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EXPRESIONISMOEXPRESIONISMO
HISTORIA DEL
DISEÑO
MAGISTER
ANGELA CAMARGO
AMADO
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fovis
mo nombre masculino
nombre masculinoMovimiento pictórico
Movimiento pictórico caracterizado por el
caracterizado por el empleo del color puro
empleo del color puro que surgió en París a
que surgió en París a principios del siglo xx.
principios del siglo xx.
El Fauvismo.
El fovismo, también conocido como
fauvismo, en francés fauvisme, (1904-
1908) fue un movimiento pictórico francés
caracterizado por un empleo provocativo
del color. Su nombre procede del
calificativo fauve, fiera en español, dado
por el crítico de arte Louis Vauxcelles al
conjunto de obras presentadas en el Salón
de Otoño de París de 1905.
El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.
CARACTERISTICAS DEL FAUVISMO
SALON DE OTOÑO
El expresionismo siempre ha
sido considerado como un fenómeno teutónico y nórdico,
pero su aparición en la pintura
moderna es el resultado de una
liberación del color y de la forma que tuvo lugar en Francia
y que culminó en el estilo conocido como el fauvismo.
En 1906 el grupo liderado por Henri Matisse
(1869 – 1954) expuso en el Salon de los
Independientes. Es en esta exposicion donde
el critico de arte Louis Wauxcelles los
describió como “fauves” (bestias salvajes).
Este grupo tuvo una breve existencia, la
mayoría de sus miembros pasaron a otros
estilos. El fauvismo represento el nacimiento
de la escuela de Paris y compartió la
responsabilidad de crear un arte del siglo
XX.
HENRY MATIZ
Autorretrato con suéter de marinero
MADAME MATISSE
MUJER DE LA RAYA VERDE
Henry Matisse, desde la época de 1906 comenzaría a producir Henry Matisse, desde la época de 1906 comenzaría a producir sus obras más espectaculares, con una evolución continua del sus obras más espectaculares, con una evolución continua del
color y su emancipación de las convenciones perceptivas.color y su emancipación de las convenciones perceptivas.
PAUL GAUGUIN
La primera exposición retrospectiva de las obras de Vincent Van Gogh en 1901 tuvo un impacto en la formación del grupo por el fervor de su color y la fuerza emotiva de sus formas.
Otra influencia importante seria Paul Gauguin, que en 1889 se estaba acercando a un estilo que combinaría la espontaneidad, el misticismo y un completo desdén por la fidelidad a la naturaleza” con el uso de colores no descriptivos.
Hay una total independencia del artista respecto de cualquier punto de
referencia que no fuera el de su propia sensibilidad. No tiene ninguna relación exclusiva con ninguna clase especial de
temática, sino que se ocupa del uso directo del color y la forma, no para
sugerir sino para expresar.
Liberación del arte de la descripción literal. El fauvismo se llegó a conocer como el uso
nada inhibido del color afín de definir la
forma y expresar el sentimiento.
Albert Marquet (1875 – 1947).
Marquet evitaba los colores brillantes y puros de Matisse y se mantenía más próximo a las
fuente figurativas.
André Derain (1880 - 1954)
André Derain (1880 - 1954) dio aportes a los fauves, usó
el color directamente del tubo aplicando en líneas cortadas por pinceladas rápidas e impetuosas.
Su descubrimiento del uso emotivo del color debe tanto a los puntillistas como a Van Gogh, creando obras de una lucidez
organizada, admirables por su coherencia emocional.
En Dama en camisa (1905) representa
lo que es la esencia del fauvismo:
multiplicidad de colores y
tonalidades, un pincel fluctuante y parecido a llamas, exageración del
rostro y los ojos, la mano izquierda
colgante y distorsionado y el uso parcial de una línea de contorno
para definir aquellas partes de la figura que tenían un papel dominante en la composición.
