ARTE NEOCLÁSICOARTE NEOCLÁSICOEl El NeoclasicismoNeoclasicismo representa la 2ªoleada representa la 2ªoleada recuperadora de la antigüedad greco-latina. recuperadora de la antigüedad greco-latina. El Renacimiento lo precedió.El Renacimiento lo precedió.

El gusto neoclásico aparece en Italia en los El gusto neoclásico aparece en Italia en los años centrales del siglo XVIII,como un años centrales del siglo XVIII,como un rechazo intelectual a los efectos ilusionistas rechazo intelectual a los efectos ilusionistas del barroco tardíodel barroco tardío.. En su desarrollo se En su desarrollo se escalonan escalonan 2 etapas2 etapas..

La La 1ª1ª tiene su epicentro en tiene su epicentro en Roma y aparece Roma y aparece representada por 2 teóricos representada por 2 teóricos alemanes: Winckelman y alemanes: Winckelman y Mengs.Mengs.

La La 2ª2ª viene marcada por la viene marcada por la aceptación y difusión aceptación y difusión internacional de sus internacional de sus principios a través de las principios a través de las academias.academias.

Winckelman era un teólogo Winckelman era un teólogo protestante, que, en 1775, se hizo protestante, que, en 1775, se hizo católico con el fin de ocupar la plaza católico con el fin de ocupar la plaza de bibliotecario y conservador de las de bibliotecario y conservador de las antigüedades griegas y romanas del antigüedades griegas y romanas del Museo Vaticano. En ese mismo año Museo Vaticano. En ese mismo año publica su obra Reflexiones en torno a publica su obra Reflexiones en torno a la imitación de la pintura y la la imitación de la pintura y la escultura de los griegos, que pronto escultura de los griegos, que pronto será considerada como el ideario será considerada como el ideario estético del nuevo estilo.estético del nuevo estilo.

Mengs fue pintor y tratadista.Como Mengs fue pintor y tratadista.Como pintor rompe con la tradición de la pintor rompe con la tradición de la perspectiva fingida barroca optando perspectiva fingida barroca optando por fórmulas claras y precisas. Y por fórmulas claras y precisas. Y como tratadista sostuvo que el arte como tratadista sostuvo que el arte era superior a la naturaleza, de modo era superior a la naturaleza, de modo que el pintor debía depurar con la que el pintor debía depurar con la imaginación las imperfecciones de la imaginación las imperfecciones de la realidad.realidad.

Las AcademiasLas AcademiasLas academias contribuyeron a que la Las academias contribuyeron a que la pintura, la escultura y la arquitectura dejaran pintura, la escultura y la arquitectura dejaran de ser oficios mecánicos para convertirse en de ser oficios mecánicos para convertirse en “nobles artes liberales”, y a que el artista “nobles artes liberales”, y a que el artista abandonase el estamento artesanal para abandonase el estamento artesanal para transformarse en un profesional transformarse en un profesional independiente. Estas instituciones estaban independiente. Estas instituciones estaban acogidas a la protección del Estado y regidas acogidas a la protección del Estado y regidas por un claustro de profesores-académicos por un claustro de profesores-académicos pertenecientes a las diferentes disciplinas pertenecientes a las diferentes disciplinas artísticas. Los objetivos fueron dobles: artísticas. Los objetivos fueron dobles: establecer sesiones periódicas entre sus establecer sesiones periódicas entre sus miembros, con el fin de tratar problemas miembros, con el fin de tratar problemas técnicos de su profesión, e inculcar a los técnicos de su profesión, e inculcar a los alumnos la correcta educación neoclásica, sin alumnos la correcta educación neoclásica, sin que tuvieran que servir como auxiliares al que tuvieran que servir como auxiliares al maestro del taller.maestro del taller.

El El sistema educativosistema educativo se basaba en el cultivo del se basaba en el cultivo del dibujo y contaba de un programa reglado en 3 dibujo y contaba de un programa reglado en 3 cursos. El nivel más elemental se impartía en la cursos. El nivel más elemental se impartía en la sala sala de principiosde principios. En este aula eran admitidos todos los . En este aula eran admitidos todos los aspirantes, que aprendían a soltar la mano mediante aspirantes, que aprendían a soltar la mano mediante la copia de partes anatómicas simples, como ojos, la copia de partes anatómicas simples, como ojos, nariz, boca y orejas, según patrones recogidos en nariz, boca y orejas, según patrones recogidos en cartillas, que el futuro pintor diseñaba y el escultor cartillas, que el futuro pintor diseñaba y el escultor modelaba.modelaba.

