectos e intelectuales forman el Independent Group, dentro del Institute of Contemporary Art de Londres, que se había creado en 1947 (por Herbert Read) como centro de debate. En el Independent Group estaban Hamilton y Paolozzi, los arquitectos Smithson, Banham (historiador del arte), el crítico Alloway y algunos músicos. En las discusiones se hablaba de los nuevos medios, las películas de serie B, la tecnología, la filosofía (Mc Luhan), la moda, la música pop y muy poco de arte (sólo una conferencia sobre expresionismo abstracto). Sin preocuparse de las diferencias entre las artes, la tecnología y las imágenes de la cultura popular.

INDEPENDENT GROUP

Algunos artistas se dieron cuenta de que la cultura cada vez estaba más influenciada por los medios de masas, las tecnologías y los mecanismos civilizadores, y que este proceso también estaba ligado a una apreciable consolidación del americanismo en Europa. Este cambio cultural ya no concordaba con el introvertido y expresivo estilo abstracto de la pasada generación de artistas en Inglaterra representada por Henry Moore, Graham Sutherland, Bárbara Hepworth, etc.Desde el debate, toman conciencia de que la cultura establecida hasta entonces ya no es válida e intentan buscar una postura alternativa para comprender los problemas de la cultura contemporánea y satisfacer las exigencias de la nueva época. Así Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi inician el Pop Art londinense.

INDEPENDENT GROUP

RICHARD HAMILTON

Pintor británico (Londres 1922-2011), uno de los iniciadores del Pop Art inglés. A los dieciséis años entra en la Royal Academy of Art para cursar estudios de pintura durante dos años. Entre 1941 y 1945 fue delineante técnico y en 1950 realiza su primera exposición en solitario presentando una colección de aguafuertes.Admirador de la obra de Duchamp. Con claras influencias de Cézanne, el cubismo, el futurismo y la cronofotografía, se interesa por el movimiento y la perspectiva. En 1952 imparte clases de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres. Fue uno de los fundadores del Independent Group. Se convirtió en el máximo impulsor en Inglaterra de este nuevo arte nacido de lo urbano, provocador, cargado de humor, colores chillones... En 2007 la ciudad de Fráncfort le otorgó el Premio Max Beckmann. Fue el diseñador de la cubierta del White Album de The Beatles, en 1968. Hamilton produjo series exquisitas de pinturas, dibujos e impresiones que abordan temas como el glamour, el consumismo, la mercancía y la cultura popular. En 2009 edita con Ferran Adrià el libro “Comer para pensar. Pensar para comer”, sobre el trabajo en el Bulli.

“El arte pop es popular, efímero, fungible, de bajo coste, masivo, ingenioso, sexy, efectista, glamuroso y un gran negocio"

Richard Hamilton en su estudio en Oxfordshire 2003

“Por lo general se acepta que la primera obra verdadera de pop art que se hizo en Gran Bretaña fue el collage de Richard Hamilton “Sencillamente, ¿qué hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?” Se realizó para una exposición llamada “Esto es el mañana”, celebrada en Whitechapel Art Gallery en 1956. El primer gran impacto que causó el pop en el público británico fue en la “Exposición de contemporáneos jóvenes” de 1961, que incluía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, Peter Phillips y R.B. Kitaj, y estableció a una generación entera de artistas jóvenes. En el mismo año Peter Blake hizo su primera exposición en el Institute of Contemporany Art.” NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del fauvismo al posmodernismo”

UNA OBRA PROGRAMÁTICA

La temática del Pop Art fue inagotable, iconografía que plasmó Hamilton en su “Pero, ¿qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?” a modo de muestrario para hacer una irónica llamada de atención hacia nuestra percepción limitada y atrofiada de la vida.

Esta obra es una auténtica declaración de principios para el Pop Art inglés. En ella se encuentran presentes muchos de los elementos de la cultura trivial americana: una chica de revista con la pantalla de una lámpara como sombrero, un culturista, un televisor, un emblema de la Ford, un cartel de cómic, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un enorme chupa-chups con la inscripción ‘pop', sostenido por el culturista a modo de raqueta de tenis, todo ello bajo un techo que no es más que el planeta Tierra.

Un icono de la cultura pop

HAMILTON: “Pero, ¿ qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan diferentes, tan atractivos?”, 1956

Parte de la instalación

“Fun house” de la muestra

“THIS IS TOMORROW”

en 1956“Fun House”, instalación en la que los visitantes de la exposición pueden deambular por salones y pasillos de una vivienda diseñada por Hamilton y decorada con carteles, revistas y otros elementos de época y con una proyección continua en cine de experimentos realizados por el artista.

RICHARD HAMILTON: “Para una verificación definitiva de las nuevas tendencias en la ropa y accesorios masculinos”, 1960

RICHARD HAMILTON: “ Adonis in Y fronts”, 1963

RICHARD HAMILTON: “Interior II”, 1964. Collage. 121 x 162 cm.

Marcel Duchamp: “El Gran vidrio”, reconstrucción de Richard Hamilton, 1965-66.

Para Hamilton fue decisiva la influencia de Duchamp. Este fue el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías y museos, y Hamilton le rindió su propio homenaje, primero, en 1960 con una versión tipográfica de la Caja verde, y más tarde con una réplica del Gran vidrio.

“Mi pensamiento se basa en la dicotomía. Siempre que hago una cosa necesito lo opuesto. Y esto es algo que veía muy claro en Duchamp. No es que él me lo enseñara, porque yo ya funcionaba así, pero él lo hacía de una manera tan sistemática que me tenía fascinado. En su obra hay una clara orientación mental, pero que está opuesta a una realización objetual muy clara y muy construida”. HAMILTON

RICHARD HAMILTON: “D’aprés Marcel Duchamp” 1971

RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim”, 1965 "Guggenheim" (cromo), 1970

Las creaciones de Richard Hamilton se inspiran en la industria del ocio y el consumo, en la publicidad y en la Historia del Arte. Siempre interesado por las nuevas tecnologías, trabaja a partir de imágenes emblemáticas que usa como espejos para criticar la saturación visual de la vida moderna. El suyo es un Pop culto y de hondo contenido intelectual.

RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1967RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim”, 1965-1966. Fibra de vidrio y celulosa,

Sobre estas obras, Hamilton comentó: "Fue un intento de reflejar toda la actividad de la arquitectura en los confines de un panel de cuatro metros cuadrados."

RICHARD HAMILTON: "The Solomon R. Guggenheim, 1965-66

Estas obras del Guggenheim tal vez son una ironía, entre el museo como obra de arte y la obra de arte como museo.

No se trata de un homenaje a Marilyn sino un mero análisis intuitivo de los mecanismos a los que debía su éxito.

RICHARD HAMILTON: “My Marilyn”, 1965

RICHARD HAMILTON: “Naturaleza muerta”,

1965

RICHARD HAMILTON: ”Trafalgar Square”, 1967Óleo y fotografía sobre tabla..

TEMAS: extraídos de la propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción: coches cromados, aviones, anuncios fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas, imágenes de bulevares, etc.

Este cartel es uno de un grupo de pinturas y grabados que Richard Hamilton hizo después de que su marchante de arte Robert Fraser y Mick Jagger, cantante de los Rolling Stones, fueron arrestados (y en el caso de Fraser finalmente encarcelado) por la posesión de drogas en 1967.

Richard Hamilton: “Durísimos 67”, Londres

Aparecen esposados el galerista Robert Fraser y Mick Jagger

RICHARD HAMILTON: “La Scala Milano”, 1989

RICHARD HAMILTON: “Hotel Europa”, 1984

El collage fue utilizado por los dadaístas y los cubistas como medio para explorar las diferencias entre la representación y la realidad. En manos de los artistas pop se desarrolló como arte de “assemblage”.

Richard Hamilton: “ ¿Qué es exactamente lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes? ”, 1992

“Remake” de una imagen Hamilton creó originalmente en 1956 como parte de su contribución a la exposición colectiva This is Tomorrow celebró en la Whitechapel Art Gallery de Londres.

RICHARD HAMILTON: « Hotel du Rhône », 2005

Richard Hamilton: “La obra maestra desconocida”.Una pintura en tres partes, 2011

“La obsesión por el desnudo femenino, compartida con su héroe artístico Marcel Duchamp, el estudio constante del espacio y la perspectiva que definen un cuadro, la influencia de los clásicos en su obra más tardía que plasma en imágenes generadas por ordenador…(…) Una mujer desnuda se recuesta en el lecho bajo la mirada de tres personajes masculinos, los pintores Poussin, Courbet y Tiziano, en ese tríptico que plasma una historia corta (con el mismo título) firmada por Honoré de Balzac en 1831: el relato sobre un pintor del siglo XVII que trabaja incansablemente en el retrato de una mujer en busca de la representación perfecta. La obra maestra desconocida de Hamilton también podría verse, a decir de los expertos, como su respuesta a otro cuadro de Marcel Duchamp -Étant donnés, el último realizado por el artista francés y hoy propiedad del Museo de Arte de Filadelfia-, a quien siempre consideró su gran maestro.”PATRICIA TUBELLA: “La última palabra del pope del pop”, elpais.com

Richard Hamilton: “La obra maestra desconocida”.Una pintura en tres partes - 1, 2011

Desde 1947 hasta 1949 trabajó en París, donde recibió la influencia del surrealismo. A su regreso a Gran Bretaña se implicó abiertamente en el desarrollo del Pop Art. Galardonado en 1960 con el premio al mejor escultor de la Bienal de Venecia y en 1967 con el de la Exposición Internacional Carnegie de Pintura y Escultura Contemporáneas, de Pittsburg (Estados Unidos), Paolozzi expuso en museos y galerías de todo el mundo. Paolozzi, que fue coronado “Escultor de su Majestad” por la Reina Isabel II y recibió el título de Sir, diseñó a comienzos de los ochenta los mosaicos para la estación del metro de Tottenham Court Road, en el centro de Londres.

EDUARDO PAOLOZZI

Escultor y pintor escocés (1924-2005), pionero del Pop Art en la década de 1950 y, desde entonces, uno de los artistas británicos más destacados. De padres italianos. Entre 1943 y 1947 estudió en las escuelas de arte de Edimburgo y de Slade. Uno de los fundadores del Independent Group, considerado como precursor del movimiento británico pop art de los 60.

PAOLOZZI: “I was a rich man's plaything”, 1947

En 1947, Eduardo Paolozzi expuso su obra esta obra considerada por buena parte de la crítica como la obra pionera del Pop Art británico, a su vez precedente del Pop Art norteamericano de los años 60. Se podría considerar como una obra fundacional.Sin embargo, Paolozzi no aceptó plenamente este calificativo. Para él era una obra más próxima al Surrealismo que al propio Pop Art. En cualquier caso, la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación de masas, el desenfado, el empleo de la yuxtaposición como recurso compositivo y la referencia a la técnica serigráfica, son evidentes motivos para mantener la relación entre esta obra y el Pop Art.

PAOLOZZI: “Screenprint on paper from bunk”, 1948 A New Brand of Brilliance 1972

PAOLOZZI: "Mr. Gromyko", 1950 “One Man Track Team”, 1953

“Wittgenstein in New York from As is When", 1965EDUARDO PAOLOZZI: “Wittgenstein, soldado”, 1965

LUDWIG WITTGENSTEIN, filósofo austriaco. Paolozzi utiliza textos del filósofo en sus cuadros

PAOLOZZI: “Fun Helped Them Fight”, 1972 PAOLOZZI: “2000 Horses and Turbo-powered”, 1972

PAOLOZZI: “ Despegue”, 1972PAOLOZZI: “Refreshing and Delicious”, 1972

Paolozzi diseñó la portada del álbum “Red Rose Speedway”

Mosaicos de la estación de metro de Tottenham Court Road. Comienzos de los 80

Estación de metro de Tottenham Court Road

PAOLOZZI: “El último ídolo”, 1963Aluminio y óleo. 244 x 61 x 11 cm.

