INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE 1 · de facultad o destreza para hacer algo, en el sentido de...

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1 INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE

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José Jerónimo Rodríguez Carrasco. Profesor de Geografía e Historia. I.E.S. Maestro Domingo Cáceres (Badajoz)

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TEMA 0. INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE.- a) Término “arte”. El arte, un intento de conceptualización. Definición de

Historia de Arte y de estilo artístico. Funciones sociales del arte. b) Terminología y conceptos básicos de arquitectura, escultura y pintura. c) El comentario de la obra de arte.

* * * * * * * * a) Término “arte”. El arte, un intento de conceptualización.

Definición de Historia de Arte y de estilo (los estilos artísticos). Funciones sociales del arte.

1-Término arte. El término arte deriva del latín ars- artis y se emplea con el significado

de facultad o destreza para hacer algo, en el sentido de habilidad “técnica”. Se trata, pues, de una habilidad que puede ser de carácter intelectual o manual.

2- El arte, un intento de conceptualización. Existe una gran dificultad para establecer una única definición de lo que

se entiende por arte. A lo largo del tiempo se han dado muchas interpretaciones entre diversos expertos (artistas, escritores, historiadores del arte…) sobre la propia esencia del hecho artístico. Algunas de las más significativas propuestas son las que se expresan a continuación:

a) El arte como una manifestación típicamente humana. Desde las épocas

más remotas, como la Prehistoria, hasta la actualidad la realización de obras de arte ha acompañado al ser humano como una manifestación que va asociada indisolublemente a su esencia de “animal humano” (pinturas prehistóricas, templos aztecas o mayas, ordenes arquitectónicos griegos, las máscaras africanas, las “Meninas”, “la noche estrellada”..). Por eso el arte se ha convertido en una parte fundamental para comprender las distintas culturas y civilizaciones que se han desarrollado a lo largo del tiempo en el mundo y debería estar al mismo nivel de consideración que la política, la economía, la tecnología, la organización social o las ideologías.

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b) “El arte no reproduce lo visible. Lo hace visible” (Paul Klee). El arte trataría de manifestar todo aquello que a simple vista no se aprecia, todo aquello que se escapa a los ojos. De esta forma el arte daría visibilidad a esos pequeños detalles de la vida diaria que muchas personas no son capaces de captar y a la mayoría les pasan completamente desapercibidos (un paisaje, una composición de objetos, una armonía de colores, un sonido, una imagen…).

c) El arte como un medio distinto de mirar al mundo que nos rodea. El arte para muchas personas se ha convertido en un medio para conocer

y relacionarse de otra manera distinta con la realidad del mundo que nos rodea (el mundo físico y humano). “El arte debe enseñar a mirar la vida” (Muñoz Molina, “El atrevimiento de mirar”).

Muñoz Molina reivindica una mirada más pausada, más detenida, más intensa, que usa el conocimiento para llegar una comprensión más profunda de una obra de arte. Por otro lado, también señala la mirada comprometida y militante de muchos artistas ante realidades duras y crueles de la época en la que les tocó vivir (Ej. la mirada artística de Goya hacia la guerra de su tiempo, la Guerra de la Independencia, que dejó magistralmente reflejada en los grabados de “Los desastres de la Guerra”)

c) El arte como un modo de expresión. Por otra parte el arte se convierte en un medio que emplea el artista para

expresar sus sentimientos, sensaciones, impresiones, experiencias, ideas que proceden tanto del contacto con la Naturaleza, con el mundo social, el de los humanos, como de su propia interioridad (la belleza idealizada en las Venus renacentistas, el paisaje como un medio para mostrar los sentimientos (paisajes románticos), la naturaleza cambiante de las objetos en relación a la luz en los paisajes en los impresionistas como Monet, el empleo de los colores con sentido simbólico para expresar la sensación de negatividad que transmite un lugar en “el interior de café de noche de Van Gogh”…)

d) Arte y mensaje. ¿En todas las obras de arte hay un mensaje claro del artista al

observador de una obra? Unas veces, si, otras veces, no. En algunas ocasiones salta a la vista el significado que nos quiere hacer llegar el autor de una obra la crueldad humana extrema y la erosión irremediable del tiempo que todo lo devora en la “Pintura Negra” de Goya, “Saturno devorando a sus hijos. En otras ocasiones debemos indagar en las circunstancias personales del artistas, en el contexto de la realidad

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histórica que le tocó vivir como en lecturas de obras especializadas para poder comprender en detalle el sentido de una obra (“Las Meninas” de Velázquez, que en el fondo es una reivindicación de la importancia del arte de pintar). Además, también hay que tener en cuenta que en muchas obras no existe un mensaje como tal y el artista juega de una forma ambigua e intencionada con la subjetividad de la interpretación del espectador (arte abstracto, “happenings”).

e) Arte como creación. Un artista al concebir una obra y darle forma

está dando lugar al nacimiento de algo nuevo, único e irrepetible que antes no existía. Este alumbramiento producirá un objeto, un elemento o una realización que serán, a partir de entonces, singulares, únicos e irrepetibles. De ahí el gran ahínco y el enorme esfuerzo puesto por todos los artistas en el proceso creativo en el que algunos como Van Gogh lo daban todo (“en mi trabajo, arriesgo mi vida y mi razón”, “Cartas a Theo”) dando lugar a un aluvión de obras de arte ( Ejemplo. Se calcula que Van Gogh en apenas diez años realizó cerca de 900 cuadros)

f) Arte y belleza. Según Umberto Eco en la “Historia de la Belleza”

“hablamos de belleza cuando disfrutamos de algo por lo que es en si mismo” y que nos es agradable al contemplarlo.

Para muchos artistas la época que recogió el ideal de belleza en grado sumo y lo elevó a su máxima categoría fue la grecorromana –que volvería con el con el Renacimiento o con el Neoclasicismo-. La belleza en el Arte era entendida como sinónimo de proporción, equilibrio y armonía de medidas.

g) Otras relaciones: arte y patrimonio, arte y consumo… 3- Historia del Arte. Concepto. La Historia del Arte es la disciplina que se ocupa del estudio y análisis de

los artistas, de las obras de arte, así como de los estilos artísticos dentro de su contexto histórico y espacial.

4 - Concepto de estilo artístico. Los estilos artísticos. -Definición. El término estilo viene del latín (“stilus”, punzón para escribir sobre una

tablilla de cera) y designa la manera peculiar de ejecutar su obra por parte de un artista. En sentido estricto la palabra estilo hace referencia a la modalidad artística - es decir un conjunto de rasgos artísticos- que

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caracteriza a una época o periodo histórico concreto (Ejemplos: por ello, se habla de arte griego, arte romano, arte barroco, etc.)

