conTACTOUdeL Noviembre 2012

De cine y literatura

Año 4 Número 38 Noviembre 2012 Licenciatura en Mercadotecnia

NOVIEMBRE

Contenido

Editorial02Por: La Jefa de Edición

De cine y literatura

Artículos03 Por: Anaid

Nosferatu, ¿novela o película?

05

1113

151719

0907

Por: Itzel Mayani Bautista Tapia

Lo que el viento se llevó: un éxito inolvidable

Por: Danielitta LópezEn el cine mexicano:

Santa y Macario

Por: Juan Ruiz

Por: Luis Alfonso Jiménez Cárdenas

Por: Benjamín L. Robles

Por: Rodrigo Riojas

Por: Hamlet 13

La violencia detrás del genio

Literatura y cine para un cambio moral

La insoportable levedad del ser: de las letras al cine

Historia de un veneno literario

Will Shakespeare en el cine

Por: Santiago Ortega

La última tentación de Cristo

Secciones

23Por: Chef Margarita

Ramos Cruz

Sección: Conexión Gastronómica

Calabaza en tacha

Por: El Demonio

Sección: A dos de tres caídas

Con licencia para matar21

By: Mr. Kitsch REFELEKTOR25

01 conTACTO Noviembre 2012 Universidad de Londres

El Fausto de Murnau

Por: CP. Alfonso Martínez Cea

Frases, curiosidades y

algo más…27

DirectorLRC. Miguel Ángel García Aranda

Jefa de EdiciónMIE. Lucía Velasco

Jefa de RedacciónLilia Hernández

ColaboradoresProfesores:

CP. Alfonso Martínez CeaMIE. Héctor Moreno AguilarLG. Margarita Ramos Cruz

Colaborador invitado:Hamlet 13

Alumnos:Itzel Mayani Bautista Tapia

Carlos Alberto Barajas KantúnRodrigo Espinoza Rojas

Luis Alfonso Jiménez CárdenasDaniela Aurora López García

Benjamín López RoblesRosaura Anaid Sánchez Tapia

Juan David Ruiz BazaldúaSantiago Ortega Miramontes

Diseño de logotipoCinthya Berenice López

Sánchez

Corrección de estilo:Lilia HernándezLucía Velasco

FotografíaFotografía: Rodrigo Díaz Pérez

De: CP. Alfonso Cea, MIE. Héctor Moreno

y LG. Margarita Ramos. Fotografía:Lucía Velasco

Diseño editorialCarla Velázquez Goyri

Correo electrónico:[email protected]

[email protected]@contactoudeL


De cine y literaturaEditorial

La Jefa de Edición

El romance entre el cine y la literatura tiene tantos años como el arte cinematográfico. Desde el inicio de este medio de expresión, la literatura ha proveído al celuloide de las más fantásticas historias para ser adaptadas en las diferentes corrientes cinematográ-ficas.

Julio Verne, Shakespeare, Luisa M. Alcott, Jeane Austin, Umberto Eco, Charles Dickens, Gothe… todos los clásicos y premios nobel de literatura… Gabriel García Márquez, Mario Benedetti, Mario Vargas Llosa, Ángeles Mastretta, Isabel Allende, Arturo Pérez-Reverte… latinoamericanos, europeos, norteamericanos, asiáticos, ár-abes… ¡hasta Dan Braun! Todos, todos los que son alguien en la literatura han sido llamados a la pantalla grande, sus personajes e historias han sido recreados para beneplácito y controversia de lectores y cinéfilos.

También, todos los que son alguien en la industria fílmica, o que pretenden ser al-guien, directores y actores, han participado en alguna de estas adaptaciones, directo-res de cine de industria o de cine de arte…Todos.

El lenguaje cinematográfico y el literario son diferentes. El primero, utiliza las imá-genes para visualizar la percepción que el director tiene de la historia; el segundo, utiliza las palabras para recrear los ambientes, emociones y personajes que el escri-tor crea en su mente y comparte con los lectores, por lo tanto: ¡una adaptación nunca será idéntica a la historia publicada originalmente! (error frecuente entre quienes pre-tenden comparar o decidir cuál es la mejor versión).

En este número de noviembre, Contacto UdeL presenta su segundo ejemplar dedi-cado al séptimo arte, haciendo un recuento de versiones cinematográficas famosas de libros famosos. Es una pequeña, pequeñísima, selección (muchas se han quedado para un tercer ejemplar), pero todas las aquí presentes tienen por común denomina-dor que han sido libros y películas premiados, cuyos directores y actores (así como todo el equipo de producción) han realizado un trabajo bastante honorable. ¡Espere-mos que disfruten de los tres!: Nuestras páginas, y las recomendaciones: en sus dos versiones la literaria y la cinematográfica.

http://www.fondosypantallas.com/wallpaper-cine-productions-3966/

Nosferatu, ¿novela o película?

ArtículoPor: Anaid


La película alemana Nosferatu fue una adaptación de Friedrich Wilhelm Murnau, basada en la novela de Bram Stoker Drácula. El nombre de Nosferatu, elegido por Murnau, porque deriva del griego Nosophoros y significa portador de plagas, ya que el vampirismo era según la literatura, una plaga.

La novela de Stoker ha tenido múltiples adaptaciones, pero la primera vez que se llevó al cine fue en 1922, y a pesar del tiempo, Nosferatu sigue siendo considerada como la más oscura de todas, ya que estableció una de las dos principales represen-taciones de películas de vampiros.

La primera representación es el “Tipo Nosferatu”, un muerto viviente que mataba a sus víctimas más no las transformaba, con horribles uñas largas y filosas, dientes como de ratón, largos y puntiagudos, sin nada llamativo en su persona y tampoco en su vestimenta. Y, por la otra parte, se encuentra el “Tipo Drácula”, un encantador aristócrata, adepto a seducir a sus víctimas y cuyas mordidas si los transforman en nuevos vampiros, que ellos mismos van eligiendo para formar una familia o un legado.

Murnau escogió a Max Schreck para protagonizar Nosferatu, y ser el primer vampiro de la gran pantalla. Schreck era considerado como un extraño hombre del que pocas cosas se conocen; la falta de datos sobre su vida y que su apellido en alemán, que curiosamente significa “miedo”, fueron poderosas razones para elegirlo, creyéndose que en su vida real sí practicaba el vampirismo, Murnau dijo: “fue el elegido por ser el actor perfecto al no tener que representar ningún papel, sino a él mismo”.

Otro rumor jamás desmentidos fue que la protagonista femenina, era una toxicó-mana contratada por el director para ser mordida por Max, y que murió durante la filmación. También se dijo que varias personas del equipo desaparecieron extraña-mente durante el rodaje.


El gran error de Murnau fue adaptar ilegalmente la novela original de Bram Stoker, ya que cuando Nosferatu se exhibió, la viuda del escritor irlandés denunció al productor por infringir los derechos de autor. Murnau perdió el pleito y fue condenado a destruir todas las copias, pero unas pocas ya habían sido distribuidas y han llegado a nuestros días.