PAOLOZZI: “Robot”, 1956. Bronce con pátina marrón de oro. 48,3 cms

Las esculturas de Eduardo Paolozzi nacen de su varia influencia que va desde el movimiento dadá y el surrealismo hasta la de sus propios compañeros de generación, precursores del pop art de los años sesenta, como Henry Moore.

Michelangelo's 'David', 1987

En la década de 1950 Paolozzi incorporó piezas de maquinaria a sus esculturas de bronce, mientras que su obra última incluye esculturas de formas abstractas gigantes, casi arquitectónicas, realizadas con extrañas combinaciones de formas mecanicistas. Entre estas composiciones cabe destacar la obra Río (1964-1965, Hunterian Art Gallery, Glasgow), una escultura de bronce fundida en seis secciones.

PAOLOZZI :“Río”, 1964-1965, Hunterian Art Gallery, Glasgow

PAOLOZZI: "Bring The Foot Of The Walk Home"

A principios de 1960 Paolozzi desarrolló una nueva forma de crear su escultura mediante la colaboración con empresas de ingeniería industrial y, finalmente, el uso de aluminio.

PAOLOZZI: “Vulcan”, 1998 - 1999

Esta impresionante escultura se encuentra en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno. Llega desde la planta baja hasta el techo de la primera planta. Vulcano se muestra balanceando el martillo y marchando a través de la Gran Sala. Es mitad hombre y mitad máquina - un monumento a la era moderna.

PAOLOZZI: “Isaac Newton" Biblioteca Nacional de Londres, 1995

ALLEN JONES

(Southampton, 1937) Pintor y escultor británico. Se formó en el Hornsey College y en el Royal College of Art de Londres. Junto con R. Hamilton, fue uno de los iniciadores del pop-art en su país. Su obra se caracteriza por la representación violenta e irónica de la realidad cotidiana. Posteriormente realizó muñecas de tamaño natural (Perfect Match, 1966-1967). Un tema dominante en su obra es todo lo relacionado con la sexualidad. Su trabajo en la década de los sesenta fue influenciado por la psicología y por la lectura de Nietzsche, Freud y Jung. En 1963 recibió el Premio de las Jeunes Artistes en la Bienal de París. En 1964 se trasladó a Nueva York y viajó por todo EE.UU.

ALLEN JONES: “Hombre-Mujer”, 1963 Óleo sobre lienzo. 213 x 183 cm.

ALLEN JONES: “Sun Plane”, 1963

Allen Jones: ”Englische Graphik”, 1964-1966

Es característico de su obra el empleo de una gama cromática muy rica y exaltada, en la que distintas tonalidades de rojo suelen contrastar con verdes, amarillos o azules. 

Las esculturas de Jones retratan la belleza femenina. Piernas, maniquíes de cuerpos esbeltos y pinturas de siluetas delgadas destacan en su trabajo. Usa el arte pop para dar énfasis en la sexualidad: examina el deseo representando provocativas y explícitas imágenes de mujeres vistas a través de la fantasía de la publicidad y la imaginación masculina. Realiza escenas que llaman la atención sobre un erotismo eufórico y vacío con rasgos sadistas

ALLEN JONES: “Table", 1969. Fibra de vidrio pintada, piel y cabello. Tamaño natural

La trayectoria de Jones sufrió un cambio bastante profundo tras su estancia en EE.UU., durante 1965 y 1967, cuando se instaló en Nueva York.Sus temas se hicieron mucho más explícitos y el erotismo que emana de sus figuras femeninas resulta extraordinariamente patente. A fines de los años sesenta llegó incluso a realizar muebles Girl-Table en los que una figura femenina tridimensional, casi desvestida y ejecutada en fibra de vidrio, servía de pie a una mesa de cristal. A esta línea responden también carácter fetichista realizadas ya a comienzos de la década siguiente.

ALLEN JONES: ”Abu Ghraib Coffee Table” resina moldeada, plexiglás.

ALLEN JONES: “Silla”, 1969. Fibra de vidrio pintada, cuero y cabello. Tamaño natural

ALLEN JONES: “Neither forget youre legs”, 1965

ALLEN JONES: “Perfect match”, 1966-67

“En tres piezas montadas formando un tríptico vertical, el pintor presenta la imagen del ideal femenino según el deseo masculino en una época de transformaciones sociales y culturales. Es, al mismo tiempo, la imagen de los miedos ocultos Cada parte ha sido agudizada para representar las preferencias o psicosis individuales, de forma que podrían funcionar en solitario. La boca, y los pechos en la parte superior, caderas, nalgas, pubis y muslos en la parte central; y pantorrillas, tobillos y pies en el campo inferior. Los contornos muy definidos y con sombreados, subrayan el cliché y lo intensifican hasta la frontera de lo caricaturesco.

El margen del cuadro está situado sobre la boca. El rostro no cuenta. Una minifalda enseña más de lo que esconde… “como en la vida real”. Las piernas se mueven en la técnica de reproducción del arte futurista, un guiño a Marcel Duchamp y su célebre “Desnudo bajando una escalera” (1912).(…) Los colores despliegan un estridente concierto visual muy a lo pop.. Sin duda, el pintor ha concebido una imagen fetiche moderna.” KLAUS HONNEF: “Pop Art”

ALLEN JONES: ”Secretarias”, 1972

ALLEN JONES: “III”, 1976ALLEN JONES: “VI”, 1976

ALLEN JONES: “Bañistas”, 2000

ALLEN JONES: “City Shadow I”, 2003

ALLEN JONES: “City Shadow II”, 2003

PETER BLAKE

Artista inglés, (Dafford, Inglaterra, 1932). Formado en el Gravesend Technical College and School of Art y en el Royal College of Art de Londres. Ejerció la docencia en St´s Martin School of Art de Londres, la Walthamstow School of Art y el Royal College of Art. Perteneciente a la primera generación de artistas pop británicos, trabajó en artes gráficas y siempre mostró interés por la imaginería popular. Sus primeras obras, a mediados de los cincuenta, tenían el aspecto de los cartelones de feria que se podían encontrar en cualquier sitio. Blake se anticipó a los artistas Pop de Nueva York como Lichtenstein, Oldenburg y Andy Warhol. A diferencia de otros artistas de vanguardia de la época, como Hamilton y Paolozzi, que utilizaban recortes de imágenes de anuncios y revistas, Blake presentaba imágenes ready-made sin alterar. En 1975, fundo la Hermandad de los Ruralistas un grupo de siete pintores establecidos en West Country, que trabajaban y veraneaban juntos, con un interés común en el espíritu campestre.