La experiencia Fauve representó para
numerosos artistas un periodo de
liberación. El escape de las
convenciones del realismo y de los
limites de la paleta convencional. Esto
produjo una toma de conciencia, sobre
lo cual se construirían las futuras
carreras: la que el artista debía
dedicarse a su propia visión personal y
a la creación de un mundo que fuera
controlado por él mismo.
George Braque (1882 - 1963)
George Braque (1882 - 1963), durante unos
tres años, entre 1904 y 1907, produjo una
serie de obras, que aunque vívidas en color
y exuberantes en la línea, son reflexivas en
la composición. Ya tenia implícita una
preocupación por la construcción, una
tendencia a las superficies planas en la
composición, elementos que prefiguraban la
aparición del cubismo.
Georges Rouault
Georges Rouault, jamás sintió una simpatía por el movimiento fauve,
aunque el también se interesaba en expresar, con el color, una angustia retorcida, y en usar el arte como un
medio de manifestar un punto de vista personal y antirrealista.
EL EXPRESIONISMO
Expresionismo
El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.
Ecce homo (1925), de Lovis Corinth, Pinacoteca de Basilea.
El expresionismo surgió como reacción al impresionismo
Tirol (1914), de Franz Marc, Staatsgalerie Moderner Kunst, Múnich.
Orígenes e influencias
La Crucifixión, tabla central del Retablo de Isenheim (1512-1516), de Matthias Grünewald, Museo de Unterlinden, Colmar.
El jinete circense (1913), de Ernst Ludwig Kirchner, Pinakothek der Moderne, Múnich.
EXPRESIONISMO ALEMAN
Aunque el expresionismo era
un fenómeno europeo, fue en
Alemania donde logro su hegemonía. Fue allí donde se
convirtió casi en un estilo de
vida y donde asumió sus formas más radicales e influyentes
La pintura en ALEMANIA se desarrolló principalmente en torno a dos grupos artísticos:
Die Brücke : fundado en Dresde en 1905
Der Blaue Reiter : (Jinete azul) fundado en Múnich en 1911.
Cartel de presentación para una exposición de Die Brücke en la Galería Arnold de Dresde (1910), de Ernst Ludwig Kirchner.
Die Brücke
Los principales miembros del grupo fueron:
Ernst Ludwig Kirchner Erich Heckel Karl Schmidt-Rottluff Emil Nolde Otto Mueller Max Pechstein
San Jorge (1912), de August Macke, Kolumba Museum, Colonia.
El molino encantado (1913), de Franz Marc, Art Institute of Chicago, Chicago.
Autorretrato (1910), de Marianne von Werefkin, Städtische Galerie im Lenbachhaus, Múnich.
Ernst Ludwig Ernst Ludwig Kirchner Kirchner (1880 –
1938)
Expresionismo alemán:
Die Brücke.
El grupo Die Brücke (el puente) fue fundado en 1905 por cuatro refugiados de la escuela de arquitectura de Dresden. No tenían una experiencia
pictórica, aunque vieron en la pintura un medio de liberación, un
medio de expresar un mensaje social.
Las figuras humanas aparecen casi como estatuas prístinas.
El primer fruto de esta nueva inclinación fue Desnudo en un sofá (1910) que ejemplifica de forma perfecta la clarificación que hizo Kirchner de la declaración original del Brücke.
.
Influenciado por Van Gogh, por los grabados en madera alemanes de la Edad Media y por la escultura
africana y de Oceanía, Ernst Ludwig Kirchner (1880 –
1938) se interesó en explotar todas la técnicas pictóricas y de composición que pudieran
transmitir una sensación de experiencia vivida e inmediata.
En 1911, Kirchner y sus amigos se trasladarían a la atmósfera metropolitana de Berlín, para entonces ya había adquirido considerables habilidades técnicas, inventadas para sus propios propósitos.
Los expresionistas se enamorarían del bajo mundo de
Berlín con sus prostitutas, sus rufianes y gángster.
