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Libro 1 – Teoría 

 

Teoría del Arte 

 

 

 

 

 

 

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CURSOS DE PINTURA ­ APRENDER A PINTAR CUADROS CON ÓLEO Y PASTELES ­ TÉCNICAS DE PINTURA Y TEORÍA  

 En este taller sobre pintura, pretendo ir enseñando todo lo que sé sobre el tema hasta conseguir que cualquier persona sin conocimientos en pintura al óleo, sea capaz al acabar el curso, de pintar un cuadro él solito con soltura suficiente para abordar en el futuro temas más complejos y poder sacar ese "genio" que todos llevamos dentro. 

  

  Llevo pintando al óleo varios años y con varias exposiciones a mi espalda, de tal manera que me siento capacitado para abordar tan complejo tema, lo que haré con una gran ilusión porque sé que son muchas las personas que siempre han deseado enfrentarse a este reto, pero solo tenían dos soluciones: o empezar por su cuenta (la mayoría de las veces acababa en fracaso), o ir a una academia o taller de pintura donde un profesor le guíe (pero claro, no siempre son adecuadas y además le llevarán unos buenos dineros por ello).Estas personas tendrán ahora la oportunidad de seguir este curso que durará mucho tiempo porque el tema no en sencillo, y con la seguridad de que si continúan conmigo lo lograrán; eso sí, la pintura requiere mucha práctica y poca teoría, así que quiero decir que habrá que realizar una y otra vez los ejercicios que indique hasta ver que se dominan. Esto no es como una asignatura que hay que estudiar, la única vía es la práctica.   Así que espero sigamos juntos mucho tiempo y que algún día me hagas saber que has conseguido llegar a la meta final que no es otra que PINTAR UN CUADRO. 

  

 

 

 

 

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I. Materiales usados para pintar. • Materiales de pintura: Cuando nos decidamos a pintar un cuadro, antes habrá que tener en cuenta lógicamente que para abordar dicha tarea deberemos disponer de una serie de elementos, sin los cuales no podremos pintar. Podemos desglosar estos elementos en varios apartados, como son: • Superficie sobre la que pintar. • Instrumentos para pintar. • Médiums y útiles de limpieza. • Pinceles. • Colores. • Otros recursos.

Cada uno de estos apartados, aunque en apariencia independientes, forman un todo con la tarea que queremos llevar a cabo, como es el pintar una obra. Antes de comenzar deberás disponer lógicamente del lienzo, los pinceles, colores y una serie de elementos que te explicamos en este tema. Suerte en tu andadura por este bello arte.

• SUPERFICIE SOBRE LA QUE PINTAR :

Como soporte para pintar se usa principalmente el lienzo, que ya suele venderse montado sobre un bastidor en cualquier tienda especializada en manualidades; las medida de estos lienzos son estándar y por tanto tendremos que amoldarnos a ellas al decidirnos a pintar un cuadro (salvo que lo mandemos hacer a nuestra medida o lo fabriquemos nosotros); dichas medidas son:

Que como veis se reducen a 3 apartados: “Figura”, “Paisaje” y “Marina” además de un

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número que corresponde al tamaño en centímetros.

Si por ejemplo pedís un 12F os referís a un lienzo de Figura del 12 que corresponderá a la medida de 61x50 cm.; y si os decidís por un paisaje podríais pedir “un lienzo 30 P”, con lo que os estais refiriendo a que tiene unas medidas de 92x65 cm. ¿entendido?.

Así que en el momento en que vayais a pintar un paisaje, lo primero que habrá que hacer es decidir las medidas que vais a darle al mismo (eso hay que tenerlo previsto) y ver dentro de dichas medidas y con la tabla adjunta, cual de los lienzos existentes se adaptan mejor (si ninguna de las medidas se adapta perfectamente, tendreis que hacer algún cambio en ancho o alto en el modelo a pintar para que encaje en dichas medidas estandar).

En realidad es prácticamente imposible conseguir un lienzo que se adapte en medidas a lo que nosotros queremos pintar, pero si que podremos elegir una medida que se acerque mucho a las nuestras, y nada más que tendremos que tener en cuenta si por los lados (a lo ancho) o en altura nos falta o sobra uno o más centímetros; tan solo deberemos recortar un poquito bien en nuestra obra, bien en el modelo a pintar. No es complicado como verás.