“Siempre emprendo mis obras como un viaje en el que explorarlo todo; como Alicia en el País de las Maravillas"

Ganador en 1961 del primer premio en la galería de John Moore en Liverpool, gracias a su obra: ”Autorretrato con chapas”, desde entonces da sobradas muestras de un tremendo potencial creativo que pronto tendrá una notable repercusión.

”Autorretrato con chapas”, 1961PETER BLAKE: “Autorretrato”, 1949.

PETER BLAKE: “Niños de las sesiones matinales de los cines ABC' 1960

En 1975, fundo la Hermandad de los Ruralistas un grupo de siete pintores establecidos en West Country, que trabajaban y veraneaban juntos, con un interés común en el espíritu campestre. Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas, como por ejemplo, Niños leyendo cómics

PETER BLAKE: “En el balcón” 1957

En esta obra, junto a un verdadero montón de símbolos alusivos a la época, Blake centra 27 variantes del tema del balcón, entre ellas el cuadro de Manet del mismo nombre y las fotografías de la familia real inglesa saludando desde el balcón de Buckingham place.

PETER BLAKE: “The Toy Shop”, 1962

En su obra conviven las imágenes de los escaparates de juguetes con los pins, tebeos y pósters de los ídolos de la música pop o del cine. Sus composiciones, aparentemente naifs, revelan una actitud muy poco ingenua y en ellas se reúnen elementos cuidadosamente seleccionados por su significación.

BLAKE: “Portrait of David Hockney in a Hollywood Spanish Interior”, 1965

Artista prolífico, amante de la cultura popular, maestro del collage y referente obligado del Pop Art, posee además un extraordinario talento para el diseño que le ha otorgado un privilegiado puesto en la icónica industria musical. Así, las múltiples carátulas elaboradas para reputadas bandas o artistas como Paul Weller, The Who, The Beach Boys o The Beatles y su mítico álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band en 1967 que le dio la fama. Realizó singles Live Aid en 1985.

Peter Blake lleva a los espectadores a un viaje mágico en un viejo autobús. Él se une a personajes que han poblado su imaginación en los últimos años - Elvis, Ian Dury, Howerd Frankie y Kim Novak, entre otros. Profundamente enraizado en esta generación, su iconografía es un paradigma del pop en el sentido más difundido del término -estrellas de cine, como Kim Novak, cantantes como Elvis, grupos musicales, pop y jazz, comics…-

Peter Blake's Mystery Tour

Peter Blake: “Tuesday Weld. Kim Novak

La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” están presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.

Peter Blake: “Bellas Bits Arte”

PETER BLAKE: “Martes”, 1961PETER BLAKE: “The Fine Art Bit”, 1959

La fascinación por el coleccionismo y la preocupación por lo “efímero de la vida moderna” están presentes en su obra de finales de la década de 1950, en la que empezó a hacer collages y composiciones con tarjetas postales, fotografías e ilustraciones de actores y artistas pop contemporáneos, combinándolas con formas geométricas de brillantes colores.

Portada del álbum Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band en actualizada en 2012 por el propio Blake

Fila arriba: Amy Winehouse, Sir Paul Smith, Ian Curtis, Nick Park, Robin Day, Lucienne Day, Francis Bacon, Roald Dahl, Alfred Hitchcock, Lucian Freud, Kate Moss, Paul Weller, Sir Tom Stoppard, Danny Boyle, Sir Mick Jagger, Fanny Craddock, Mr Chow.Segunda fila: Martin Parr, Sir Tim Berners-Lee, John Peel, Sir Terence Conran, Robyn Hitchcock, JRR Tolkien, JK Rowling, Anish Kapoor, Mary Quant, David Bailey, Harold Pinter, David Chipperfield.Tercera fila: Agatha Christie, Barbara Hulanicki, John Hurt, Gavin Turk, Rick Stein, Sir Paul McCartney, Sir Jonathan Ive, Tracey Emin, Sir David Lean, Peter Saville, Sir David Attenborough, Bridget Riley, Lord Norman Foster, Justin De Villeneuve, Sir Ridley Scott, Sir Terrence Rattigan, Vidal Sassoon, Richard Curtis, Mark Hix.Fila al medio: Delia Smith, David Bowie, Twiggy, Audrey Hepburn, Gary Oldman, Damien Hirst, Stella McCartney, Mary McCartney, Alexander McQueen, Dame Vivienne Westwood, Dame Helen Mirren, Grayson Perry, Wreckless Eric.Fila quinta: Richard Rogers, Noel Gallagher, Dame Shirley Bassey, Jeremy King, Chrissy Blake, Sir Peter Blake, Chris Corbin, Rose Blake, Sir Elton John, Daisy Blake, Ian Dury, David Hockney.Fila abajo: Monty Python foot, Elvis Costello, Liberty Blake (con bandera), Victoria Vintage, Eric Clapton.

LOS PERSONAJES

The Who. Face Dances, 1981.