Dos mujeres en la calle (1911). Figuras oscuras,
con cuerpos siniestros y largos, y sus sombreros fantásticos,
están ubicadas contra un fondo
verde. Es virtualmente
abstracto y de una considerable complejidad en la composición.
Erich HeckelErich Heckel (1883 – 1970) (1883 – 1970)
Erich Heckel (1883 – 1970). El pigmento puro y no diluido tiene la misma vehemencia que la de algunos cuadros de Van Gogh.
Karl Schmidt Rottluff (1884 – 1976).
Karl Schmidt Rottluff (1884 – 1976). Las figuras apenas aparecieron en sus
pinturas. Su tratamiento vigoroso y simple, sus colores fuertemente saturados y las grandes áreas de
composición indefinibles, lo llevaron al borde de la abstracción pura.
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul)
Los grandes caballos azules (1911), de Franz Marc, Walker Art Center, Minneapolis.
Los principales representantes de Der Blaue Reiter fueron:
Vasili Kandinski Franz Marc August Macke Paul Klee Alexej von Jawlensky Lyonel Feininger Gabriele Münter Heinrich Campendonk Alfred Kubin Marianne von Werefkin
Der Blaue Reiter (El jinete azul).
El nombre del grupo tuvo su origen en una conversación mantenida entre dos de sus fundadores:
Wassily Kandinsky y Franz Marc. Kandinsky recordaría: “Franz Marc y yo
elegimos ese nombre cuando un día estábamos tomando café… A los dos nos gustaba el azul, a Marc para los caballos, a mi para los jinetes. Entonces el nombre salió por si mismo”.
Kandinsky utiliza la palabra GEISTIG, traducido como
“espiritual” para describir los elementos irreal de su pintura. Deseo de lograr una síntesis de
pensamiento y sentimiento, ciencia y arte, de lógica e intuición.
Wassily Kandinsky (1866 - 1944) nació y se educó en Rusia; en 1895,
convertido al arte al ver una exposición de impresionistas
franceses en Moscú, fue a Munich a dedicarse a la pintura.
Su pintura era en sus comienzos predominantemente Art Nouveau con acentos simbolistas, pero ya poseía cualidades alusivas y emocionales.
Influencia de Cezanne, Matisse y Picasso. Las formas visuales empezaron a perder sus cualidades descriptivas
La temática ya no tiene mayor importancia. Lo que importa es la sensación de dinamismo y los colores de
fuertes contrastes
A partir de 1910, Kandinsky continuó pintando cuadros en los que aun eran discernibles los elementos figurativos, pero al mismo tiempo hizo obras en la que tanto las formas como los colores
pertenecen a un mundo propio y deben poco a cualquier fenómeno
visual reconocible.
Expresionismo nórdico
Edvard Munch
Edvard Munch (1863 – 1944)
(1863 – 1944)
Fue un ser profundamente
neurótico. Su madre murió cuando
el tenia cinco años, su padre era un
medico que practicaba su
profesión en un barrio
misérrimo.
Creció en un ambiente dominado por las ideas de la muerte, la enfermedad yla ansiedad. Las imágenes que conoció en este periodo de su vida permanecieron en su interior
EDVARD MUNCH.
.
A Munch le sedujo la idea de la muerte y la enfermedad. Las luchas agónicas, las habitaciones de enfermos y los elementos de la moralidad le intrigaban.
Edvard Munch tenía problemas de personalidad. Sus neurosis son evidentes de tal manera que su obra a menudo es la expresión grafica de la expresión real. Él era conciente de ello y en su diario confiesa la experiencia que creó uno de sus temas más sintomáticos, El Grito.
EL GRITO
“estaba caminando por un camino con dos
amigos. Se puso el sol. Sentí un ataque de
melancolía. De pronto el cielo se puso rojo como la sangre. Me detuve y me apoye en una barandilla, muerto de cansancio, y
miré las nubes llameantes que colgaban
como sangre… Mis amigos continuaron
caminando. Me quedé allí temblando de miedo. Y
sentí que un grito agudo e interminable penetraba
en la naturaleza”.