Werner Herzog hizo una versión en 1979 con Klaus Kinski encarnando a Nosferatu, pero la presencia del Nosferatu original sigue siendo de las más inquietantes, nunca vistas en pantalla.

Por último, hay que destacar que Nosferatu es una de las pocas películas mudas donde la tosquedad y el primitivismo son más una ventaja que un inconveniente; hoy en día ver esta extraña e inquietante película sigue siendo una experiencia casi fan-tasmagórica.

ReferenciasStoker, Bram. 1897. DRÁCULA. 2012. México. LeyendaMás Cine, por favor. (2009, 14 de noviembre). Nosferatu, El Vampiro (Nosferatu, 1921), (en línea). Recuperado: 2012, 15 de septiembre

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Lo que el viento se llevó: un éxito inolvidable

ArtículoPor: Itzel Mayani Bautista Tapia

Este suntuoso film, protagonizado por Vivien Leigh y Clark Gable, fue el mayor éxito comercial del cine sonoro americano. Nació de un best-seller sobre el Sur y la Guerra Civil estadounidense: Lo que el viento se llevó (Gone with the wind, 1939), novela de Margaret Mitchell. Aunque fue dirigida en un principio por George Cuckor y concluida por Victor Fleming; David O. Selznick, el productor, fue el verdadero realizador de esta obra, sin duda, la película dramática por excelencia en muchos años.

El productor David O. Selznick hace una maravillosa unión de personajes, en especial el de Scarlett O’Hara: mujer luchadora, tenaz e indómita que soporta todo con tal de imponer su personalidad, pero también heroína por ser una chica sureña de fuerte carácter, egoísta, despiadada y cruel; sin embargo, muy atractiva para el público por su capacidad de vencer todos los obstáculos que se le presenten, menos los del amor, aquí es cuando entra Rhett Butler, personaje capaz de plantarla y dominarla, olvidando que con ella no hay quien pueda; esta pugna, que termina con la derrota de la mujer rebelde, es una referencia obligada de los amantes pasionales.

Para el papel de Scarlett O’Hara se hizo una exhaustiva búsqueda que llegó a convertirse en una cuestión de honor nacional, se hicieron pruebas numerosas a aspirantes, desde estrellitas de escaso renombre, hasta estrellas ya consagradas. Incluso Bette Davis y Katharine Hepburn se mostraron reacias al verse humilladas con una prueba; el caso es que después de medio siglo, una cosa es cierta: ninguna otra actriz podría haber igualado a Vivien Leigh en su papel de Scarlett.


Vivian Leigh no hizo casting, fue descubierta al encontrarse en el set de grabación acompañada del actor Laurence Olivier. Vivian, cierto día, acudió a visitar las grabaciones de Lo que el viento se llevó en ese momento se realizaban las escenas del incendio de Atlanta, pese a los preparativos todavía no se había encontrado protagonista y Myron, el hermano de Selznick, señaló a Miss Leigh auroleada por las llamas y dijo: “Te presento a Scarlett”.

Aunque hubo mucha polémica porque una inglesa interpretara a una típica heroína sureña, se comentó que era me-jor que fuera una inglesa a una actriz del norte. Pero, ¿cómo se eligió a Rhett Butler? La decisión la había tomado el público mediante una convocatoria de la exitosa revista Photoplay, aunque al principio Clark Gable se había negado porque alegaba que los lectores tenían una forma muy concreta del personaje y cualquier actor que lo interpretase estaría destinado al fracaso. A final de cuentas el resultado fue altamente positivo, el acierto de O. Selznick al escoger a sus dos protagonistas fue la clave para que Lo que el viento se llevó se convirtiera en uno de los mayores éxitos de la historia del cine hollywoodense.

ReferenciaRodríguez, Eduardo (2002). “Diccionario de películas del cine norteamericano”. España: T&B EDITORS.


Itzel Mayani Bautista

http://missrr.blogspot.mx/2011/06/el-beso-de-la-semana-vii.html

En el cine mexicano: Santa y Macario

ArtículoPor: Danielitta López


Danielitta López

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El cine apareció en México por primera vez el 6 de agosto de 1896, con una present-ación especial que tenía como espectadores a Porfirio Díaz, su familia y miembros de su gabinete, la función fue proyectada en El Castillo de Chapultepec; el 14 de agosto del mismo año, se hizo una función para el pueblo en la Droguería Plateros, que al poco tiempo se convirtió en la primera sala de cine, el “Salón Rojo”. Con estos dos eventos una nueva historia comenzó a escribirse en México.

El primer “actor” que tuvo el cine mexicano, fue el presidente Porfirio Díaz, protagoni-sta de El presidente de la República paseando a caballo en el bosque de Chapultepec (1986), con una duración de 30 segundos. Cabe destacar que el cine de esa época era mudo y que llegó a satisfacer la necesidad de distracción que solicitaba con ur-gencia la sociedad mexicana; el cine transhumante poco a poco empezó a decaer y retomó fuerzas con numerosas películas como Santa (1932), primera cinta sonora, y Macario (1959), que es el mejor ejemplo del cine industrial mexicano.

Santa, es una novela de Federico Gamboa publicada en 1903 y cuenta la historia de una jovencita que por dejarse caer en las redes de un militar, se ganó el rechazo de su familia, lo que la lleva al oficio de la prostitución, viviendo una serie de eventos, algunos afortunados, como el haber conocido a Hipólito. Esta hisotoria simboliza la ideología del autor, ya que se le conoce como uno de los novelistas más representa-tivos del Porfiriato; también deja ver su rechazo hacia la discriminación de las clases sociales menos favorecidas, ideología que comparte con el régimen porfirista.

En 1932, Antonio Moreno llevó Santa a la pantalla grande, y ¡salvó su carrera!, que se encontraba en peligró con la llegada del cine sonoro; esta adaptación es reconocida como la mejor película mexicana de esa época, contó con la participación musical de Agustín Lara y en la parte actoral con Carlos Orellana, Juan José Martínez y en el protagónico la actriz oaxaqueña Lupita Tovar, que gracias a este papel se hizo famosa tanto en México como en Hollywood, donde desarrolló la mayor parte de su carrera.Hoy en día la actriz cuenta con 102 años de edad y el pasado mes de agosto presentó una autobiografía llamada “Lupita Tovar, la novia de México”.

La segunda adaptación al cine que trataremos, tuvo como reto captar nuevamente la atención del público, por el surgimiento de la televisión (1952) se necesitaba una película diferente, como lo es Macario, cinta de género drama fantástico, que obtuvo la primera nominación al Oscar para México, como mejor película extranjera.

Macario nos cuenta la historia de un campesino honesto con esposa e hijos, que todos los días salía a cortar leña en el bosque, con el único sueño de comerse un pavo él solo, sin la necesidad de compartirle a nadie, un sentimiento muy natural del hombre, porque aunque suene egoísta, todos, por lo menos una vez, hemos querido hacer algo así, es una historia con la que te identificas e interactúas, si tu estuvieras en el lugar de Macario, ¿qué harías?