Peter Blake, “No son modales para empezar, ya sabes, "dijo la Rosa”, 1970

SERIE ALICE

ALICIA A TRAVÉS DEL ESPEJO

Ilustraciones

PETER BLAKE: “Bueno, esto es grandioso!, dijo Alice”, 1970-1971PETER BLAKE: “…y los dos caballeros se sentaron y se miraron sin hablar”, 1970

PETER BLAKE: “Justo en ese momento, de alguna manera u otra, comenzó a funcionar” 1970

PETER BLAKE: “La Reunión” (o Have a Nice Day, el Sr. Hockney), 1981-1983

Reunión entre tres amigos, pintores británicos: Howard Hodgkin (izquierda), Peter Blake (centro) y David Hockney (derecha). La escena es una irónica reelaboración de Gustave Courbet de su obra "Bonjour Monsieur Courbet” que muestra al artista saludando a dos amigos.

Blake se traslada este encuentro en el entorno urbano de Venice Beach, California. A diferencia de la vestimenta formal de Gran Bretaña, Hockney está en su elemento, vestido de manera informal entre las vallas, palmeras y hermosas patinadores

GUSTAVE COURBET: "Bonjour Monsieur Courbet”, 1854

PETER BLAKE: “La Reunión” (o Have a Nice Day, el Sr. Hockney), 1981-1983

PETER BLAKE: “Beduína”, 1964-1965

“Después de asistir al comienzo del Pop Art, después de haber tomado parte en su desarrollo y haber estado un poco a la cabeza del movimiento, me apresuro a añadir que he hecho una inversión perfecta, he vuelto a algo que es más o menos académico”. PETER BLAKE

PETER BLAKE: “Tarzán, Jane, niño y chita”, 1966-1975PETER BLAKE: “Muchacha en un campo de la amapola”, 1974

PETER BLAKE: “Kate”, 2006. Acuarela

“An Alphabet” de 2007, es una muestra de 26 serigrafías y muestra la fascinación de Sir Peter Blake con letras, fuentes y tipografía

PETER BLAKE: “Kate”, 2013

PETER BLAKE: “Río Támesis-Regatta”, 2012. Serigrafía

“Dylan Thomas, Kim Novak & James Joyce in New York.” Digital lenticular

"And when you think of all those babies she’s got". Una de las secuencias oníricas de la obra de Dylan Thomas según la interpretación de Peter Blake. 2013

Peter Blake recrea a Dylan Thomas. Peter Blake presenta 170 ilustraciones sobre “Bajo el bosque lácteo”, la pieza de radioteatro del escritor galés Dylan Thomas, de cuyo nacimiento se cumplen cien años en 2014.

Rosie Probert. Rosie Probert, una de las protagonistas de la obra de Dylan Thomas, interpretada por el artista Peter Blake

"Mother is making Welshcakes in the snow". El trabajo de Peter Blake para ilustrar la obra de Dylan Thomas empezó en 1986

"The dead come out in their Sunday best". Ilustración de Peter Blake

PATRICK CAULFIELD

Pintor y grabador Inglés conocido por sus cuadros de arte pop. Patrick Caulfield estudió en la Chelsea School of Art de la década de 1950, y en el Royal College of Art desde 1960 hasta 1963, lugar en el que su obra quedó vinculada a la generación del pop art británico Entre sus compañeros de clase estaban David Hockney y RB Kitaj.Caulfield nunca se sintió cómodo en ese grupo, aunque compartía el interés de estos artistas por la imaginería banal y el kitsch comercial que relanzaba la cultura popular. Él se consideraba un pintor clásico de rigurosa normativa a semejanza del pintor que más admiraba, Juan Gris. Desde mediados de los años 1970 comenzó a incorporar elementos realistas en su trabajo.

Esta pintura que es una transcripción de un cuadro de Delacroix, retrotrae al espectador a la destrucción total de la gran tradición clásica, pero lo hace de un modo indirecto, a través de un velo romántico, uniendo su sentimiento de pérdida con una dosis muy contemporánea de despreocupación.

Patrick Caulfield y Delacroix, Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi 1826 y 1963

“El cubista clásico Juan Gris no comprende el mundo pop y los artistas pop no comprenden el mundo formalizado y cubista. Mediante la reducción de colores y las líneas a los hábitos representativos del mundo cotidiano, Caulfield retrata a un artista que, utilizando los instrumentos de la composición abstracta, precisamente ha intentado liberar al arte de estos elementos banales.” TILMAN OSTERWOLD

PATRICK CAULFIELD: “ The Letter”, 1967

PATRICK CAULFIELD: "Cerámica", 1969

Los objetos de cerámica en esta pintura se han representado desde diferentes puntos de vista en función de su situación en la composición general. Los que están en la parte inferior de la imagen están pintados como si se ve desde un punto de vista elevado, los que están cerca del centro parecen ser vistos desde el nivel del ojo y aquellos hacia la parte superior del lienzo se muestran desde abajo. Este dispositivo hace hincapié en el efecto global de la apilamiento de un gran número de objetos similares. Los contornos negros y colores fuertes son características de gran parte de la obra de Caulfield. El artista ha escrito de esta pintura que "fue una excusa para utilizar un montón de colores “.

Caulfield realiza pinturas figurativas interpretando objetos sencillos.Normalmente utiliza tintas planas atravesadas por simples líneas. Algunas de sus obras están dominadas por una sola tonalidad.

PATRICK CAULFIELD: “Bathroom Mirror”, 1968

PATRICK CAULFIELD: “ Interior: Morning”, 1971

PATRICK CAULFIELD: “Interior: Night”, 1971

“Los cuadros de Caulfield, parecidos a ilustraciones, muestran que el Pop Art fue el último en poner fin a las esperanzas de un desarrollo artístico convincente y vanguardista. Las antiguas conquistas y modas artísticas son arrastradas por las exigencias del presente. El Pop Art abandona el desarrollo tradicional del arte y toma el camino del autoanálisis de un presente trivial percibido de una forma consciente.” TILMAN OSTERWOLD

PATRICK CAULFIELD: « Les Demoiselles d'Avignon vues de derrière », 1999

Esta serigrafía es un juego de la famosa obra de Picasso que representa a las prostitutas, Les Demoiselles d'Avignon, que marcó el inicio del cubismo. Caulfield ha revertido la imagen de Picasso para que en lugar de ver a las mujeres de frente, se vea por la espalda. La reversión de esta imagen es a la vez un juego de palabras visual en el proceso de impresión, el cual invierte el diseño original y un juego de palabras verbal en el derrière palabra francesa que significa extremo posterior.