Un 2º escalón estaba Un 2º escalón estaba en la en la sala del yesosala del yeso y en y en la sala del la sala del maniquímaniquí, donde , donde respectivamente se respectivamente se copiaban los moldes copiaban los moldes en escayola de la en escayola de la estatuaria antigua y estatuaria antigua y se instruían en el se instruían en el tratamiento de los tratamiento de los ropajes. Finalmente, ropajes. Finalmente, en la en la sala del sala del modelo vivomodelo vivo, los , los alumnos más alumnos más aventajados se aventajados se ejercitaban en la ejercitaban en la reproducción del reproducción del cuerpo desnudo al cuerpo desnudo al natural. natural.

Quienes superaban correctamente esta prueba eran Quienes superaban correctamente esta prueba eran considerados artistas y la academia les expedía el considerados artistas y la academia les expedía el diploma académico.diploma académico.

Por su parte, los arquitectos se educaban proyectando edificios según la preceptiva de los teóricos italianos romanos y renacentistas: Vitruvio, Vignola y Palladio. La devoción que los académicos neoclásicos mostraron hacia el código de I Quattro Libri dell’Architectura, di Andrea Palladio dio origen al “neopalladianismo”

Las academias de Bellas Artes surcaron las grandes ciudades ilustradas. San Lucas, en Roma; la Académie Royal, en París; la Royal Academy, en Londres; y la Academia de San Fernando, en Madrid. Las academias convocaban anualmente concursos para estimular a los artistas jóve4nes, exponiendo en público las obras ganadoras y premiando a los vencedores con diplomas, medallas y becas en el extranjero.

ARQUITECTURA, ESCULTURA ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA NEOCLÁSICAY PINTURA NEOCLÁSICA

La arquitectura: Juan de La arquitectura: Juan de VillanuevaVillanuevaEl madrileño Juan de Villanueva es el

prototipo de arquitecto neoclásico europeo. Se forma en la Academia de San Fernando, obtiene una beca para ampliar estudios en Roma, lo que le permite desplazarse a Pompeya y Herculano., consciente del significado arqueológico de sus ruinas para el conocimiento de la arquitectura antigua , a los 26 años, regresa a España empapado de “neopalladianismo”.

Es nombrado arquitecto del monasterio de El Escorial. En razón de su cargo proyecta, en 1773, la Casita de Arriba y la Casita de Abajo para los hijos de Carlos III: dos villas de recreo en la sierra madrileña, que sirvieron al infante don Gabriel y futuro Carlos IV de marco adecuado para celebrar reuniones a la usanza de la aristocracia europea. En 1784 edificaba también para el futuro Carlos IV la Casita del Príncipe en el que abandona la planta central optando por un diseño rectangular.

Estos encargos le valieron el favor real, siendo ascendido a la dirección general de la Academia de San Fernando y honrado con el título de Maestro Mayor del Ayuntamiento de Madrid, en un período en que Carlos III va a convertirse en “el mejor alcalde de la villa y la corte” y la arquitectura municipal en una de las principales preocupaciones del monarca. Villanueva realiza entonces 3 obras prodigiosas en la capital de España: el Palacio de las Ciencias, el Observatorio astronómico y el desaparecido Cementerio general del Norte, primer camposanto de la Península que responde a los fines ilustrados de salubridad pública, ya que la política de higiene ciudadana del reformismo borbónico prohibía enterrar los cadáveres en las iglesias y prescribía situar los enterramientos colectivos en lugares extramuros de la población.

Característica esencial de Villanueva en estas obras civiles serán los pórticos hexástilos, cuya solución toma en préstamo de la arquitectura palladiana.

Palacio de las Palacio de las CienciasCiencias

Observatorio Observatorio astronómicoastronómico

La escultura: Antonio CanovaLa escultura: Antonio Canova

El italiano Antonio Canova es uno de los grandes escultores de la historia del arte y el mayor representante del movimiento neoclásico. Hijo y nieto de canteros, rechaza ya en sus primeros trabajos la idea del artesano gremial a favor del artista creador. Así lo acredita en Dédalo e Ícaro una alegoría de la escultura, donde bajo los pies de Dédalo, descansan las herramientas del oficio, mientras Ícaro se pega las alas de cera que permiten al estatuario volar. El grupo fue premiado y con el dinero que obtiene se marcha a Roma para estudiar los modelos de la antigüedad clásica.

Teseo y el Minotauro, Amor y Psiquis abrazados, Hércules y Licas y Perseo con la cabeza de Medusa son ejemplos brillantes de su producción mitológica. Otra clave de su estilo es la calidad sensorial que transmite a sus estatuas, apoyada en un lustroso acabado que luego patinaba con piedra pómez, desvaneciéndose así el tópico de frialdad con el que tradicionalmente se catalogaba cualquier escultura neoclásica.