5- Las funciones sociales del arte en la Historia. Su valoración en los

distintos momentos históricos y culturas diversas. Desde que aparecieron las primeras manifestaciones artísticas en el

Paleolítico Superior (arte rupestre, arte mueble, figuras antropomorfas...) el arte se ha constituido como un elemento básico de las sociedades humanas de cualquier época o espacio. Para entender de manera completa una civilización humana, a parte de estudiar su forma de vida (economía), su manera de organizarse entre sí (sociedad), las formas de poder e instituciones políticas (organización política) su sistema de ideas o pensamientos (ideologías), etc., es preciso tener en cuenta las manifestaciones artísticas que ha generado. Esas expresiones artísticas no han tenido siempre la misma finalidad en las sociedades humanas a lo largo de la historia, esta ha ido variando y evolucionando.

Funciones sociales del arte durante los diversos momentos históricos y

culturas 1) El sentido mágico que algunos historiadores del Arte han querido ver

en el Arte prehistórico. Según ellos las representaciones animalísticas de las pinturas rupestres tendrían un carácter propiciatorio. El artista-cazador del Paleolítico representaría las especies de animales que más tarde desasearía cazar.

Aunque otros le darían un significado sexual a estas pinturas, asimilando cada una de las representaciones de animales a signos masculinos y femeninos respectivamente. En el mismo sentido se interpretan las denominadas “venus” paleolíticas. Todas estas manifestaciones artísticas habría que relacionarlas con los cultos a la fertilidad. Es de resaltar la importancia que tendrían las funciones reproductivas para asegurar la continuidad de los grupos humanos, en los cuales la supervivencia era un elemento vital.

2) En muchas civilizaciones -desde las más antiguas a las más recientes- el arte ha estado vinculado estrechamente a los distintos poderes políticos y /o religiosos; bien como un medio más para mostrar su dominio ante al sociedad o como método de propaganda. Ejemplo representativos son:

a) Los bastones de mando en la Prehistoria, que se han interpretado como un signo de supremacía de un individuo dentro de un grupo humano.

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b) Las pirámides en la Civilización egipcia (Ej. Pirámide de Keops), que no son otra cosa que tumbas monumentales con la que se expresa el rango que llegaron a ostentar los faraones, considerados como auténticos dioses en la tierra.

c) En la Civilización romana se afianza el estrechamiento de los lazos entre el Arte y los poderes públicos. Los gobernantes romanos, especialmente los emperadores, fueron los que impulsaron la construcción de edificios públicos: teatros, anfiteatros, circos, templos...o bien de construcciones para mostrar sus hazañas al pueblo, generalmente militares, mediante la erección de monumentos conmemorativos (arcos de triunfo -Ej. Arco de Tito-), constituyendo todo ello un efectivo método de propaganda política.

d) En relación con las monarquías europeas, durante el periodo moderno sólo citar a modo de ilustración: el Monasterio de San Lorenzo del El Escorial, símbolo de la fortaleza de la monarquía de los Austria, mandado levantar por Felipe II; o más tarde, con respecto a la realeza francesa, el Palacio de Versalles, autentico símbolo del absolutismo monárquico del s. XVIII representado en Luis XIV.

3) Otra función que ha desempeñado el arte es la de transmitir ideas,

entre ellas: a) Las de carácter religioso, en intima conexión con la religión cristiana

fundamentalmente. Derivado de lo anterior hay que hablar también de un sentido didáctico y moralizante, y habría que referirse al Arte como un recurso para hacer llegar a la gente las doctrinas o normas morales del cristianismo

- Esta intención se aprecia desde los primeros momentos de difusión de los ideales cristianos con el arte paleocristiano.; y durante la Edad Media cuando se afianza un arte cristiano que tiene sus máximas expresiones en : el arte bizantino, ; el arte románico, con un predominio de la finalidad didáctica y moralizante. La misión de manifestaciones artísticas como la escultura románica se inscribe en una sociedad dominada por las ideas religiosas y con una institución tan poderosa como la Iglesia , y teniendo en cuenta, por otro lado, que la mayor parte de la población era analfabeta, dicha estatuaria desempeñaría la función de enseñar a las gentes una serie de normas religiosas y morales. De ahí que la iconografía románica haya sido interpretada por los historiadores del arte como una figuración de los valores antagónicos del bien y del mal. Asimismo habría que citar el arte gótico y el arte el barroco, en el cual muchas obras artísticas se hacían para ponerlas al servicio de la Iglesia Católica, como expresión del espíritu y

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las normas impuestas por la Contrarreforma (Concilio de Trento), frente a los reformadores protestantes.

b) Ideales de carácter estético. Aquí habría que incidir en la conexión entre Arte e ideal de belleza. La idea de belleza ha sido una manifestación constante en toda la extensión de la Historia del Arte, que se ha manifestado con gran intensidad durante determinados períodos o momentos

-En culturas como la griega, alcanzar la belleza es la máxima aspiración de muchos artistas. La belleza se concibe como armonía o equilibrio de medidas (“cánones) en la obra de arte

Los ideales de belleza también ocuparon un eje central durante: El Renacimiento y el Neoclasicismo. Al recuperase en ambos momentos los valores de la Antigüedad clásica. prevalecieron los ideales de belleza, de considerar las obras de arte como una conjunción perfecta de mediadas o proporciones armonizadas, muchas veces idealizadas.

5) El arte puede ser asimismo un distintivo de importancia o rango social

de una serie de individuos. El fomento de la realización de las obras de arte se convertiría en un instrumento para destacar dentro de la estructura social. En este ámbito podíamos citar a los “mecenas” o protectores de los artistas (Ej: los Médicis en la Florencia “quattrocentista”) o coleccionistas bien remotos como las clases dirigentes romanas que copiaban o importaban obras griegas, los papas durante el Renacimiento y el Barroco, o más actuales como personajes del mundo de la empresa o los negocios el barón Thyssen (ya fallecido).

6) El Arte como medio para luchar contra los valores dominantes en una

época, o como método de denuncia y oposición a la estructura de una determinada sociedad o momento histórico. En esta línea hay que mencionar los movimientos de vanguardia que surgieron a fines del s XIX y principios del XX /entre los tuvo especial relieve el dadaísmo).

7) El arte, en sociedades como la nuestra de hoy en día, se ha convertido

en un elemento de consumo. Las obras de Arte son unos objetos más que se compran y se venden en el gran mercado del capitalismo (Ej. subastas y galerías artísticas, o fenómenos más cotidianos y populares como reproducciones de obras de arte que se venden en: carteles, videos CD Rom, libros, fascículos de periódicos... )

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b) Terminología y conceptos básicos de la arquitectura, escultura y pintura.