R.B. KITAJ

(EE.UU, 1932-2007) RB Kitaj estudió en Londres en el RCA con un influyente grupo de estudiantes entre ellos David Hockney. Vive y trabaja en Los Angeles.Desde 1970, sus pinturas, dibujos y grabados se han concentrado en la forma humana. Basándose en su amplia lectura y la preocupación por la historia y la identidad judía, sus obras han sido descritas como "alegórico y descriptiva, tradicional y completamente modernista". Su importancia ha sido reconocida en tres exposiciones retrospectivas internacionales: • Ohio, EE.UU. 1951-1952 • Academia de Bellas Artes de Viena 1957-

1959 • Escuela Ruskin de Dibujo, Oxford 1959-61

Royal College of Art de Londres.

En 1962 comenzaría a visitar España durante largas temporadas, sobre todo Cataluña y más concretamente el pueblo de Sant Feliu dónde en 1972 compró una casa, de manera que viajaría de forma intermitente a lo largo de la década siguiente.

“Sus obras tienen vínculos con el pasado a través de una sorprendente variedad de referencias (Van Gogh, Giorgione, Miguel Ángel, Cezanne, Goya, Bacon, y Degas…); a la literatura y la filosofía (Kafka, Ramón Lull, Erasmus, Nietzsche); a los acontecimientos notables (el Holocausto, el asesinato de John Kennedy, el auge del fascismo); a los paisajes (de Londres en las orillas del lago Erie, a Cataluña, al puerto griego de El Pireo).

Estas no son conexiones triviales, forjadas por el bien de un tradicionalismo vacío o al servicio de un sesgo conservador; más bien, nos permiten saber quiénes somos en el aquí y ahora, como individuos y como miembros de un todo mayor.” (política). GINA MARANTO: “RB Kitaj y el arte de la memoria”

“La lucha del pueblo español por su libertad” Del conjunto "En nuestro tiempo“, 1969

"El espíritu del ghetto"

R.B. KITAJ: “El ascenso del fascismo”, 1975-78

R.B. KITAJ: “¿Conoce usted la tierra, donde crecen los limoneros?”, 1962

Kitaj trasladará su reflexión sobre la Guerra Civil a Londres. Este mismo año ejecutará la emblemática Kennst Du das Land?, que representa a un grupo de soldados sumergidos en una especie de mar nevado, donde indaga sobre las terribles consecuencias del conflicto bélico para ambos bandos.

R.B. KITAJ: “Desmontaje de la tienda roja”, 1963

R.B. KITAJ: “Synchromy con FB” 1968-1969R.B. KITAJ: “La Pandilla de Ohio”, 1964

R.B. KITAJ: “Juan de la Cruz”, 1967

R.B. KITAJ: "El otoño del centro de París", 1972-73

Muchas de las obras tempranas de Kitay, se apoyan en las yuxtaposiciones sorprendentes del collage -con marcada discordancia en la inclusión de elementos-, con el propósito de producir un arte que exprese sin adornos visuales los vagabundeos de la mente humana. Otoño en el centro de París. A la manera de Walter Benjamín. (1972-1973) es quizás la primera materialización pictórica de sus preocupaciones a partir de los años setenta: temas relacionados con el exilio y la identidad y versiones emotivas de acontecimientos de la historia moderna, como el Fascismo y Holocausto.

R.B. KITAY: "Si no, no", 1975-1976

R.B. KITAY: " Retrato de Walter Lippman", 1975-1976

R.B. KITAY: "Esmirna griega (Nikos)", 1976-1977

R.B. KITAY: "La hispanista” (Nissa Torrents)

R.B. KITAY:“El orientalista”

La hispanista (Nissa Torrents que ejerció como profesora de literatura y cine latinoamericano en el University Collage de Londres) representa el compromiso de Kitaj con España. Pertenece a una serie de retratos de una sola figura, todos realizados sobre lienzos de las mismas dimensiones alargadas, que muestra a personajes tanto reales como imaginarios, que para Kitaj encarnaban una idea de exilio o desplazamiento. Este retrato se puede considerar como el fin de los temas españoles dentro de la pintura de Kitaj. Ya que a partir de 1980, tras su primera visita a Israel, decidió buscar su propia identidad dentro del judaísmo y no a través de otras culturas.

“Marynka Smoking” 1980

En 1974, impresionado por la obra de Edgar Degas, adopta el pastel como técnica para una serie de estudios del cuerpo humano del natural, que aportan a su producción una sensualidad nueva y un claro erotismo.

R.B KITAJ:“Mary An”, 1980

R.B.KITAJ: “Father reading Tom Sawyer to his son”, 1994

R.B. KITAY: "Baseball", 1983-1984

R.B. KITAJ: “Apotheosis of Groundlessness”, 1964

R.B. KITAJ: “El hombre de los bosques y el gato de las montañas”, 1973

R. B. KITAJ: “The Architects”, 1981

"Este retrato de mi amigo Nikos Stangos

inspirado en su compatriota el poeta

griego Kavafis y en sus descripciones

sobre su paseo diario por los burdeles del

puerto de Alejandría. Yo acababa de volver

a Londres de mi único viaje a Grecia, que duró muy pocos días, y entonces él

posó para mí en esa actitud de paseante.

Le conté a Stangos mi extraño y no

consumado vagar por el puerto de El Pireo, imitando a Kavafis.

Por tanto el cuadro se refiere a los dos

poetas y a mí mismo".