Macario se produjo en 1959, bajo la dirección de Roberto Gavaldón, a quien algunos críticos consideran como frío y narcisista, en esa época su trabajo no era muy bien aceptado, lo que pasó con Macario fue que la crítica en México opinaba que fue hecha para satisfacer el paladar extranjero y acusaban al director y a la película de tener un exceso de preciosismo.

Cuenta con las actuaciones de Ignacio López Tarso como Macario y Pina Pellicer como su esposa, papel que destacó por no ser uno típico de una mujer abnegada de la época, sino que ella también decidía, tomaba cartas en el asunto y resolvía el problema.

Del autor de la novela, Bruno Traven, no se sabe mucho, es todo un misterio, no se sabe si nació en Alemania en 1882 o en Chicago en 1890, si Bruno es realmente su nombre o se llama Bernhard.

En fin, si ya viste o leíste algunas de estas obras, ¡felicidades!, pero si no te invitó a disfrutarlas y pasar un buen rato.


Referencias electrónicas

Tecnológico de Monterrey. Roberto Gavaldón. http://cinemexicano.mty.itesm.mx/directores/gavaldon.html. 14.sept.2012 Tecnológico de Monterrey. Macariohttp://cinemexicano.mty.itesm.mx/peliculas/macario.html.12.sept.2012Tecnológico de Monterrey. Santahttp://cinemexicano.mty.itesm.mx/peliculas/santa1.html.12.Sept.2012Redacción (México)-NOTICINE.com. La cen-tenaria Lupita Tovar publica sus memorias en México. Noticine.com © 2001-2012http://www.noticine.com/iberoamerica/36-iberoamerica/17554-la-centenaria-lupita-tovar-publica-sus-memorias-en-mexico.html 12.Sept.2012

La última tentación de Cristo

ArtículoPor: Santiago Ortega

El libro La última tentación de Cristo publicado en 1955, por el escritor griego Nikos Kazantzakis (reconocido autor de Zorba el Griego), es una reinterpretación de los Evangelios a la literatura moderna. En esta obra, el autor le da vida a la historia de la Pasión de Cristo, dándole una frescura espiritual.

El personaje principal, Jesús Kazantzakis es gloriosamente divino, terrenal y humano, pero, a medida que convive con los campesinos, es tentado por la vida cómoda que llevan ellos.

En el prefacio de la publicación, Nikos Kazantzakis escribe sobre Cristo: “Es necesa-rio que podamos seguir a fondo, conocer su combate, que vivamos su agonía; que sepamos cómo desbarató las trampas floridas de la vida; cómo sacrificó las grandes y pequeñas alegrías del hombre; cómo subió, de sacrificio en sacrificio, de proeza en proeza, hasta la cima de la prueba, hasta la Cruz. Nunca seguí con tal intensidad, con tal comprensión y amor la vida y la Pasión de Cristo, como a lo largo de esos días y esas noches cuando escribía La última tentación. Al escribir esta confesión de la an-gustia y de la gran esperanza del hombre, estaba yo tan conmovido que mis ojos se llenaban de lágrimas; no había sentido nunca la sangre de Cristo, con tanta dulzura y tanto dolor, caer gota a gota a mi corazón”.

Kazantzakis era una persona bastante religiosa, desde su juventud, encontraba atrac-tivo ir a misa, los íconos, la vida de los santos y cantos litúrgicos (cantos para la igle-sia), es por esto que sus obras exponían muchos temas religiosos y se expresaba con tal adoración hacia Cristo.

La película prohibida

La película La última tentación de Cristo (1988) fue coproducida por Estados Unidos y Canadá. En Estados Unidos se encargó la casa productora Universal Estudios.

Universal Estudios, nos platica que al director Martin Scorsese, le llegó la idea de adaptar el libro a la pantalla grande después de que la actriz Barbara Hershey le re-galó la novela cuando estaban filmando Bertha, Amante y Ladrona en 1972.


Scorsese supo que tenía que hacer la adaptación antes de haber terminado de leer el libro, pero pasaron diez años para que tuviera la oportunidad de filmar la película. En cuanto Barbara Hershey se enteró de lo que Scorsese hacía, le habló para rogarle el papel de Magdalena. Para que estuviera segura de que se ganaba el papel por su actuación y no como un agradecimiento por haberle obsequiado el libro, la actriz fue llamada a una audición.

En la película, la historia es bastante similar (simbólicamente) a la del libro, el protago-nista, el carpintero Jesús de Nazareth, vive atormentado por las tentaciones de los demonios, la culpa de fabricar cruces a los romanos para que éstas sean utilizadas en contra del pueblo, y el constante llamado de Dios. Un día se encuentra desesperado de su poca habilidad para interpretar las señales a su alrededor y decide dejarse guiar por la voluntad de Dios, causando que poco a poco, él se convierta en el guía espiri-tual del pueblo. Los guardias romanos y dirigentes religiosos lo ven como un agitador, por lo tanto, es apresado y castigado a morir crucificado.

Justo antes de su muerte recibe un llamado de un ángel que le ofrece la más grande tentación de todas (de ahí el nombre del libro y película) que es borrar todo su pasado e iniciar de nuevo, llevando la vida de un hombre normal.

Las dos son obras espectaculares y llenas de referentes sobre el cristianismo. Los in-vito a leer el libro o ver la película, o bien, si prefieren ambas y creen su propia opinión al respecto.

Fuentes de información

The Last Temptation of Christ - Book Description. © 1996-2012, Amazon.com, Inc. or its affiliates (EEUU 1998) http://www.amazon.com/Last-Temptation-Christ-Nikos-Ka-zantzakis/dp/068485256X/ref=sr_1_2?s=books&ie=UTF8&qid=1347582660&sr=1-2 Consultado y traducido el: 13 de septiembre de 2012.

Nikos Kazantzakis © Apocatastasis.com: Literatura y Contenidos Seleccionados http://www.apocatastasis.com/nikos-kazantzakis-pensador-nuestro-tiempo-george-stassinakis.php#axzz26TOgRPC7 Consultado el: 13 de septiembre de 2012.

La Última Tentación de Cristo (1988). © Universal Pictures International México 2012. http://www.universalvideo.com.mx Consultado el: 13 de septiembre de 2012.

Santiago Ortega


La violencia detrás del genio

ArtículoPor: Juan Ruiz

Stanley Kubrick, a pesar de sus malas notas, siempre fue considerado como genio y es a la edad de trece años, cuando su papá le regaló una cámara, que desarrolló su gusto por la fotografía. A los 17 años encontró trabajo como aprendiz de fotógrafo; posteriormente, se hizo un aficionado al cine y fue en 1951 cuando filmó su primer documental Day of the Fight, después realizó diferentes trabajos junto a Kirk Douglas, quien consecutivamente lo llamó para producir Mentiras en tiempos de guerra (1957), y Espartaco (1960) basada en la novela de Louis Begley.