En los medios de expresión artística más significativos que se dan en

Historia del Arte, la arquitectura, la escultura y la pintura, hay que saber distinguir y aprender una serie de términos y conceptos sobre materiales, elementos formales y procedimientos esenciales para poder entender los estilos artísticos y a los artistas y sus obras.

b) : Definición. Materiales, procedimientos técnicos,

elementos formales. * Definición. La arquitectura es el arte de la creación de espacios

interiores. * Materiales: piedra, ladrillo, tapial (pared hecha con tierra amasada),

hierro, hormigón, etc. * Procedimientos técnicos y elementos formales: Elementos formales:

1) Elementos sustentantes (muro, pilar, columna). 2) Elementos sostenidos (dintel, arco, bóveda, cúpula).

1-Elementos sustentantes: # Muro (Macizo). Elemento sustentante. Es la pared u obra construida

sólida, situada entre vanos, o bien opuesta a vano. (En unos estilos como el románico predominó el macizo sobre los vanos. Lo contrario ocurrió con el Gótico.)

a) Aparejos (se utiliza este término para designar las diferentes formas de tallar y de disponer los materiales constructivos en un muro). Tipos:

- Regular (isodómico, a soga, a tizón, a soga y tizón...). -Irregular (mampostería: muro hecho con piedras irregulares unidas por

argamasa; ciclópeo: muro realizado con piedras de gran tamaño). Vano (Hueco que interrumpe un muro o pared. En general, lo que se opone

a macizo: puertas y ventanas). Partes. - Umbral (puerta). - Alféizar (ventana). - Jambas (laterales). Abocinamiento. - Alfiz.

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# Pilar: Es un elemento sustentante vertical de sección poligonal. Los pilares fueron muy utilizados en el Románico y el Gótico. Tipos: cruciforme, cruciforme con columnas adosadas, fasciculado -Gótico-

- Pilastra: es un pilar adosado a un muro. - Estípite: pilar en forma de tronco de pirámide invertida. Se empleó

mucho durante el barroco. - También suelen tener basa y capitel como las columnas. # Columnas: Son elementos sustentantes verticales de sección curva,

generalmente circular. Suelen constar de tres partes: basa, fuste, capitel. En muchas culturas como la griega la columna fue tratada como un elemento escultórico, dando lugar a los estilos: dórico; jónico, corintio.

2-Elementos sostenidos: # Dintel: Es un elemento sostenido de carácter horizontal construido,

generalmente en una sola pieza. - Arquitectura adintelada o arquitrabada. Es la basada en elementos

horizontales. Ejemplo: los entablamentos de los templos clásicos. El entablamento es lo que se encuentra sobre las columnas. Partes del entablamento: dintel (arquitrabe), friso, cornisa, frontón.

Arquitecturas adinteladas fueron entre otras la de Egipto y la griega #Arco: Es el elemento sostenido de configuración curva. Las piezas que

forman el arco se llaman dovelas. La pieza que ocupa la parte central se denomina clave y la que marca el inicio del arco se llama salmer.

En todo arco hay que tener en cuenta: 1-Las impostas, que es el reborde que indica la separación entre el arco y la parte recta de un vano. Es la superficie de la que arranca un arco. 2-La fecha, que es la altura del arco, contada desde la clave hasta la línea de impostas. 3-La luz, es la anchura del arco.

- Tipos: 1-Arco de medio punto. Es el equivalente al de media circunferencia (Arte

romano, románico...) 2-Arco peraltado. Es el equivalente al de medio punto, más el peralte en

el que se apoya (Arte islámico-periodo nazarí-, románico...) 3-Arco apuntado u ojival. Es el integrado por dos segmentos de arco que

forman un ángulo. Tiene dos centros. Es el característico del arte gótico. 4-Arco de herradura. Es un arco ultrasemicircular; propio del arte

musulmán. 5-Arco lobulado. Es el formado por lóbulos. Si tiene tres lóbulos se llama

trilobulado y si posee más de tres polilobulado. Es característico del arte musulmán, aunque también de otros estilos por influencia de este (Ej: Románico).

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6- Arco mixtilíneo. Es el formado por líneas mixtas. Es típico del arte musulmán- periodo reinos taifas.

7-Arco conopial. Es el que tiene forma de quilla de barco invertida. Consta de cuatro centros, dos interiores y dos exteriores. Muy utilizado en el gótico.

8-Arco carpanel. Se parece al rebajado. Se traza a partir de tres centros: propio del gótico.

9-Arco rebajado. Es aquel cuya curva es inferior a media circunferencia. Está descrito con un solo centro. El escarzano es un arco rebajado formando un ángulo de 60º.

10-Otros. # Bóveda: Es un elemento sostenido que tiene su origen en el movimiento

de un arco. - Tipos: 1-Bóveda de medio cañón. Es la formada por el movimiento de traslación

de un arco de medio punto a lo largo de un eje longitudinal (Románico...) 2-Bóveda de arista. Compuesta por la intersección perpendicular de dos

bóvedas de medio cañón. Es típica del románico. 3-Bóveda de nervios (o de nervadura). Constituida por nervios y

plementos. Existen diversos tipos según el número y la disposición de los nervios:

- Bóveda de crucería (simple). También llamada ojival. Originada por la intersección de dos arcos ojivales. Es típica del gótico.

- Bóveda sexpartita. - Bóveda de terceletes. - Bóveda estrellada. 4-Bóveda de cuarto de esfera (de cascarón o de horno). Equivalente a un

cuarto de esfera. Cubre generalmente el espacio de un ábside. 5-Bóveda anular. Es la de medio cañón que cubre un espacio circular o

curvilíneo. 6-Bóveda de arcos entrecruzados. Típicamente musulmana. Formada por

el cruzamiento de arcos que no pasan por el centro. 7-Bóveda vaída. Se trata de una bóveda semiesférica cortada

verticalmente por cuatro planos paralelos entre sí, dos a dos. Se utilizó durante el Renacimiento.

8-Otras. - En las bóvedas podemos distinguir: - Arcos fajones. (Perpiaño en el estilo románico). Son los que cortan la

bóveda en sentido transversal a su eje.

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- Arcos formeros. Son los paralelos al eje longitudinal de la nave y sirven para unir y, a la vez, separar una nave de las naves contiguas.