R. B. KITAJ“El griego de Esmirna”, 1976-77

R.B. KITAY: "Cecil Court, Londres WC2 (Los Refugiados)", 1983-1984

R.B. KITAY:“El Roble”, 1991

R.B. KITAY: “Greenwich Village”, 1990-93

Autorretrato, 2006

RBK, Edad 73, 2006

RICHARD SMITHPintor y director de cine británico nacido en Lechworth (Herts) el 27 de octubre de 1931. Comenzó sus estudios de arte en la Escuela de Luton, en Londres. Tras el servicio militar en las Fuerzas Aéreas, Smith retomó sus estudios de pintura en 1952 y en 1954 amplió éstos en la Escuela de Arte de St. Alban, donde ya manifestó su interés por la publicidad, el diseño comercial y las teorías sobre los medios de masas elaboradas por esos años por Marshall McLuhan. Tras su paso por esta institución, Smith se matriculó en el Real Colegio de Arte de Londres. Allí compartió clases de pintura con otros representativos pintores del Pop Art británico, como Joe Tilson y Peter Blake. Con ellos expuso en la muestra celebrada en las galerías RBA que se celebró en 1954 y que llevó por título "Jóvenes contemporáneos", exposición que presentó los trabajos de una serie de jóvenes artistas del Reino Unido que tenían como nexo común su interés por el papel de los medios de masas y la sociedad de consumo en el desarrollo del individuo. En 1957 realizó un breve viaje a Italia y a Estados Unidos e inició su labor como docente en el Colegio de Arte Hammersmith de Londres.

Su obra ha sido premiada en importantes certámenes de arte internacionales como la Bienal de Venecia (1966) o la Bienal de Sao Paulo (1967), lo que contribuyó a su nombramiento como caballero de la Orden del Imperio Británico en 1972. Desde 1976, reside y trabaja en Nueva York.

Sus primeras obras revelan la influencia del Expresionismo Abstracto, especialmente Rothko, cuya obra conoció en la Tate Gallery de Londres en 1956.La impronta de la escuela norteamericana se aprecia en su gusto por los formatos desmesurados y su tendencia a la abstracción. Lo que acerca su obra al Pop Art es su interés por el tema e imágenes que representa en ella: publicidad, revistas, productos de consumo.Realizó su primera exposición individual en la Green Gallery de Nueva York en 1961. Presentó lienzos de gran formato en los que el artista presentaba objetos banales, pero demostrando una preferencia hacia la abstracción RICHARD SMITH: “Marilyn Art”, 1959

RICHARD SMITH: "Panatella”, 1961

RICHARD SMITH: “PM Zoom”, 1963

RICHARD SMITH: “Papel de regalo”, 1963

RICHARD SMITH: "Piano“, 1963

RICHARD SMITH: “A Whole Year and Half a Day IX”, 1966

“Sin título”, 1964

“PTO Apollinaire” 1968

RICHARD SMITH: “Sin título”, 1971-72

RICHARD SMITH: “Small Blue”, 1977

RICHARD SMITH: “Small Yellow”, 1977

DAVID HOCKNEY

Artista inglés (1937) afincado en Los Ángeles. Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del s. XX. Empezó a pintar en el Royal College de Londres, adonde llegó en 1959 y donde sus obras empezaron a ser conocidas entre crítica y público. En 1964 se instaló en California, atraído por el ambiente efervescente de Los Ángeles. Allí realizó buena parte de las obras que le han hecho famoso en todo el mundo, de carácter marcadamente naturalista y realista, como sus famosas piscinas californianas. Fue profesor en las universidades de Iowa, Colorado y California, y a fines de los sesenta empezó a experimentar con la fotografía. Entre 1973 y 1975 residió en París, donde diseñó escenografías, experimentó con nuevas técnicas de grabados y, tras una década utilizando pintura acrílica, retomó el óleo. En los ochenta, utilizó la técnica del fotocollage y volvió a la pintura, y en los noventa y hasta la actualidad ha seguido experimentando con las nuevas tecnologías, especialmente con el iPhone y el iPad, instrumentos que ha incorporado a su trabajo como nuevos y revolucionarios medios de expresión.

El artista pop más importante de la segunda generación, aunque él mismo se considera situado en la periferia del movimiento. Sus obras de la década de 1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura popular.

HOCKNEY: "Hombre en un museo", 1962

Hockney: "Rocky mountains and Tired Indians", 1964

Hockney: "Hombre duchándose en Beverly-Hills", 1964

Hockney: "Olympic Blvd", 1964

DAVID HOCKNEY: "Retrato rodeado de artefactos artísticos", 1965

Hockney: “Piscina en Holliwood", 1964

DAVID HOCKNEY: “Ama de casa de Beverly Hills”, 1966

Hockney: “Sunbather", 1966

“La apariencia del agua de la piscina puede ser controlada, incluso su color puede ser elegido por el hombre y sus ritmos danzantes reflejan no solo el cielo sino, gracias a su transparencia, la profundidad del agua misma” DAVID HOCKNEY

Hockney: “Sunbather", 1966

DAVID HOCKNEY: “Nick Wilder”, 1966

DAVID HOCKNEY: “Una gran salpicadura”, 1966

“El tema de agua propicia un cambio drástico en su carrera, que evolucionará de una modernidad afectada en sus inicios a dominios más fríos. La pintura al óleo, material demasiado exigente, se convierte en este preciso momento en una traba para la mano rápida, que pide grandes superficies geométricas de pocos tonos y colores vivos según dicta la realidad que va a ser pintada…

HOCKNEY: " A Bigger splash", 1967

… La pintura acrílica… seca mucho más rápido, permite menos sutilezas, pero se deja extender mansamente en superficies homogéneas como las que necesita Hockney, como las de ahí fuera. Viendo las fotos que ya por estas fechas, toma con su Polaroid, Hockney parece decirse a sí mismo “¡no toques nada!”. California es suficientemente atractiva por sí misma.(…) Hockney se zambulle así a placer en su tema favorito de estos años…FRANCISCO J.R. CHAPARRO (DESCUBRIR EL ARTE, nº 126)

DAVID HOCKNEY: “Peter getting out of Nick's pool”, 1966

En la terraza de una mansión brilla el agua de una piscina. Un hombre se lanza al agua en la quietud de un ambiente relajado. Todo conduce al placer de los sentidos y el goce vital. Esta es la esencia de la pintura de Hockney que le hizo internacionalmente conocido en la década de los sesenta. El uso de colores intensos y planos junto al dominio de la composición dan a su obra la brillantez de las mejores producciones pop.