En 1971 dirigió La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange), basada en la novela de Anthony Burgess. Esta obra, desarrollada en una Inglaterra futurista en el año de 1995, cuenta con Malcolm McDowell como el protagonista Alex DeLarge, conocido también por su papel cruel y seductor en Calígula; de igual forma participaron Warren Clarke (Dim), Michael Tarn (Pete) y James Marcus (Georgie) como su banda; Patrick Magee (Frank Alexander) y Adrienne Corri (Señora Alexander), fueron las víctimas de los ataques de dicha banda; y en la prisión encontramos a Michael Bates (Jefe de guardia de la prisión), Goedfrey Quigley (Capellán de la prisión) y a Anthony Sharp (Ministro del Interior).

Alex DeLarge es un delincuente muy alegre que gusta de la música clásica, las viola-ciones y la ultra-violencia junto con su banda de “Drugos”, teniendo numerosas formas de expulsar la ira que llevan dentro y desbordando miedo a su paso, esto en una sociedad que proyecta la venganza y, que tanto en la novela como en el film, retratan esta condición humana como una libertad ética de expresión “Cuando un hombre no puede elegir, deja de ser hombre” .

Kubrick logra tal acercamiento entre el libro y el film, haciéndonos ver al genio detrás del lente, que logra en esta adaptación darle vida de una manera tan espectacular a tan controversial y afamada obra.

La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange) fue el libro más reconocido de Burgess, aunque él la consideraba inferior a otras que tuvo, y el filme de ésta fue igualmente elogiada. Clásico de Stanley Kubrick, que sin duda sigue dejando sensaciones es-tremecedoras a quienes la ven por primera vez, y a quienes no, también.Datos curiosos:


• Se dice que antes de empezar la filmación, mientras Alex se ponía las pestañas, Kubrick se dio cuenta que con una sola pestaña era suficiente.

• Nos recuerda Burgess que las naranjas mecánicas no existen, excepto en el habla de los viejos londinenses, una imagen muy extraña, y siempre aplicada a cosas ex-trañas; “ser más raro que una naranja mecánica” era ser extraño hasta los límites de lo extraño.

Críticas recibidas: “Tan hermosa de ver y de oír que deslumbra los sentidos y la mente”. (Vincent Canby: The New York Times)

“Una demostración de fortaleza que hace de Kubrick un verdadero genio del cine”. (Paul Zimmerman: Newsweek)

“Un trabajo con un estilo casi intachable”. (JayCocks: Time)

“Nos encontramos ante una de las más impactantes y escandalizadoras películas de todos los tiempos a manos del genial Stanley Kubrick (se le puede llamar un escan-dalizador por el impacto de todas sus películas). Es una adaptación de la novela de Anthony Burguess.” (Pierluigi Puccini)


Referencias Electrónicas

Cinema7. http://cinemasiete.blogspot.mx/2009/03/lo-que-el-viento-no-se-llevo.html. 10 de septiembre de 2012, ©2009.

Filmaffinity – Movieaffinity. http://www.filmaffinity.com/es/film745383.html. 13 de sep-tiembre de 2012, © 2002-2012.

Aloha Criticón..http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article926.html. 10 de septiem-bre de 2012.

Juan Ruiz

Literatura y cine para un cambio moral

ArtículoPor: Luis Alfonso Jiménez Cárdenas


Luis Alfonso Jiménez Cárdenas

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El origen de las adaptaciones cinematográficas de obras literarias y teatrales data desde los orígenes del cine; desde ese entonces, se habla de algunos directores que llevan a la pantalla, más que una historia, un proyecto ambicioso, detallado, minucioso y algunas veces escandaloso, como el caso de Jean-Jacques Annaud (director de origen francés), quien ha tenido una serie de exitosas películas, que han sido nomina-das y ganadoras de diferentes premios, de las cuales se pueden destacar: Siete años en el Tíbet, Blanco y negro en color (siendo éste su primer largometraje y su único Oscar), entre otras.

En 1986, Jean-Jacques Annaud produce El nombre de la rosa adaptación del libro homónimo y primera novela del autor italiano Umberto Eco, publicada tan solo 6 años antes de la película, historia detectivesca, ambientada en pleno siglo XIV (Edad Me-dia), en una abadía cristiana en los límites de Italia, donde un monje y su discípu-lo tratan de despejar el misterio tras la muerte sospechosa y apocalíptica de varios monjes franciscanos.

En esta adaptación destacan temas que no necesariamente son religiosos, pero sí morales, en torno a la comunidad eclesiástica, tal es el caso de la pobreza apostólica que tenían los monjes y conventos franciscanos a comparación del papado.

Por las críticas de esta película podemos decir que la fotografía es excepcional a pesar de que está realizada por una tecnología de hace casi 20 años, rudimentaria junto a que la que tenemos al día de hoy, ya que no contaba con los avances informáti-cos en las texturas y paletas de colores y la iluminación no era la más especializada siendo para nuestros días una necesidad que se espera en las nuevas películas; la caracterización por parte del actor Sean Connery, haciéndolo acreedor a un premio de la British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) a mejor actor y abriéndole paso para aparecer en la película de Los Intocables, donde ganó un Oscar; por último, tenemos una muy buena historia por parte del autor del libro.

Después de este rotundo éxito, 6 años después, Jean-Jacques Annaud produce una nueva adaptación titulada El Amante, del libro homónimo de la ganadora del premio Nobel de literatura, Marguerite Duras (novelista vietnamita); y quien con este libro se volvió acreedora al Premio Goncourt (reconocimiento francés que se otorga solo una vez en la vida a autores importantes y destacados). Siendo una novela autobiográfica que principalmente rescataba años de juventud de la autora.

La historia se centra en una joven de origen francés de 15 años de Vietnam, alrededor del año 1950, donde resaltan sus experiencias amorosas, sexuales y no sexuales, con un comerciante vietnamita de 27 años de edad, de diferente clase social, así como algunos de sus problemas en su entorno familiar; en esta historia llena de erotismo, nos explica la situación social y política que ese país vivía y toma temas como la moral y visión que tiene la sociedad tradicionalista de esos momentos ante situaciones de esta índole.

Para esta nueva adaptación, la crítica aplaude al director por ser un perfeccionista y detallista, ya que es una película que se apega demasiado a la trama y línea de tiempo real del mismo libro, haciendo que muy pocos de los lectores queden insatisfechos con el resultado, vuelve a resaltar la fotografía en ésta y el cuidado del contenido erótico y la estética de la misma, ya que no rozó lo vulgar en ningún momento. La película complió por el Oscar y el Globo de Oro en rubros de películas extranjeras.