Realiza los sepulcros de Clemente XIII y Clemente XIV. El triunfo de las tumbas papales le conduce a Viena para labrar en la iglesia de los Agustinos el Monumento funerario de Maria Cristina.

Siguiendo el ejemplo de Bernini con Luis XIV, Canova acude en 1802 a París reclamado por Napoleón donde retratará al emperador, a su madre Leticia y a su hermana Paulina Bonaparte Borghese, recostada semidesnuda en un diván y efigiada como Venus victoriosa, al haber sido elegida reina de la belleza; de ahí que sostenga la manzana mitológica del troyano Paris en la mano. Ésta es su obra maestra, en la que aparece reflejada toda una época bajo la sensualidad del cuerpo femenino. A la caída de Napoleón regresará a París, enviado por el Papa, para recuperar los tesoros vaticanos expoliados por los franceses; esta gestión diplomática le valdrá el marquesado de Ischia.

Enterados los ingleses de su presencia en Francia como legado pontíficio, le invitan en 1815 a Londres para que opine sobre los mármoles del Partenón que Lord Elgin había trasladado al Museo Británico.

La pintura: Jaques-Louis David

David representa el pintor político, comprometido con los ideales de la Revolución francesa y con el imperio napoleónico, que no duda en poner su arte al servicio de la propaganda.En 1785 pinta en Roma El juramento de los Horacios, que se convierte en el manifiesto de la pintura neoclásica europea. Representa la promesa que hacen los 3 hermanos Horacios, designados por suerte entre el pueblo romano, para enfrentarse a otros tantos albanos y decidir los destinos de Roma y Alba, que se encontraban en guerra. David se centra en el momento en el que los Horacios reciben las espadas de su padre, comprometiéndose a defender el futuro de Roma hasta la muerte. El cuadro glorifica el patriotismo y el sacrificio, pero lo que llamo la atención de sus contemporáneos, y convierte a David en un precursor de la modernidad, es el abandono de la narración literaria de la historia para centrarse en la expresión pasional de un instante dramático. Esta impresión trágica es la que cautivo a los espectadores. Técnicamente abuso del claroscuro.

David regresa a Pasris en olor de multitudes. A la anteruior obra le sigue otra de inspiracion griega: La muerte de Socrates, donde el padre de la Filosofia esta a punto de beber la cicuta, rodeado de 12 discipulos como Cristo en la Sagrada Cena. La injusticia de la condena por el simple hecho de dedicarse a la enseñanza guarda relacion con los martires politicos de la Revolucuion francesa, a quienes tambien representa. Tal caso es el de Marat asesinado.Cuando la Revolucuionm estalla, David es nombrado diputado y vota la decapitacion de Luios XVI.

David impone también las modas y el gusto; peinados cortos y sueltos en los hombres, túnicas a la romana en las vestimenta femenina y diseño clásico en el mobiliario, como resume en el retrato de Madame Recamier que anticipa a la Paulina Borghese, de Canova. Al mismo tiempo, organizo el ceremonial y la puesta en escena de los fastos revolucionarios. Caído Robespierre, fue encarcelado y, tras recobrar la libertad, rindió culto a las glorias imperiales de Bonaparte con su celebre retrato ecuestre de Napoleón atravesando los Alpes y La coronación de Napoleón en Notre-Dame.Después de Wateerloo, huye a Bruselas, donde aclara los tonos neutros de su paleta anticipando el Romanticismo.

Francisco de Goya (Zaragoza 1746, Francia, 1828).

Goya es un pintor genial difícil de encasillar. Vivió a caballo entre los siglos XVIII y XIX, sirviendo a 4 reyes: Carlos III, Carlos IV, José Bonaparte y Fernando VII. Cultivó el Neoclasicismo y el Romanticismo, su pincelada rápida preludia el Impresionismo, sus fantasías oníricas desembocan en el Surrealismo, y su desgarrado mundo interior abre paso a la temática expresionista.

Dominó todas las técnicas: la pintura mural y de caballete; los cartones para tapices y el grabado y abundó todos los géneros: el retrato, el bodegón, el cuadro religioso e histórico y las escenas costumbristas.Los comienzos no pudieron ser más difíciles, se presentó por dos veces al concurso de la Academia de San Fernando en busca de la ansiada beca de Roma, pero el jurado rechazó sus cuadros. Ante la adversidad decide pagarse el mismo el viaje a Italia.