“Me apasiona la idea de pintar algo que

dura dos segundos” HOCKNEY

DAVID HOCKNEY: “Fred and Marcia weisman”, 1968

DAVID HOCKNEY: “Retrato de artista ONU”, 1971

HOCKNEY: " A Lawn Being Sprinkled", 1967

DAVID HOCKNEY: “Christopher Isherwood y Don Bachardy”, 1968

DAVID HOCKNEY: “Sr y Sra Clark y Percy ”, 1970

DAVID HOCKNEY: “Cartel olímpico para los Juegos de Munich”, 1972

DAVID HOCKNEY: “Beach Umbrella”, 1971

DAVID HOCKNEY: "Dos sillas“, 1972

DAVID HOCKNEY: “Mis padres”, 1977

DAVID HOCKNEY: “Modelo con Autorretrato Inacabado”, 1977

DAVID HOCKNEY: “Nichols Canyon”, 1980

“Yo persigo lo que siento. Esencialmente, amo al mundo, creo que es bello. Pienso que el proceso de mirar el mundo es bello y si puedo indicárselo a la gente a través de mi trabajo, lo hago; si falta algo, que así sea, pero es noble perseguir lo que uno siente.“ DAVID HOCKNEY

David Hockney: ” Three Chairs with a Section of a Picasso Mural”, 1998

"Sin la reproducción gráfica", dice, "no sabríamos mucho de pintura y, por otro lado, las técnicas de reproducción no son tan mecánicas como nos han hecho creer; el artista puede humanizar esas técnicas y mejorarlas a través del amor y el entusiasmo por la divulgación de la imagen, que ha generado algunas de las grandes revoluciones plásticas de nuestro tiempo, pero esos cambios son sutiles, de percepción y generalización lenta. ” DAVID HOCKNEY

DAVID HOCKNEY: “La llegada de la primavera en WOLDGATE, EAST YORKSHIRE”, 2011

“Hockney regresó a Inglaterra a principios de 2002. Tras más de 20 años viviendo en Los Ángeles, se sumergió de lleno en una húmeda primavera londinense cuando Lucian Freud le pidió que posara para él. Fue entonces, al atravesar por las mañanas Holland Park para acudir al estudio de Freud, cuando se dio cuenta de que echaba de menos la lluvia y observar cómo florecen los campos, los árboles. La evolución del paisaje a través de los largos inviernos y veranos y los cortos otoños y primaveras.” JULIA LUZÁN. EL PAÍS

"Etiquetado inicialmente como artista pop, Hockney se vincula en la actualidad a la Escuela de Londres, concepto que empleó por primera vez, a mediados de los años setenta el pintor Kitaj para describir el notable abanico de pintura figurativa que había presidido la escena londinense desde finales de los años cuarenta, a pesar del dominio internacional de la abstracción. Sin embargo, ninguna de estas clasificaciones le hace justicia. Ni siquiera en los años sesenta, Hockney se sintió cómodo con la etiqueta de artista pop. Sus preocupaciones eran excesivamente personales y su enfoque demasiado idiosincrásico para encajar en ella. Y nunca demostró sentir la sana preocupación por el sudor y la materia física que caracteriza la obra de muchos pintores de la Escuela de Londres... Hockney y Kitaj tendieron a dar un enfoque gráfico a sus cuadros y se influyeron mutuamente durante un tiempo" JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna"

A pesar de la importancia del Pop Art, en realidad nunca llegó a ser una tendencia exclusiva ni hegemónica capaz de desplazar a otros intentos de renovación, pues de hecho fuera de Inglaterra y Estados Unidos su peso fue muy limitado. Frente al Informalismo hubo otras propuestas de renovación a partir de la figuración que daría lugar a un panorama disperso de tendencias habitual en el arte posterior.

A MODO DE CONCLUSIÓN

El movimiento pop alcanzó una popularidad global sin precedentes y estableció las bases de un nuevo ejercicio de la profesión artística y de su reputación social, una nueva relación entre vanguardia y público y una radical transformación del espacio artístico que pasa a ser un lugar, todavía desquiciado entre la creación, el éxito social y el refugio financiero. ALBERTO CORAZÓN: Cuando la galería tomó el poder. EL PAÍS, 7-VI-2014

“Siempre he creído que los grandes artistas son aquellos que osan dar derecho de hermosura a cosas tan naturales que, después obligan a decir a quien las ve:

“¿Cómo no había yo comprendido hasta ahora que era tan hermoso…?"

ANDRÉ GIDE

FUENTEShttp://www.arteseleccion.com/maestros-es/segal-george-30http://www.picassomio.es/george-segal.html http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.htmlhttp://www.thedranggallery.com/downloads/Blakecatalogue.pdf http://www.thedranggallery.com/index.php/artists/sir-peter-blakehttp://www.20minutos.es/fotos/artes/peter-blake-recrea-a-dylan-thomas-10012/?formato=mosaico#xtor=AD-15&xts=467263http://www.disturbis.esteticauab.org/DisturbisII/Indice_13_files/Kitaj,otra%20vida%20en%20Sant%20Feliu.pdf

TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. Edit. Taschen NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo” JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA) PATRICIA TUBELLA: “La última palabra del pope del pop”, elpais.com KLAUS HONNEF: “Pop Art”. TaschenGINA MARANTO: “RB Kitaj y el arte de la memoria” FRANCISCO J.R. CHAPARRO (DESCUBRIR EL ARTE, nº 126) JON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna“ Edit. ElectaRUHRBERG, SCHNECKENBURGER, FRICKE, HONNEF: “Arte del siglo XX”. Edit. Taschen WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?...Edit. Taurus FLAMINIO GALDONI: “ART. Todos los movimientos del siglo XX” Edit. SkiraSTEPHEN FARTHING: “ARTE. TODA LA HISTORIA”. Edit. Blume