Podemos concluir que la fórmula de éxito de Jean-Jacques Annaud no solamente se centra en la fotografía y estética de las escenas filmadas en sus películas, sino tam-bién te invitan a mezclarte con diferentes problemáticas sociales, morales y algunas veces religiosas de diversas épocas, teniendo como ejemplo la pobreza apostólica que debería retomar la iglesia y los valores tradicionales de diferentes épocas y cul-turas de la humanidad.


Fichas CinematográficasEl nombre de la Rosa. Jean-Jacques An-naud. Coproducción Alemania Occiden-tal-Francia-Italia; Neue Constantin Film / Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF) / Cristaldifilm / Radiotelevisione Italiana / Les Films Ariane / France 3 Cinéma Sean Connery, Christian Slater, F. Murray Abra-ham, Michael Lonsdale, Valentina Vargas, Ron Perlman, Helmut Qualtinger, Elya Baskin, Michael Habeck, Urs Althaus, Vernon Dobtcheff, Feodor Chaliapin Jr. 131 min. 1986

El amante. Jean-Jacques Annaud. Copro-ducción Francia-GB; Renn Productions / Films A2 / Burrill Productions. Jane March, Tony Leung Ka Fai, Frédérique Meininger, Arnaud Giovaninetti, Melvil Poupaud, Lisa Faulkner.115 min. 1992.

La insoportable levedad del ser:

de las letras al cine

Artículo

Por: Benjamín L. Robles

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Varias han sido las obras literarias que llegan al mundo cinematográfico. No podría-mos dejar de lado “La insoportable levedad del ser”, que tanto el libro como la película son un tema de discusión por demás interesante.

El libro fue escrito por Milan Kundera, nacido en 1929 en Checoslovaquia, actual República Checa. Con varios libros publicados y algunas obras de teatro, “La inso-portable levedad del ser” es considerada su obra más significativa. Su primera edición tuvo fecha en 1984 en Francia. Varios años después, en el 2006, se publicó en su país de origen y está catalogada dentro del género de literatura contemporánea.

La adaptación al cine de “La insoportable levedad del ser” la llevó a cabo el aclamado director Philip Kaufman, y su fecha de estreno fue el 5 de febrero de 1988. Los pro-tagonistas de esta cinta son Daniel Day-Lewis, Juliette Binoche y Lena Olin, quienes eran poco conocidos por esos tiempos, pero que a razón del filme empezaron a ob-tener papales importantes en trabajos siguientes.

Philip Kaufman nació en Chicago en 1936 y entre sus trabajos están “Sin ley ni es-peranza”, “Henry y June”, “Sol naciente” y antes de filmar “La insoportable levedad del ser” tuvo un gran éxito con su película “Elegidos para la gloria” que obtuvo ocho nominaciones al premio Oscar.

El guión fue escrito por el mismo Philip Kaufman junto con Jean-Claude Carrière con una duración aproximada de tres horas. Obtuvo dos nominaciones al Oscar (Mejor guión adaptado y fotografía) y las críticas fueron bastante favorables para el director; entre los amantes del libro tuvo buena aceptación, no solo por el manejo del guión, sino también por las excelentes actuaciones, así como los escenarios que transportan al espectador a la Praga comunista de 1968. La dirección de fotografía la llevó a cabo Svan Nykvist y fue producida por Saul Zaentz.

Las emociones que cada personaje enfrentan son plasmadas perfectamente a lo largo de la película con temas recurrentes como el amor o la felicidad pero con una aproxi-mación poco expuesta hacia el concepto de felicidad o libertad.

La cinta llega a ser tan bien dirigida que los 171 minutos que dura pasan realmente desapercibidos, llevando tus emociones por lo prohibido y reflexionando sobre las relaciones humanas.

Como dato curioso, siendo de diversas nacionalidades, los actores tuvieron que fingir un acento checo para darle un toque realista.

Juliette Binoche, quien interpreta a Teresa, nació en París, Francia, y después de haber realizado esta película su carrera tomó vuelo- como filme ejemplar está la película “Chocolat”, que protagonizó junto a Jhonny Depp.

“La insoportable levedad del ser” combina toda una serie de argumentos y detalles que hacen de esta una gran película. Sin duda, una de las obras que debemos de ver debido al contenido, al manejo de emociones, el análisis de las relaciones humanas y su elenco.

Referencias electrónicas:Biografías y vidas, “Milan Kundera”, © Bi-ografías y Vidas, 2004-12 ,http://www.bi-ografiasyvidas.com/biografia/k/kundera.htm , fecha de consulta: 13/09/12Film affinity, “La insoportable levedad del ser”, © 2002-2012 Filmaffinity - Movieaf-finity . Todos los derechos reservados, http://www.filmaffinity.com/es/film924858.html , fecha de consulta : 14/09/12The New York Times, The Unbearable Lightness of Being (1988), Film: ‘Light-ness of Being,’ From Novel by Kundera, por Vincent Canby, 5 de febrero 1988,http://movies.nytimes.com/movie/review?res=940DE4DA1330F936A35751C0A96E948260 , fecha de consulta: 14/09/12Busca biografías, “Philip Kaufman”,http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/5246/Philip%20Kaufman, fe-cha de consulta: 14/09/12Juliette-binoche, “Biography”, Copy-right © 2002-2012 Fan Sites Network. All Rights Reservedhttp://juliette-binoche.net/biography/juliette-binoche/ , fecha de consulta: 13/09/12El criticón, “Daniel Day-Lewis”, © Aloha Criticón. Todos los derechos reservados.http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1374.html , fecha de consulta: 14/09/12


Historia de un veneno literario

ArtículoPor: Rodrigo Riojas

Patrick Süskind es un tanto o más misterioso comparado con el personaje nacido de su imaginación y retratado en su libro El Perfume: Jean Baptise Grenoullie (personaje que ha sido comparado con emblemáticos villanos como Frankenstein o Drácula) y se conoce tan poco de su creador debido a las pocas entrevistas que ha dado a lo largo de su vida e incluso el día de la premiere de la versión cinematográfica de su novela más reconocida, en Múnich, desistió la invitación.

Mientras me encontraba realizando la investigación y los primeros borradores de este artículo, releí un libro del autor brasileño Paulo Cohelo, El Zahir; que trata justamente de un escritor al que le ofrecen un jugoso contrato para adaptar a la pantalla grande su obra con mayor éxito. El personaje de esta novela se rehúsa a imaginar que un libro pueda llegar a las salas de cine, argumentando lo siguiente:

“Hasta aquel momento, siempre que me hablaban de una adaptación al cine, mi re-spuesta era siempre un ‘no me interesa’; creo que cada persona, al leer el libro, crea su propia película en la cabeza, da rostro a los personajes, construye los decorados, escucha la voz, siente los olores. Y justamente por eso, cuando asiste a algo basado en una novela que le ha gustado, siempre sale con la sensación de haber sido enga-ñada, siempre dice ”el libro es mejor que la película”.