De regreso a Zaragoza trabaja en la bóveda del Coreto de la basílica del Pilar y se casa con Josefa Bayeu, perteneciente a una acreditada familia de pintores aragoneses. Su cuñado y padrino de bodas, Francisco Bayeu reclama a Goya, en 1775 para que se desplace a la Corte.

Rondando los 30 años es contratado por la Fábrica Real de Santa Bárbara para diseñar los cartones que sus artesanos convertirán en tapices. Con ellos se decorarán los comedores y los dormitorios que las “casitas” de los Príncipes de Asturias( los futuros Carlos IV y María Luisa de Parma) poseen en El Escorial y El Pardo. La moda impone lo pintoresco: toreros, tonadilleras, actrices y gente del pueblo tales como: lavanderas, jugadores de naipes, cacharreros, manolos y manolas, majos y majas …

El género pastoril, el petrimetre y la damisela rococó se han transformado con los borbones españoles en tronío, majismo y manolería. La aristrocacia madrileña encargará también a Goya cuadros de diversión para decorar sus gabinetes de lectura y salas de conversación, La cucaña y El columpio responden a este gusto garboso y colorista.

La influyente Casa de Osuna le proporciona también un encargo religioso: los cuadros de la vida de San Francisco de Borja, para la Catedral de Valencia. Posteriormente, ahondará en la temática sacra, pintando al fresco la ermita de4 San Antonio de la Florida, en Madrid.

Entretanto, Goya no descuida el género que le iba a aupar a la fama: el retrato. Retratos colectivos e individuales, de cuerpo entero y de busto, de personajes de pie, sentados, recostados y ecuestres.

Consigue ser nombrado primer pintor de cámara de Carlos I, de quien realizará, en Aranjuez, su grupo familiar, efigiéndose el artista en la penumbra a imitación de Velázquez en Las Meninas.

En 1792 viaja a Sevilla, donde contrae una penosa enfermedad que le deja como secuela la sordera total. Pasa la convalecencia en Cádiz, restableciéndose en el domicilio de su amigo, Sebastián Martínez. Cuatro años después regresara a Andalucía para decorar el oratorio religiosos de la Santa Cueva gaditana, y allí vivirá 6 meses como invitado de la duquesa de Alba, en su palacio sanluqueño del Coto de Doñana. Goya, cincuentón, gozo de la intimidad de la joven viuda Cayetana, a la que retrato como Maja vestida y Maja desnuda.

Pero la sordera y el destierro que sufren sus amigos ilustrados, al creer la Monarquía que iban a perpetrar en España la abolición del Antiguo Régimen como habían hecho los revolucionarios en Francia, marcan un antes y un después en la obra de Goya. En adelante, adoptará 2 orientaciones antagónicas: las amaneradas y plácidas pinturas de encargo, frente a las espontáneas y desgarradas estampas de Los caprichos, Los desastres, Los disparates y los cuadros de su Serie negra, en los que su imaginación se muestra tan desatada como su pincel.

La invasión napoleónica y la Guerra de la Independencia quedarán reflejadas en los dramáticos grabados que componen Los desastres, y las jornadas del 2 y 3 de mayo de 1808 en Madrid.

La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol y los fusilamientos de La Moncloa.

Asimismo, el terror de la contienda encuentra imborrable eco en El coloso, donde Bonaparte no es el Marte Pacificador, como gustaba llamarse, sino un dios de la guerra ante el que todos huyen despavoridos.

Preso del descontento por los desmanes de la guerra y la posguerra, Goya se refugia brevemente en el mundo de los toros y alumbra La tauromaquia inmortalizando faenas y toreros ídolos del artista desde su juventud.

Este espejismo feliz se quiebra por una nueva enfermedad del pintor. Sana y en 1819 compra una finca en la ribera del Manzanares, que se llamará la “ Quinta del sordo”, donde busca refugio y retiro. Allí de noche, a la luz de las velas decora las paredes con un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríosSon las expresionistas Pinturas negras. Reflejo de esta desazón son los grabados de su última serie: Los disparates, una colección de pesadillas que reflejan lo absurdo de la existencia.

En 1823 los Cien Mil Hijos de San Luis restauran la monarquía absoluta de Fernando VII. El monarca es recibido con los gritos de “Muera la Constitución” y “Viva la Inquisición”. Goya retrata al rey, pero siente miedo. Le recuerdan que había realizado para el Ayuntamiento de la capital de España una Alegoría de la villa de Madrid presentando al pueblo un retrato de José Bonaparte como rey de los españoles. Por si fuera poco, es acusado de obsceno ante el Santo Oficio por la Maja Desnuda. La situación se hace incómoda y busca el exilio en Francia, donde todavía tendrá tiempo de pìntar La lechera de Burdeos; el adelanto más claro del Impresionismo.