LAS TRES VERSIONES CONOCIDAS DEL GRITO DE EDVARD MUCH
Munch forjó una técnica visual
admirablemente expresiva, combinando la
línea curva y latigueante con colores que
iban de los agresivo a lo sentimental,
recuerda mucho las composiciones de Van
Gogh. En 1899 Munch había viajado a París
con una beca y se había puesto en contacto
con Van Gogh y Gauguin, teniendo este
último una fuerte influencia sobre él.
https://www.youtube.com/watch?v=1w1FDNlztHU
En especial esto salta a la vista cuando se compara su obra con la de su contemporáneo belga James Ensor. Ambos eran extáticos en el enfoque, ambos se interesaron en
los aspectos oscuros de la existencia.
MUJER EN TRES ESTADOS, DE EDWARD MUCH
James Ensor (1860 – 1949)
Crea un universo propio, habitado por figuras absurdas,
vistosas, emocionantes y sorprendentes que atrapan la
imaginación, estimulan la fantasía y producen ese shock en la susceptibilidad del espectador
que es el primer objetivo del expresionismo.
Siempre hay implicaciones literarias y sociales en sus obras mas importantes. Esto es verdadero en La entrada de Cristo en Bruselas que mete en una composición masiva toda una serie de episodios y situaciones grotescas y satíricas.
La vida y la muerte, la grandeza absurda de la
condición humana fueron temas que le obsesionaron.
Las figuras enmascaradas fueron casi un cliché en el arte simbolista, pero Ensor fue el primero en
otorgarles el estatus de entidades independientes, sugerentes signos de
interrogación en el carnaval de la vida. Ensor no empezó a recibir un verdadero reconocimiento
hasta 1920, año en que había realizado lo mejor de su obra.
OTRAS ESCUELAS DEL ARTE QUE GENERAN EL
EXPRESIONISMO
Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad)
Martha (1925), de Georg Schrimpf, Pinakothek der Moderne, Múnich.
Los principales exponentes de la Nueva objetividad fueron:
George Grosz Otto Dix Max Beckmann Conrad Felixmüller Christian Schad Ludwig Meidner Karl Hofer
Madre arrodillada con niño (1907), de Paula Modersohn-Becker, Alte Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin, Berlín.
El grupo de VienaEn Austria, los expresionistas
recibieron la influencia del modernismo alemán (Jugendstil , Sezession)
Sus principales representantes fueron:
Egon Schiele Oskar Kokoschka Richard Gerstl Max Oppenheimer Albert Paris von Gütersloh Herbert Boeckl Egon Schiele Oskar Kokoschka
Pareja de mujeres (1915), de Egon Schiele, Magyar Szépmüvészeti Múzeum, Budapest.
Escena de café, de Jules Pascin, Museum of Fine Arts, Boston.
Desnudo recostado (1919), de Amedeo Modigliani, Museum of Modern Art, Nueva York.
Escuela de París
Los miembros más destacados de la escuela fueron:
Amedeo Modigliani Marc Chagall Georges Rouault Jules Pascin Chaïm Soutine Maurice Utrillo
Otros artistas que desarrollaron su obra en el seno de la Escuela de París fueron:
Lasar Segall Emmanuel Mané-Katz Pinchus Krémègne Moïse Kisling Michel Kikoïne el japonés Tsuguharu Foujita.
Kiki de Montparnasse (1920), de Gustaw Gwozdecki.
Cedro solitario (1907), de Tivadar Kosztka Csontváry, Csontváry Museum, Pécs.
Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta, Galerie výtvarných umění, Ostrava.
Fertilidad, de Frits Van den Berghe, Kunstmuseum aan Zee, Oostende.