Sin embargo, cuando pedí que mi asignación en esta edición de contacto UdeL fuera justamente éste libro, lo hice por razones 100% personales. Y tú lector, tendrás que disculparme si paso al plano íntimo de mis experiencias, y entenderé que en este momento cambies la página, pero si en algún momento de tu vida un libro cambió por completo tu perspectiva, podrás entender que El Perfume fue ese punto sin regreso para mí y disculparás la falta de un tono periodístico en mi último artículo oficial en esta revista, pero representa un tributo a la piedra angular que me trajo aquí en prin-cipio.

El olor a “libro viejo” siempre me fue agradable; sin embargo, a mis trece años jamás había tocado un libro que no fuera de texto, llevado por el simple placer de leer. Mi maestro de Español, nos encomendó hacer un ensayo acerca de (te habrás cansado de leer el título) “El Perfume”; y recordé que en casa de mi abuelo había visto el lomo de ese libro en particular, meses atrás cuando buscaba dónde esconder uno de mis famosos exámenes no aprobatorios.


http://callejerosmx.blogspot.mx/2010/05/el-perfume-historia-de-un-asesino.html

La cubierta vieja y polvosa, la falta de ilustraciones al interior del libro en una primera hojeada, casi me convencieron de “bajar” un resumen de internet (ritual que estoy se-guro nunca consideraste para una entrega final). Sin embargo, la primera línea me atrapó. “En el siglo XVIII vivió en Francia uno de los hombres más geniales y abomi-nables de una época en la que no escasearon los hombres abominables y geniales.” Conocer la historia de un asesino siempre genera una especie de morbo incontenible en la mente de un adolescente problemático.

Primero algunos párrafos se convirtieron en páginas, se volvieron capítulos, se tornaron en horas frente a un libro, pecaba en la abundancia de detalles; alimentando cada vez más mi imaginación y mi hambre de conocer el desenlace, de uno de los asesinos más fríos y calculadores del que tenía conocimiento, considerando que aún estaba fresca la herida del 9/11 en la mente de la población mundial.

Cada callejón oscuro de París, cada escena cruda de una realidad diseñada, pero so-bre todo cada olor. Desde el hedor de cabezas de pescado podridas a la orilla del río Sena, hasta el aroma dulce y gentil de una rosa en Grasse. Es ahí donde coincido en que cada lector es quien le da la cantidad de pintura adecuada, el aroma exacto, la ilu-minación perfecta y temperatura justa a las escenas que están plasmadas en palabras sobre un pedazo de papel, y que se traducen en la mente, cual rollo fotoquímico a 24 fotogramas por segundo en el proyector y lo traduce en imágenes que viajan suspendi-das en el aire hasta la pálida pantalla en la sala de un cine.

Después de muchos años (el libro se publicó en 1988), o tal vez no tantos, en 2006; el director Tom Tikwer decide arriesgarse a ser condenado por los peores críticos que pueden existir en el mundo cinematográfico, cuando se lleva una adaptación de un libro popular en la escena de la narrativa contemporánea a los estudios de filmación.

Aún mantengo una relación de amor y odio hacia este director, en principio amor porque supo cómo reflejar la capacidad de detalle en las escenas que decidió imprimir, cuidando la edición de imagen y sonido para lograr una pieza elegante y lo más cer-cana posible, desde su perspectiva a la obra maestra de Süskind; por otro lado, tengo rencor, mató por completo a mis personajes, intenté reencontrarlos en una segunda leída hace un par de años, pero me fue imposible no ver la cara del actor Ben Wishaw (protagonista de la película) en cada escenario mental y siniestro en el que tenía que estar ese monstruo que había idealizado cuando niño.

Éste es un tributo a ese maestro que me llevó a otro mundo lleno de posibilidades a través de la lectura y a todos aquellos maestros que han cambiado mi perspectiva y expectativas para convertirme en un mejor hombre y que con fe depositaron en mí la semilla del conocimiento, esperando que valiera de algo el esfuerzo.


Rodrigo Riojas

Will Shakespeare en el cineArtículo

Por: Hamlet 13

37 obras, 154 sonetos (como dicen en la comedia teatral Las obras completas de Wil-liam Shakespeare, abreviadas), éste es más o menos el legado que William Shake-speare, el gran dramaturgo inglés produjo durante su vida y que nos ha dejado para disfrute de la humanidad… digo más o menos, porque hay un par de piezas que al parecer son apócrifas o de dudosa autoría.

Entrando en materia, los escritos del poeta isabelino se adaptan tan bien y fácil al cine: primero, porque al ser piezas teatrales tienen un formato muy parecido al de un guión cinematográfico; segundo, sin duda por los directores y actores de renombre in-ternacional que se han ligado a la realización de las películas. Por mencionar tan sólo a algunos de memoria: Orson Welles, Sir Laurence Olivier, Marlon Brando, Charlton Heston, Richard Burton y Elizabeth Taylor, Franco Zeffirelli, Roman Polanski, Al Paci-no, Kenneth Branagh, Anthony Hopkins, Peter Greenaway; ni siquiera Akira Kurosawa se pudo abstraer de hacer su versión de El Rey Lear en su filme Ran.

Según un artículo publicado en la revista de la UAM Casa del Tiempo (Núm. 95-96 pags. 69-72), escrito por José Ramón Díaz Fernández, profesor de la Universidad de Málaga y según la misma publicación: el más destacado biblio-filmógrafo de Shake-speare y el cine [sic], la primera incursión de la obra de nuestro autor en la pantalla grande data de 1899, y es un pequeño corto de apenas unos minutos, dirigida por un tal William Kennedy L. Dickson acerca del drama histórico El Rey Juan. Seguido por Richard III en 1911 (Inglaterra), Life and Death of Richard III en 1912 (USA), Hamlet en 1920 (Alemania) y Othello en 1922 (Alemania).

De ahí pa’l real se han ido sucediendo, sino una tras otra, sí con espacio de algunos años las producciones cinematográficas basadas en el universo creado por este genio del teatro. Después de una somera investigación he encontrado que hay quien afirma que se han realizado casi unas 300 versiones, aquí se toma en cuenta las más vagas referencia a Shakespeare o su obra para inscribir un filme en este conteo, cosa algo exagerada.

Tenemos un primer grupo de películas que son adaptaciones fieles a las obras shake-speareanas, las que he visto son muy buenas y dejan sentir muy bien la amplitud de Shakespeare, su gran profundidad, captan ese microcosmos que nos penetra el cuerpo y toca el alma. Por lo universal que resultan los temas, las puestas en escena o las filmaciones se pueden adecuar a cualquier época y a cualquier parte del mundo, sin perder su esencia, por eso, es que no solo encontramos producciones inglesas, sino alemanas, italianas, españolas, japonesas y hasta rusas.

Un segundo grupo serían las adaptaciones libres, que respetan menos o muy poco los diálogos escritos por el dramaturgo de Stratford-upon-Avon, que usan el pretexto de la base argumental para crear otra cosa, tal es el caso de Hamlet de Michael Almereyda del año 2000.