- Arcos torales. Cada uno de los cuatro arcos que forman el crucero. *Cúpula: Es la bóveda creada por el movimiento rotatorio de un arco. La

más común es la semiesférica o de media naranja, originada por la rotación de un arco de medio punto. Se asienta bien sobre pechinas (son cada uno de los triángulos esféricos que sirven para pasar de la superficie cuadrada de la planta a la circular de la cúpula), trompas (Son bovedillas semicónicas que sirven para pasar de una planta cuadrada a la octogonal de la cubierta sobre la que va la cúpula), tambor (estructura cilíndrica poligonal que sustenta la cúpula otorgándole mayor altura). En la parte superior suele tener una abertura para dar luz: la linterna.

- Tipos: 1-Otras: Cúpula bulbosa. *A la hora de estudiar un edificio debemos considerar, por otro lado: 1-El plano o planta. Es el dibujo (hecho a escala) de la sección horizontal

de un edificio. En él aparecen los muros, las columnas, pilares, vanos y la proyección de la bóvedas.

- Tipos: - Longitudinal. Es aquella planta en la que predomina un eje longitudinal

(el largo del edificio). Tipos: planta basilical. Es que tiene su origen en las basílicas romanas: edificio longitudinal, normalmente con tres naves - la central a mayor altura que las dos laterales- y ábsides en la cabecera. . Dentro de las plantas basilicales destaca la planta balilical de cruz latina., que es la que consta de un eje longitudinal, el mayor -como la basilical- y otro transversal más corto (transepto o crucero).

-Centralizada. Es la planta que se organiza en torno a un centro. Tipos: 1) Cruz griega. Es la planta que consta de dos ejes iguales. 2) Circular. Es la que tiene forma de circulo. 3) Poligonales, son las que siguen la forma de polígonos (Ej. Un octógono).

2-El alzado. Es la proyección (a escala) o dibujo de la sección vertical de

un edificio.

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c) . Definición. Materiales, tipología, procedimientos técnicos, elementos formales.

*Definición: La escultura es el arte de la creación de volúmenes, es decir,

la realización de figuras en sus tres dimensiones; mediante el modelado, tallado o el esculpido empleando diversos materiales.

* Materiales (son variados). - Mármol y alabastro. Se utilizan mucho por su facilidad para esculpirse y

por su acabado brillante. Arte griego, romano, renacentista, etc. - Granito. Se usa para obras de sentido monumental. - Bronce. Aparece en estatuas de carácter urbano, ecuestre, fuentes,

etc. - Madera. Es el material más empleado para estatuas destinadas a

retablos, sillerías de coros, pasos procesionales. Policromada o no. Se muestra con profusión en el Renacimiento y Barroco español.

- Otros: Terracota (barro cocido). - Oro y marfil (esculturas crisoelefantinas), etc. * Tipología: 1-Bulto redondo. Es aquella escultura que se encuentra exenta (porque no

está pegada a nada, está aislada) y es independiente del marco arquitectónico; además puede contemplarse desde todos los puntos de vista a su alrededor.

2-Relieve. Se trata de una escultura adherida a un plano (no exenta y no liberada físicamente del plano arquitectónico) y, por tanto, solo cabe mirarla desde un punto de vista, el frontal. Según el relieve sobresale del plano se distingue entre:

- Alto relieve. En este tipo las figuras parecen casi de bulto redondo, pero adheridas al plano, pues sobresalen más de la mitad respecto a éste.

- Medio relieve. En él las figuras parecen estar como cortadas por la mitad, ya que sobresalen casi un 50% respecto al plano.

- Bajo relieve. Es un tipo de relieve en el cual las figuras sobresalen muy poco respecto al plano del fondo.

Según la actitud de la figura representada podemos también establecer

varios tipos: - De pie. - Sedente. Sentada. - Orante. De rodillas con las manos juntas - Yacente. Tendida.

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- Ecuestre. A caballo. - De pie. Dependiendo de la parte del cuerpo representada se diferencia entre: - Busto. Representa solo la cabeza y la parte superior del tórax. - Torso. Le falta cabeza, brazos y piernas. - Cuerpo entero. Por otro lado se puede hablar también de grupo, cuando se representa un

tema por medio de un conjunto de figuras. * Procedimientos técnicos. Existen varios métodos para efectuar una

escultura: - Sustractivo (de quitar) Consiste en partir un bloque compacto. La

escultura ya está ahí- como decía Miguel Angel-y sólo hay que quitar lo que sobre. Al ir desbastando la piedra o la madera, el escultor va realizando volúmenes negativos y el resultado es lo que deja sin tocar. Para la piedra, mármol, etc. se utiliza como técnica el esculpido (cincelado) y para la talla la madera.

- Aditivo (de añadir) Supone ir añadiendo materia sobre una armadura mínima. Aquí el escultor debe ir concibiendo los volúmenes positivos e irlos creando. Por lo general, se utiliza como materiales la arcilla, el metal y la madera; como técnicas el modelado, la soldadura y el encolado

Para las estatuas obtenidas a partir de un molde- generalmente para la fundición de figuras en bronce- se utiliza la técnica del vaciado- Supone obtener un molde de la obra y con él reproducir la misma obra una y varias veces en un estado que pueda obtenerse en estado líquido y que después termine fraguando y endureciendo (cera, escayola, cemento, metal fundido, plásticos, etc.) Tipos:

a) Procedimiento de fundición “a cera perdida”. Se suele utilizar para obtener pequeñas escultura de bronce (macizas). Pasos a dar: 1) Se hace un modelo de cera que se recubre de arcilla mezclado con arena, yeso...(materiales refractarios: materiales que resisten la acción del calor sin modificarse o derretirse), constituyendo el molde, que reproduce en negativo todas las formas del modelo en cera. 2) En el molde se dejan orificios de entrada y salida. A través del orificio de entrada se vierte la colada de bronce fundido en estado líquido que penetra en el interior y desplaza la cera hacia el orificio de salida, ocupando su lugar. 3) Por último, se deja enfriar el metal, se fractura y se quita el molde, quedando la escultura lista para pulirla y acabarla.

b) Procedimiento de fundición “en hueco”. Es un método apropiado para esculturas de gran tamaño. Modo de empleo: 1-En primer lugar se prepara un núcleo interior en arcilla con arena, en yeso o cualquier materia refractaria.

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2-Sobre este núcleo se hace un molde de cera. 3-Posteriormente la cera se reviste de la misma materia refractaria que el núcleo interior, tras lo cual el bronce fundido se vierte por el orificio de entrada que se ha dejado en el molde para desplazar a la capa de cera hasta el orificio de salida. 4) Cuando el metal ya se ha enfriado y se ha roto el molde, liberando la escultura, a esta hay que vaciarle todavía el interior para que quede hueca por dentro.