• INSTRUMENTOS PARA PINTAR:

Otro de los elementos importantes para poder pintar un cuadro, es el caballete de los cuales existen varios tipos (dependiendo del dinero que te quieras gastar), para empezar sirve un caballete sencillo compuesto por tres patas de madera, un soporte para el lienzo (que puede subirse y bajarse hasta la altura deseada) y un soporte superior (también deslizable) para sujetar el lienzo fijamente y evitar que se mueva.Se pueden encontrar de segunda mano, y si lo compramos nuevo depende del tipo de madera que esté hecho (en todo caso no debía pasar de los 50 euros máximo).

Existen otros caballetes de más categoría, siendo uno de los más útiles el que consiste en una maleta con asa donde caben pinceles, pigmentos, etc, y tiene adosadas a los lados unas patas que se recogen, lo que hace que cuando queramos pintar, se sacan dichas patas y se convierte en caballete de forma fácil; al acabar la sesión, recogemos las patas, y nos lo llevamos en la mano como una pequeña maleta.Este es más caro y rondará los 150 €

Tenemos otro elemento importante que es la paleta que será donde realicemos las mezclas de pintura; dicha paleta es de madera y ovalada, teniendo un agujero en el extremo derecho para meter el dedo pulgar y sujetarla.-Hoy en día existen unos cuadernos de hojas de usar y tirar preparadas para soportar el aceite de las pinturas, cuando terminamos la sesión retiramos la hoja y ¡a la basura! ahorrándonos el engorroso trabajo de tener que limpiar la paleta cada vez.

• MÉDIUMS, DILUYENTES Y ÚTILES DE LIMPIEZA:

Denominamos “médium” al producto que se mezcla con los pigmentos (colores) a fin de hacerlos más densos y poder trabajar mejor con ellos ya que los pigmentos según salen del tubo suelen ser muy espesos y sería imposible pintar con ellos –al menos en las primeras capas de pintura--, aunque sí en la última capa donde se dan empastes de luces y detalles.

Como mediums en pintura al óleo se emplea el aceite de linaza refinado, y como diluyentes la esencia de trementina rectificada; también se suele usar el aguarrás corriente (pero solo para limpieza de pinceles mientras pintamos, nunca para mezclar con los pigmentos).

Otros médiums que a veces usan algunos artistas son: el aceite de nueces, aceite de adormidera, etc, que como veis cumplen el mismo cometido y la diferencia es que el acabado

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varía algo; pero por lo general usareis el aceite de linaza.

En cuanto a útiles de limpieza me refiero a trapos (cuantos más mejor porque se usan mucho para limpiar el pincel cada vez que tengamos que cambiar el color a mezclar), aunque también pueden servir hojas de periódico viejas y cualquier papel un poco áspero.

También es útil la espátula que aunque se usa para las mezclas de colores y también para pintar con ellas (hay artistas que la usan en un buen porcentaje en sus cuadros), otra utilidad que se les dá es para rascar la pintura de la paleta y dejar esta limpia.Ya veremos como se usa cada cosa en temas aparte.

• PINCELES:

Es uno de los elementos fundamentales en pintura, pues será con ellos con los que realicemos el cuadro lógicamente (salvo que trabajemos todo con espátula –caso raro--). Hay una gran variedad de pinceles, tanta que cuando vayamos a una tienda nos podemos sentir abrumados, pero debeis saber que en definitiva los pinceles se reducen a tres clases: redondo, plano y de “lengua de gato” y se comprende que el redondo tiene los pelos en forma cilíndrica y acabados en punta más o menos acusada; los planos tienen las cerdas todas iguales y en forma plana lógicamente, y los de “lengua de gato” son una variante de los planos que tienen los extremos redondeados asemejándose a la lengua de los gatos (de ahí su nombre). Y dentro de estas 3 clases explicadas tenemos todas las variantes imaginables, dentro también de unas medidas que van del 00 o pincel finísimo para detalles, y a partir de ahí en números pares cada vez mayores; dichas variantes dependen además del tamaño y tipo, del material con que estén hechos los pelos del pincel siendo los más corrientes los de pelo de cerda hasta los caros (pelo de marta y otros), pero aseguro que para pintar no es necesario pinceles de superior categoría, sino que con unos de pelo de cerda (eso sí cerda buena porque hay muchas calidades dentro de ella) y tamaños entre el 08 y el 14 (redondo, plano y lengua de gato), será suficiente.