Un tercer grupo serían los guiones inspirados en una de estas 37 piezas o incluso en la vida misma de nuestro poeta. De este grupo tenemos, por supuesto, Shakespeare enamorado (o apasionado) de 1998 de John Madden, Rosencrantz y Guildenstern han muerto de 1990, de Tom Stoppard y Anonymous de 2011, de Roland Emmerich, esta última y la primera muy recomendables.


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El último grupo serían las películas que no tienen casi nada que ver con la herencia de este prolífico creador, pero que de alguna manera se han inscrito como tales, por algún leve parecido en la historia que cuentan, y tal vez hasta por la sinopsis con que se presenta. Los ejemplos clásicos son Amor sin Barreras de 1961 (USA) y el Rey León de 1994 (Walt Disney Pictures).

En México, la única noticia que tengo de Shakespeare en el cine es Romeo y Julieta de 1943, dirigida por Miguel M. Delgado y protagonizada por Mario Moreno Cantinflas, a mi modo de ver es una excelente parodia de la obra original, respeta mucho su es-píritu, sus escenas y secuencias, incluso algunos diálogos se sienten a la altura, pero no podemos perder de vista que finalmente es una parodia, que a mi gusto, fanático enfebrecido y confeso del maestro de la tragedia, me resulta muy divertida. Es cierto que hay muchas películas mexicanas que utilizan alguna frase o dicho tomados del universo shakespeareano, pero sin hacer alusión directa a la obra del genial inglés. Como dato curioso podemos encontrar en Variedades de medianoche de Fernado de Cortés (1960), a José Elías Moreno interpretando un viejo actor, pasado de moda que se aferra a presentar en TV, el famosísimo monólogo de Hamlet: Ser o no ser, ese es el dilema, tan sólo para ser interrumpido unos segundos después por un anuncio publicitario.La obra de Will Shakespeare también ha sido adaptada a la ópera y el ballet. Por su-puesto, también abundan las películas de estas expresiones artísticas, no sólo graba-ciones de representaciones en los teatros, sino verdaderas superproducciones, pero éstas ya son adaptaciones de la pieza teatral a un segundo lenguaje por lo que no deberíamos tomarlas como cine shakespeareano.

Mención aparte hay que hacer a la BBC y sus innumerables producciones sobre la obra del poeta isabelino, muchas veces son filmes para televisión, pero son de gran calidad y muy apegadas a los originales, claro que también experimentan con las épocas y las puestas en escena.

Ahora bien, ¿qué debemos ver de este universo cinematográfico? ¿Por dónde em-pezar? Yo me iría a los extremos, primero que nada ver Romeo y Julieta de Franco Zeffirelli, la historia de amor por antonomasia. Luego, para los que no les guste tanta miel, habría que ver Titus (o Tito Andrónico) de Julie Taymor, otra tragedia, la más san-guinaria y sádica que escribió Shakespeare y así en medio pondría cualquiera de las excelentes películas que ha filmado Kenneth Branagh: Hamlet, Mucho ruido y pocas nueces, Otelo, Enrique V, y una que es mi consentida, porque la he visto pocas veces y, por lo mismo, siempre quiero volver a verla Love’s Labour’s Lost (Trabajos de amor perdido), en español le pusieron Pacto de amor o Penas de amor.Creo que ya entrados en gastos habría que ver Sueño de una noche de verano de Michael Hoffman, El mercader de Venecia de Michael Radford, y un experimento, dirigido por Al Pacino, nada más y nada menos: Buscando a Ricardo III de 1996. Por último, recordar las dos películas acerca de la vida de nuestro dramaturgo: Shake-speare enamorado de John Madden y Anonymous de Roland Emmerich.

Afortunadamente todo esto, y más, está a nuestro alcance en DVD. No debemos olvidar que en México, por lo menos en la Ciudad de México, cada año contamos, cuando menos, con una puesta en escena de alguna obra de Shakespeare, si tienen oportunidad vayan a verla, sino lean al gran dramaturgo inglés, hay infinidad de edi-ciones al alcence de la mano. Eso sí, aclaremos, verlo en cine, teatro o incluso leerlo, sí requiere un poco más de atención que ver Batman, pero les aseguro que en cuanto entren al mundo que este poeta nos propone disfrutarán mucho más sus obras que lo que pueden disfrutar cualquier película de acción o de superhéroes. Esa sería la recomendación final: ¡jóvenes acérquense a Shakespeare y disfrútenlo!


A dos de tres caídasSección

Por: El Demonio

Con licencia para matar


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“Mi nombre es Bond, James Bond”, ¿cuántas veces soñábamos con presentarnos ante cualquier situación con esta frase memorable, sarcástica, tan… todo.

Dicha frase acuñada con un smoking impecable, una galanura de varios tipos (de-pendiendo del actor en turno que lo caracterizara), inteligencia, manejo de armas y sus miles de affaires, obviamente, acompañado de un martini al estilo Bond. Una frase que el pasado mes de octubre cumplió 50 años de formar parte de la industria cinematográfica.

Desde un Sean Connery, que opacó por completo a George Lazenby (quien pasó sin pena ni gloria), larga es la lista: Roger Moore, Timothy Dalton (para muchos el Bond más desabrido), Pierce Brosnan (el Bond bonito) hasta el Bond actual: Daniel Craig, el primer rubio 007, quien para muchos no daría el ancho como el agente secreto, pero en lo personal que más me ha gustado pues lo considero el más real, el más humano, al igual que las historias que protagoniza.

Desde mi niñez esperaba con ansia cada estreno, cada misión, cada chica Bond, cada juguete nuevo que fuera a salir. Según las investigaciones realizadas este agente bri-tánico de acento seductor ha conquistado a 44 mujeres, paga alrededor de 12 dólares promedio por cada martini que consume, tiene el auto más caro, el que saldrá en la próxima película Skyfall, un Aston Martin DBS V12, cuyo valor promedio es de 196 mil dólares.

Los mexicanos que han compartido escena con este agente con licencia para matar han sido: Pedro Armendáriz, en De Rusia con amor; así como Pedro Armendáriz Jr. en Licencia para matar; Humberto Elizondo, Sergio Corona, Jorge Russek, Emilio Echa-varría, Joaquín Cosió y el extraordinario Jesús Ochoa, olé, olé y más olé.

También son clásicos los soundtrack de las películas, desde el tema central compues-to por Monty Norman, pasando por Madonna, Garbage, Sheryl Crow, Duran Duran, y las piernas del millón: Tina Turner, así como Sir Paul McCartney, dueño del tema más reciente.

Ian Fleming fue el creador del espía más famoso del mundo. Lo bautizó como Bond, por considerarlo un nombre de sonido sencillo y fácil de pronunciar. Hoy día ícono para el cine y parte de la cultura pop británica.

Ojalá que esta franquicia dure muchos años más, que no pasen de moda frases como: “Lo que debo hacer por Inglaterra”, “Dicen que a uno lo juzgan por la talla de sus en-emigos” y “Eres una fiesta para mis ojos”. Brindemos con un martini Bond los 50 años cinematográficos de James Bond. ¡Salud!