*Elementos formales. - La composición. Es la disposición o distribución de los distintos

elementos que integran una escultura. La composición en escultura se ha debatido tradicionalmente entre dos

principios rectores: - El reposo o carácter estático. - La ilusión de movimiento o carácter dinámico. 1-El reposo o carácter estático. Se aprecia en la escultura egipcia y en la estatuaria griega de la época

arcaica (ss. VII y VI a.C.) Las composiciones escultóricas responden a la “ley de la frontalidad”,

según la cual la figura humana es sometida a un principio compositivo en la que se presenta vista de frente, con el cuerpo dividido en dos partes iguales, mediante un eje vertical imaginario que pasa entre las cejas, por la nariz y el ombligo. Las esculturas que se ajuntan a este principio son rígidas, hieráticas, etc.

2- La ilusión de movimiento. Se obtiene mediante dos recursos compositivos: a) El ritmo. Tiende a convertir lo estático en dinámico, mediante la armonía en la

distribución de los elementos compositivos. Entre los recursos para conseguirlos están: -La duplicación o multiplicación de perfiles (de frente, perfil...) (Ej.

relieves egipcios o mesopotámicos.) -Unidades rítmicas elementales: a) Ritmos lineales: oblicuos o en diagonal.

b) En forma de “S”, helicoidales, zig-zag...c) Otros: en pirámide, en circulo, etc.

-Los basados esencialmente en la contraposición armónica de las partes del cuerpo humano, como los utilizados en la escultura griega (“contrapposto”: o sea, disponer en una escultura un brazo que avanza y una pierna que retrocede, buscando el equilibrio en una figura estática.

b) La tensión Se consigue dando forma dinámica a la escultura mediante una fuerza

interior que pugna por exteriorizarse (Ej. Miguel Ángel).

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*Otros aspectos interesantes de la escultura a la hora de hacer su

estudio son: -Si una escultura aparece con caracteres realistas o idealizados

(pudiendo haber intención detrás de todo esto o no) - La luz y el color. 1-La luz. Las diferentes partes de la escultura proyectan más o menos

luminosidad; resultan más o menos claras. Puede haber efecto de claroscuro (unas zonas en sombra y otras iluminadas).

2-El color. En cuanto al color la obra puede ser monócroma o policromada.

- Textura. Muchas veces el escultor para diferenciar las distintas partes del cuerpo humano (piel, ojos, cabellos, las vestiduras, joyas, armaduras, etc. no pulimenta o trata de la misma manera el material con el que trabaja para así sugerir al espectador sensaciones táctiles diferentes.

d) . Definición. Materiales, procedimientos técnicos, elementos

formales. * Definición. La pintura es el arte de aplicar colores (pigmentos) y líneas

(dibujos) sobre una superficie plana (de sólo dos dimensiones). * Materiales. En pintura hay que distinguir entre: a) El soporte plano de dos dimensiones sobre el que se pinta (muro, papel,

tabla, lienzo, etc). b) El pigmento. (Color). Es la materia colorante, es decir, los elementos

naturales o artificiales que proporcionan un color. (Ejemplo: el carbón produce el color negro.)

c) El aglutinante, que es una sustancia líquida que fija y da consistencia a un color (Ejemplo: el aceite en la técnica al óleo, huevo en el temple...)

d) Otros materiales pictóricos. A partir sobretodo de los movimientos de vanguardia (fines XIX/principios del. XX) se incorporaron a la pintura materiales como: papales pegados, arenas, trapos, maderas, objetos metálicos...

*Procedimientos técnicos: Existe una amplia gama. Los más destacados son: - El fresco. Técnica utilizada para la pintura mural. Para aplicarla exige

las siguientes condiciones: 1-Revocar el muro, es decir, que se haga un

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enlucido a base de arena fina, cal y polvo fino de mármol. 2-Humedecer el muro. 3- Aplicar los colores con agua de cal. Este procedimiento tiene: la ventaja, de que al convertirse la disolución de cal en carbonato cálcico, se convierte en una sustancia muy resistente a los agentes externos y de gran duración (de ahí su utilización para exteriores); el inconveniente: exige gran destreza y rapidez de ejecución al pintor, ya que el muro no se puede dejar secar: Además tampoco admite retoques.

- La acuarela. Técnica pictórica que consiste en diluir los colores en agua y aplicarlos sobre papel, por lo cual seca rápidamente y obliga a tener una ejecución rápida. Caracteriza a la acuarela la transparencia y la luminosidad de los colores. No utiliza el blanco como pigmento.

- La tempera. Muy parecida a la a la técnica anterior. Tiene a favor que se pueden superponer los colores y retocarse después de estar terminada la obra. Es menos luminosa que la acuarela -colores algo opacos y apagados-. Sí utiliza como pigmento el blanco.

- El temple. Es una de las técnicas que más se usa en la pintura sobre tabla, aunque también se emplea sobre lienzo y en menor medida se puede aplicar igualmente sobre muro. Consiste en diluir los colores en agua templada (“temperada”) a la que se han añadido aglutinantes como el huevo, goma arábiga, etc. Al utilizar el huevo es un procedimiento más brillante y lento de secar. Tiene la ventaja de que, a diferencia del fresco, es posible retocarlo en frío.

- El óleo. Es el procedimiento pictórico más utilizado a partir del s. XV. Fue pefeccionado y difundido por los pintores flamencos. Consiste en mezclar los colores en aceites especiales (secantes) como el de nueces y el de linaza- semilla de lino- y aplicarlos sobre un lienzo o una tabla previamente preparados. Es el procedimiento más lento en secar de todos los conocidos, lo que permite un trabajo sosegado, hacer interrupciones y retoques. El mayor inconveniente que tiene es el oscurecimiento de los aceites con el paso del tiempo.

- La encáustica. Técnica pictórica consistente en diluir los colores en cera fundida, a la que se añade resina para darle más dureza. Hay que pintar en caliente y para aplicar los colores se emplean paletas y espátulas metálicas - previamente calentados en una estufa -. Las ceras de colores son una versión actualizada de esta técnica antigua.

- El acrílico. Método pictórico en el que se usa como aglutinante el acrílico, que es un emulgente, o sea, permite unir el agua con el aceite, por lo que ambos elementos pueden utilizarse para extender el color.

Participa de las ventajas del temple y del óleo, es decir, es lento de secar. Sin embargo, su capacidad de cubrir un color con otro es inferior, ya que unos colores no ocultan a otros.

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- El mosaico. Es un procedimiento que no utiliza colores. El color lo proporcionan directamente las teselas o piezas pequeñas de piedra, vidrio o metal, con las que realmente se “pinta”.