Primera caída: No todo el James puede ser Bond.Segunda caída: El próximo mes hablaremos de las chicas Bond.Tercera caída: Esa, esa la dices tú.

Esto es a dos de tres caídas.


EL DEMONIO

Conexión GastronómicaSección

Por: LG. Margarita Ramos Cruz

Calabaza en tacha


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La gastronomía, que surge con la cultura, religión y costumbres de un lugar, es un elemento importante en alguna festividad como el Día de Muertos, a la que antecede la celebración cristiana del Día de Todos los Santos. En últimos años se ha tratado de difundir la importancia de esta costumbre prehispánica, que en muchos sentidos no se ha logrado comprender su relevancia y todos los ritos con los que va ligado.

Uno de los rituales fundamentales para la gastronomía es la Ofrenda, palabra que en la actualidad nos remite a altar que se coloca para la celebración de estos días; sin embargo, también es necesario resaltar su alcance. En Mesoamérica y en otras regio-nes del mundo se entiende por ofrenda cada uno de los alimentos, que desde la época precolombina, han sido preparados para ser “ofrendados” en la tradición.

Entre los principales alimentos que se colocan en este altar, encontramos la Calabaza en Tacha, que es muy importante ya que se cree que la calabaza y el guaje fueron los primeros alimentos que se cultivaron en estas tierras, y no el maíz, como en ocasiones se cree.

La Calabaza en Tacha es un platillo dulce, que se elabora con calabaza de Castilla y piloncillo; posteriormente, se le agregó azúcar (después de que los españoles la tra-jeran de las Islas Canarias). Se le añade también clavo de olor, anís, canela y pimienta para aromatizarla.

Para comenzar se pone a calentar agua sin dejarla hervir; por otra parte, se diluye cal en agua fría y después se le añade el agua caliente. Se corta la calabaza en trozos y se deja remojar por espacio de una hora, este proceso nos ayuda a eliminar las notas amargas que puede traer. Mientras reposa, en un olla de hace la miel con agua y piloncillo hasta que se disuelva. Se agrega la calabaza con las especias. También se pueden incluir otras frutas como: tejocotes, guayabas y naranja.

Es muy importante disfrutar todos los platillos que estas fechas nos ofrecen, así como comprender la historia e importancia de cada uno de ellos, ya que de esta manera podremos entender mejor nuestro presente, para mantener y promover nuestras tradi-ciones que forman parte de nuestra identidad cultural.


LG. MARGARITA RAMOS CRUZ

SecciónPor: Mr.Kitsch

El Fausto de Murnau

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El nombre de Fausto nos puede remitir a muchas cuestiones, tal vez al libro de un fa-moso escritor alemán, una leyenda germana, una ópera, una pieza músical, inclusive al séptimo arte.

Fausto es el nombre que se le da a un filme dirigido por Friedrich Wilhelm Murnau, que basándose en una leyenda germana relata la eterna lucha entre el bien y el mal, entre el Eros y Tanatos, entre Dios y Satanás; también es una historia de amor y re-dención, sobre todo de como el ser humano no llega a valorar lo que tiene hasta que lo ve perdido.

Vale la pena poder contemplar una película de este calibre, es considerada por muchos críticos como una joya del cine expresionista alemán; sin embargo, cabe mencionar (y como dato curioso) que fue de las cintas más costosas de Murnau y su último trabajo que realizó en su natal Alemania antes de emigrar a Estados Unidos, además de ser un atractivo sus efectos especiales, trabajados minuciosamente por el director; tanto fue así, que había ocasiones que requerían todo un día de filmación.

El creador de Nosferatu nos regala este trabajo, que si bien no fue de los mejores en su momento (cuando se estrenó en Alemania representó una gran pérdida para la productora, ya que requirió de una inversión de casi 2 millones de marcos y en taquilla sólo pudo recuperar un millón),sí se considero de los más representativos de aquella época, junto con Nosferatu, Metrópolis, El Gabinete del Dr.Caligari, El Golem, entre otras pocas, de tantas que se realizaron.


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Las actuaciones fueron interesantes en su tiempo, debido a que, al ser una cinta muda, los actores requerían realizar un gran trabajo kinestésico, proxémico y gesticu-lador, para poder proyectar el drama que necesitaba esta historia tan conmovedora.Actualmente, dicho trabajo cinematográfico ha sido producto de tributo, al ser musi-calizado en diferentes salas de arte, incluso hasta en la famosa y mexicana Cineteca Nacional; dentro del ciclo “Bandas Sonoras: Cine mudo al ritmo de rock”. El grupo mexicano Dr.Fanatik se encargó de darle vida a esta cinta, su música bizarra y sur-realista reflejó ese sentir del filme, dando como resultado que nuevas generaciones se vuelvan a interesar por ese cine que hoy en día es muy difícil de encontrar íntegra-mente.

El cine de de la década de los 20 y 30 es muy bello, basta con ver ésta y otras cintas realizadas en aquellos años, para que se puedan dar cuenta que por más burdas que fueran las historias o los filmes, lograban dar un mensaje y una mirada de como se vivía en ese momento.


Mr. Kitsch

Frases, curiosidades y algo más…Sección

Por: CP. Alfonso Martínez Cea

Curiosidades ...

Cuando el aire se calienta, sube; el aire frío va a sustituirlo y este movimiento de aire es lo que origina el viento.

Hasta la década de 1960, la mayoría de los receptores de televisión producían imágenes en blanco y negro y funcionaban con bulbos.

Las avispas son cazadores feroces, atacan a casi todos los insectos para devorar-los, incluso a los que las superan en tamaño.

Aunque las hienas parecen perros, están mas estrechamente emparentadas con las comadrejas y los felinos.

Frases bilingües

La calidad nunca es un accidente; siempre es el resultado de un esfuerzo de la inteligencia .

Ningún tonto se queja de serlo; no les debe ir tan mal .

Proverbio Rumano

Noel Clarasó

Los locos abren los caminos que más tarde recorren los sabios .

Todo mundo se queja de su memoria, pero nadie de su inteligencia .

Carlo Dossi

Duque de la Rochefoucauld



Frases bilingües

“Si sabes lo que tienes que hacer y no lo haces, entonces estás peor que antes”.“If you already know what you must do and it then beams you are not worse than befote”.

“La felicidad viaja de incógnito; solo cuando ha pasado sabe-mos de ella”.“The apiñes travels on incognito; when it has only happened we know of her”.

Confucio

Proverbio

“El paraíso terrenal está donde yo estoy”.“The Earthly paradise is where I am”.

“La Victoria pertenece al más perseverante”.“The Victory belongs to but the perseverant one”.

Voltaire

Napoleon I

Referencias electrónicas

Aunque Usted no lo creaMuy Interesante (suplemento)

CP. ALFONSO MARTÍNEZ CEA

conTACTOUdeL Noviembre 2012

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