Se trabaja sobre un dibujo previo hecho en papel, y en posición horizontal, en donde se van colocando las teselas que van configurando formas. Posteriormente se encolan papeles sobre el trabajo acabado para poder trasladarlo, así al muro que tendrá la argamasa (capa de cal, arena y agua) preparada. Una vez fraguada ésta se desencolan los papeles se sujeción y transporte, para proceder a la limpieza y acabado final.

- La vidriera. Se trata de un armazón o bastidor de madera o metálico con vidrios utilizado en puertas y ventanas. (La vidriera emplomada es la que tiene tiras de plomo para encajar en ella los vidrios).

Al igual que en el mosaico se trabaja sobre un plano horizontal y sobre un dibujo previo en el que han diseñado los cortes de los vidrios que irán configurando las figuras.

Una vez cortados los vidrios (del color que conviniere) se pintan los grafismos de los rostros, cuerpos, pliegues de trajes, sombras... con pigmentos, y se introducen de nuevo en el horno, para que la pintura penetre en el vidrio, que se ha elaborado, previamente en el horno. Posteriormente se recompone el mosaico, se unen sus bordes con plomo, se arma sobre hierros sólidos y se lleva al ventanal.

*Elementos formales: 1-La línea. /El dibujo. Son las líneas que determinan el contorno (líneas

exteriores) y los dintornos - líneas interiores- de las cosas o figuras representadas.

Rasgos: - Poder limitativo, que acota y define el objeto. - Identifica y reconoce las formas.

Tipo de trazos lineales: - Continuos y cerrados: delimitan formas finitas y acabadas. -Discontinuos y abiertos: producen formas indeterminadas indefinidas.

2-El color. Es la cualidad de los objetos originada por la impresión que los rayos del

Sol producen en la retina, al reflejar unos rayos de luz y absorber otros. (La luz al atravesar un prisma se descompone en siete colores del espectro).

El color es un elemento básico de la pintura. Sirve para crear efectos como la luz y el volumen, por tanto de la profundidad (sobretodo en la perspectiva aérea). Los colores pueden ser:

- Oscuros o luminosos.

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- Naturales (si son semejantes a los colores de los objetos y seres naturales) o irreales (si no tienen parecido con el natural (cielo verde, agua amarilla, etc).

En una pintura se pueden utilizar muchos o pocos colores. Es posible que aparezcan superficies tonales (degradaciones de un mismo color) o superficies planas (utilización de colores sin distintos tonos).

- En cuanto a los tipos de colores, es preciso distinguir entre: 1-Colores primarios o fundamentales (elementales o simples. Son tres: el

rojo, el amarillo y el azul). 2-Colores binarios. Formados por la mezcla de dos primarios. Son tres: el

naranja (rojo más amarillo); verde (azul más amarillo); y violeta (rojo más azul).

3-Colores terciarios. Son los originados por la combinación de un binario y un primario. Esta forma de combinación se puede seguir indefinidamente hasta dar una gama enorme de colores.

Por otro lado hay que hacer mención de: - Los colores complementarios. Son los que al yuxtaponerse se

intensifican mutuamente y al mezclarse en parte iguales se destruyen dando lugar a un gris neutro. Los colores complementarios son uno secundario y el primario que no entra en su composición: el verde es el complementario del rojo; el naranja lo es del azul y el violeta del amarillo.

Otra distinción es la que se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales que sugieren los colores y así hay que mencionar:

- Los colores cálidos o cercanos: rojo, amarillo y naranja. Expanden la luz y son salientes, avanzan hacia el espectador (Tb. relación con el sol, la alegría).

- Los colores fríos o lejanos: verde, violeta y azul; Absorben luz, son entrantes y se alejan del espectador. (Tb. relación con el agua y la naturaleza).

Esta distinción se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales. Existen asimismo teorías que asocian los colores a: - Emociones y sensaciones (rojo: vida, sangre; azul: cielo, agua; verde:

vegetación; amarillo: fuego y luz...) -Son asociaciones naturales. - Ideas o conceptos (blanco y azul: pureza). - Asociaciones por tradición

cultural-. Otros términos relacionados con el color: - Paleta. Conjunto o escala de colores preferidos por un pintor - Gama. Serie de matices de un mismo color.

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- Factura de color. Se llama así a la manera en la que el artista ha distribuido los colores, bien con toques ligeros y difuminados, o con pinceladas espesas y contrastantes.

Sobre la distribución de los valores tonales en la organización de la obra de arte está el claroscuro.

(Hay que resaltar que una realización pictórica prevalece unas veces el

dibujo o el color; o bien se establece un equilibrio entre ambos elementos.). 3-La composición. Es la ordenación organizada de las figuras, objetos o

colores en un una obra pictórica. Tipos: - Sin aparente composición: Yuxtaposición de elementos (colores,

figuras...) 1) Las basadas en la línea, que han dado lugar a esquemas compositivos: - Simétricos. - Piramidales (triangulares). - En diagonal - En espiral. Línea serpentinata (Manierismo). - Circular. - Rectangular. (Isocefalia. Consiste en disponer las cabezas a la misma altura). 2) Las basadas en el color (tanto en la pintura figurativa como en la

abstracta) Ej.- Los movimientos de vanguardia -Pintura abstracta- En otro orden de cosas las figuras pueden aparecer bien: - Quietas o en reposo. - En movimiento, mostrando tensión dinamismo. 4- La representación del volumen. La Pintura en sí es bidimensional (dos dimensiones: alto y ancho),

extendiéndose sobre una superficie, sin embargo el lenguaje pictórico ha tratado de sugerir o representar mediante ilusiones ópticas la tercera dimensión, lo profundo, creando así apariencia de volumétrica.

- Maneras de representación del volumen: a) El modelado Es posible conseguirlo mediante: - La gradación de luz y sombra; representado las zonas más próximas al

ojo con más luz, mientras las más alejadas en penumbra o en sombra, con

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ello se obtiene que la figura destaque en relieve sobre la superficie del cuadro.

(Ejemplo: claroscuro violento de Caravaggio -tenebrismo-; “sfumato” o difuminado suave de Leonardo).

- El color. Los colores se aclaran o se transparentan en las zonas más próximas al observador mientras se van oscureciendo en las partes más alejadas. Con ello también se obtiene el efecto volumétrico. Además cada color se comporta de manera diferente en relación a la luz, cada uno de ellos tiene distintos valores respecto a la luz y puede presentar distinta intensidad. (Este último es un recurso muy utilizado por impresionistas y postimpresionistas).

b) El escorzo. Es un recurso plástico que consiste en disponer a los objetos en posición

perpendicular u oblicua respecto al plano de la obra pictórica La sensación de volumen ha sido un efecto que muchas veces se ha

querido obtener en pintura, pero en otras ocasiones se ha prescindido de él dando lugar a una pintura plana, sin profundidad.

c) La perspectiva. Se denomina así al sistema o artificio que permite

representar sobre una superficie plana, de dos dimensiones, el espacio y los objetos que hay en éste tal como son en la realidad (tamaños, disposición, etc.), por medio de la simulación de la tercera dimensión o profundidad.

- Si no se utiliza la perspectiva, hablamos de pintura plana, sin representar ficticiamente el espacio (Ej. arte rupestre, egipcio, bizantino, románico, fauvismo, arte contemporáneo en general).

- Perspectiva lineal o geométrica. Se consigue mediante líneas diagonales que confluyen en un punto, denominado punto de fuga, en el fondo del cuadro. Mediante este sistema se consigue representar las cosas más grandes o más pequeñas en función de la distancia en que estarían situadas respecto al espectador (Fue muy utilizada a lo largo del Renacimiento y del Barroco y en los movimientos posteriores).

- Perspectiva aérea. (El comienzo de su uso así como su teorización se debe a Leonardo da Vinci)- La perspectiva aérea es la que intenta representar la atmósfera que envuelve los objetos, pintar el aire del cuadro; para ello partiendo de la perspectiva lineal, se van difuminado los colores y los contornos de la figuras en relación a la distancia. La luz y el aire interpuestos entre el ojo del espectador y los objetos difuminan los contornos y, por tanto, no se aprecian con la misma nitidez objetos situados en primer plano que los que ocupan el fondo. Al mismo tiempo, los colores también se van modificando con la distancia. (Tiene su máximo exponente en el Barroco -Velázquez- y en los movimientos del s. XIX).

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Según el punto de vista elegido para realizar la perspectiva se puede

hacer una diferenciación entre: - Perspectiva de punto de vista normal o frontal. El punto de vista está

en el centro del cuadro. Es la más utilizada en pintura. - Perspectiva caballera (o de punto de vista alto). También se le llama “a

vista de pájaro o militar”. Es la que se obtiene desde un punto de vista semejante a un jinete, más elevado de lo normal. Con ella se contempla una amplísima superficie de terreno. (Ha predominado en la pintura Flamenca).

- Perspectiva de punto de vista bajo. Se obtiene desde un punto de vista colocado cercano al suelo. Esta perspectiva se utiliza para lograr efectos de sensacionalismo, de grandilocuencia, etc. (Fue utilizada sobre todo en el Renacimiento -Mantegna-).

* Forma de representación. hace referencia a si la representación de las

figuras es realista o existe una idealización.

c) El comentario de una obra de arte. A la hora de contemplar, analizar y comprender una obra de arte hay que

tener en cuenta diversos tipos de elementos, que se pueden sintetizar en el siguiente esquema:

1-La localización. En primer lugar hay que citar de forma breve la época o

el estilo a que corresponde la obra de arte y -si se conoce- su autor y su nombre. Además, hay que hacer un escueto contexto histórico en el que se relacione la obra con las características más significativas del momento histórico en el que se hizo.

2-La descripción y las características técnico y artísticas. A

continuación, se realizará una descripción razonada de la obra en función de lo que se ve (no se trata de copiar un texto ya hecho). Asimismo, se explicarán sus características técnicas y artísticas, utilizando el vocabulario adecuado y se aludirá a los aspectos formales de la misma (materiales, procedimientos técnicos, elementos formales).

3-La valoración. Por último, se realizará una valoración de la obra explicando el significado

de la misma y las interpretaciones que se dan sobre su proceso de creación o sobre su influencia en estilos, obras o artistas posteriores.

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ASPECTOS ICONOGRÁFICOS E ICONOLÓGICOS. a) Iconografía. Es la ciencia o disciplina que tiene como objeto de estudio

las imágenes artísticas Las dos grandes series iconográficas del arte occidental son:

-La mitológica clásica. Es decir la representación de personajes y dioses sacados de los mitos

griegos y romanos. A parte de los períodos correspondientes a las civilizaciones griega y romana, las referencia a la mitología clásica han estado continuamente presentes en la Historia del Arte Occidental en múltiples obras escultóricas y pictóricas, abundando con especial fecundidad en momentos como: La época clásica (Grecia y Roma), el Renacimiento; el Barroco; o el Neoclasicismo, o personalidades como Goya..

- Ejemplo: Venus /Afrodita: Trono Ludovisi (Grecia), Botticelli (Renacimiento). Venus de Gnido (Praxíteles, Grecia), Venus de Milo (Época helenística, Grecia); Venus de Ticiano, de Giorgone (Renacimiento), “Venus del Espejo” Velázquez (Barroco)...

- La iconografía cristiana. La iconografía cristiana la constituyen toda la serie de imágenes relacionas con personajes, símbolos o historias sagradas de dicha religión, en concreto sobre la Biblia (Antiguo y Nuevo Testamento): Cristo, la Virgen María, Apóstoles, Profetas, etc., así como de santos/as y mártires u otras representaciones sagradas de la religión cristiana. Las imágenes más comunes son: 1) La cruz, o Cristo crucificado, , 2) La Virgen con el niño. La Virgen portando en su regazo, en su piernas o en brazos a Jesús de niño. 3) El Pantocrator. (Cristo en Majestad). Se representa a Cristo resucitado y triunfante, envuelto en la mandorla o almendra mística portando los Evangelios en una mano y bendiciendo con otra. Imagen muy repetida en el arte románico 4) La Inmaculada. Se representa a la Virgen María suspendida en el aire sobre una nube y /o la luna y con las manos juntas. Tema frecuente del arte barroco. 5) La Anunciación. La Virgen María recibe el anuncio del Arcángel Gabriel de que ha sido elegida por Dios para ser la madre del Mesías, Cristo. 6) La Piedad. La Virgen María sostiene en sus brazos el cuerpo muerto de Jesucristo.

b) Iconología.- Término en el campo de Arte para designar el significado, contenido o sentido propio de una obra; o dicho en otra palabras los concepto, ideas y valores de la que es portadora la obra de arte.

Para valorar el significado de la obra de arte es preciso tener en cuenta aspectos ideológicos, filosóficos, socioeconómicos de la época

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Ejemplos en la Historia del Arte: - Significado mágico de las pinturas rupestres paleolíticas. - Ideas del bien y el mal que descansan en la iconografía románica. - Idea de belleza (armonía, equilibrio de medidas). Representación de

Venus, símbolo de la belleza. - Pintura expresionista: imágenes como expresión de la interioridad de la

persona, su modo de ver las cosas, sentimientos, deseos. - Pintura surrealista. Imágenes extraídas del mundo de lo onírico y del

subconsciente, etc. ASPECTOS FORMALES (Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales). A) Arquitectura. 1-Materiales (piedra, ladrillo...). Aparejo (tipos, disposición). 2-Tipo de Planta. *Longitudinal: basilical, cruz latina. *Centralizada: cruz griega, circular, octogonal. 3-Partes del edificio. (Interior y exterior). 4-Elementos sustentantes y sostenidos. *Elementos sustentantes (muros, pilares, columnas...). *Elementos sostenidos (dintel -arquitectura adintelada o arquitrabada-,

arcos, bóvedas.) B) Escultura. 1-Materiales (mármol, bronce, madera...). 2-Tipología. *Bulto redondo. *Relieve (alto, medio o bajo). -Actitud (sedente, yacente...), parte del cuerpo representada (cuerpo

entero, busto,etc) 3-Composición (en diagonal, piramidal, en espiral, en zig-zag...) (Otros aspectos: movimiento o estatismo; color; textura...) C) Pintura.

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1-Técnica pictórica (fresco, temple, óleo...). Soporte (muro, lienzo, tabla...)

2-Dibujo. 3-Color/es. (Tipo de colores empleados) 4-Luz (Si se obtiene o no la captación de la luz). 5-Composición (yuxtapuesta, simétrica, horizontal, triangular, en

diagonal...) 8-Volumen (pintura plana o intento de crear la tercera dimensión). 6-Perspectiva: - Tipo: Lineal o geométrica; aérea. - Punto de vista: normal o frontal, caballera (alto), punto de vista bajo. (Otros: movimiento o quietud...). EL AUTOR

a) El artista y el proceso de creación.-

Hacer una obra de arte es un proceso de creación, pero éste no es algo

neutro, ni abstracto si no que a la hora de abordar su estudio es preciso contar con el artista, analizar sus circunstancias personales en un doble sentido, por un lado observando las conexiones de sus obras con su trayectoria vital o evolución personal y por otra parte su personalidad da a su obra.

*La trayectoria vital. Los hechos o acontecimientos que van moldeando la vida personal de un artista se van a ver reflejados en su proceso creador (Ejemplos: 1-Velázquez, pintor sin problemas económicos tras ser nombrado pintor de cámara de Felipe IV (retratos de personajes de la familia real); transformación artística de Goya a raíz de sus desgarros interiores provocados por la sordera y los desmanes que se cometieron con la Guerra de la Independencia).

*La personalidad. Desde el terreno de la psicología en general y del psicoanálisis en particular se ha querido incidir en los vínculos entre la creación artística y el modo de ser del artista, es decir , lo que le impulsa a crear una obra, resaltando todo lo relacionado con el mundo del inconsciente (sentimientos, deseos, frustraciones; así por el ejemplo la obra de arte aparecería como un medio de sublimación de los instintos, manifestación de narcisismo...) o ciertas comportamientos patológicos, en la cual la obra de arte se muestra como fruto de la tensión interior del artista o como medio para evadirse o tratar de salir de ella ( Ej.Van Gogh).

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b) Consideración social. Circunstancias sociales. La consideración social de los artistas ha experimentado cambios a lo

largo del tiempo. En períodos como La Edad Media el artista era normalmente un ser anónimo, un artesano que hacía su obra por encargo, ajustándose normalmente a los gustos patrones e ideas de la persona de que quien dependía. En otras ocasiones, como durante el Renacimiento, los artistas se convierten en un grupo social muy apreciado tanto por su genio intelectual, por sus habilidades técnicas y su capacidad creadora, así como por su destreza para idear y llevar a la práctica auténticas obras inigualables que ha pasado a la posteridad - es el caso de Miguel Angel -. Otras veces puede ocurrir que la obra de un artista sea menospreciada o infravalorada en la época en la que vive y posteriormente con el paso del tiempo se convierta en un elemento de admiración y veneración (Ej. Van Gogh).

Las circunstancias sociales. El artista no es un ser que vive separado de la sociedad de su época sino un componente más de ésta y, en consecuencia, estará influido por las ideas, gustos, modas o tendencias de su tiempo. (Ejemplos: El arte románico fue un arte fundamentalmente religioso debido a que la religión y la Iglesia -como institución- ocupaban un papel esencial en la vida del Hombre medieval y pretendía ante todo transmitir ideas religiosas y morales. En el Renacimiento se recupera la temática mitológica por la afición a la Antigüedad grecolatina, el ideal de belleza como máximo exponente del goce estético ...)

c) El papel de clientes y mecenas. Los clientes en Arte serían todas aquellas personas que demandan,

patrocinan o impulsan la realización de obras artísticas. Los “mecenas” (la palabra viene de Cayo Cilnio “Mecenas”, amigo de Augusto y protector de las letras y la literatura) han sido personajes que se han dedicado a patrocinar las letras y las artes. En el terreno artístico se convirtieron además en auténticos protectores de los artistas. Todos ellos clientes y mecenas ejercieron una influencia determinante en la promoción del Arte y de las tendencias estéticas o estilísticas.

(Ejemplos: 1- No se concibe el esplendor artístico renacentista del “Quattrocento” florentino sin la protección de la familia Médicis; o el de la Roma renacentista y barroca sin la intervención de los Papas (Julio II-Basílica de San Pedro, frescos de la capilla Sixtina, etc). 2-No se comprende tampoco el predominio aplastante de la temática religiosa en la

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pintura y escultura barroca española sin conocer que el cliente principal fue la Iglesia Católica).

Otros ejemplos son: 3-Los monarcas absolutos, como los franceses, quienes para expresar su poderío y grandeza impulsaron la realización de obras del porte del Palacio de Versalles, mandado a construir por Luis XIV. 4-La rica y acomodada burguesía de países como Holanda en el s. XVII, que impone sus gustos en la temática pictórica -ausencia de representaciones religiosas, paisajes, interiores de casas burguesas, retratos, etc.

En cuanto a personalidades individuales cabe resaltar el mecenazgo que ejerció el rey Felipe IV respecto a Velázquez. El convertirse en pintor de cámara de dicho monarca le permitió vivir sin estrecheces económicas y no tener que vender sus cuadros para subsistir. Lo mismo cabe decir de Goya con respecto a personajes como Carlos IV o nobles como el duque de Osuna.

INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE 1 · de facultad o destreza para hacer algo, en el sentido de...

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