II. Estudio sobre la "teoría del color", importante para pintar. Pintar cuadro al óleo. 

• TEMA: Teoría del color

Cuando vayamos a tratar el tema de la “teoría del color” habrá que saber necesariamente que hay una gran diferencia entre colores-luz y colores pigmento aunque no dejará de tratarse de adquirir conocimientos solo teóricos, puesto que a la hora de enfrentarnos al pintado de un cuadro nos interesarán los colores pigmento únicamente.

Colores-luz

Según Young, que en el laboratorio consiguió descomponer la luz, llegó a la conclusión de que la luz blanca está compuesta por la unión de tres haces de luz básicos: el rojo intenso, el verde intenso y el azul oscuro. La suma del verde intenso más el rojo intenso nos dará el amarillo; la suma del verde intenso más el azul oscuro dará un azul claro; y la suma del rojo intenso más el azul oscuro nos daría

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una especie de magenta oscuro.

Tras varios experimentos de otros estudiosos de la luz, se pudo responder a una pregunta importante: ¿porqué un objeto es azul?, y la respuesta es que cuando la luz blanca procede a iluminar un objeto, éste automáticamente vá a absorber ciertos colores y a reflejar otros, siendo precisamente el color que refleja precisamente el suyo propio; en el caso que nos ocupa, el objeto vá a absorber el color rojo intenso, y a reflejar en mayor o menor intensidad el azul y el verde de tal manera que el objeto tendrá un azul más o menos intenso.

En el caso de tratarse de un objeto amarillo, absorbería totalmente el azul oscuro, procediendo a reflejar el rojo y el verde (que como hemos visto en la teoría de colores-luz, juntos forman el amarillo).

Así que por lo anterior, podríamos hacernos la pregunta: ¿qué es el color? Y habría dos respuestas, la primera es la sensación producida en el ojo al recibir la retina luces con distintas longitudes de onda; la segunda es que según el principio de reflexión-refracción de la luz podemos deducir que el color es una propiedad que tienen los objetos, según la experiencia que tenemos de su visión con luz natural (del día).

Colores-pigmento

Como a nosotros nos interesan los colores por ser pintores, deberemos tener en cuenta la teoría de los “colores-pigmento” que como veremos es distinta a los “colores-luz”.

Los colores-pigmento son algo sólido que nos vá a permitir cubrir una superficie (lienzo, madera, cartón…), y que están compuestos por un pigmento y un médium o aglutinante, que en el caso que nos vá a ocupar en estas lecciones será el aceite de linaza –ya que trataremos la pintura al óleo--.

En los colores-pigmento, a diferencia de los colores-luz, resulta que el negro será el resultado de mezclar los tres colores pigmento primarios: AMARILLO, CARMIN y AZUL CYAN (azul claro).-Al mezclar el amarillo con el carmín obtendremos el rojo, la mezcla de carmin con azul cyan nos dará un azul oscuro violáceo, y con azul cyan más amarillo obtendremos el verde.-Como veis hay diferencias claras con los colores-luz.

Vemos en esta imagen resumido todo lo explicado anteriormente y las claras diferencias entre

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colores-luz y los colores-pigmento.

Así que a partir de ahora debeis tener claro que cuando hablemos de mezclar colores siempre nos vamos a referir a los colores-pigmento que son los que nos interesan, y lo que tendremos que aprender (espero lograrlo) es a reproducir mediante los óleos aquellos colores que vemos o que tenemos imaginados cuando nos enfrentemos a la tarea de pintar un cuadro.

Queda claro entonces que los 3 colores primarios son el amarillo, el carmín y el azul cyan y lo que veremos ahora son: Colores secundarios:

Son colores secundarios los que se obtienen mezclando dos primarios entre sí a partes iguales, en concreto tenemos que conocer perfectamente la rueda de colores que os presento:

Vemos aquí perfectamente y de forma gráfica los 3 primarios (amarillo arriba, azul cyan a la izquierda y el carmín a la derecha, y pudiendo observar también como de la mezcla de los primarios amarillo más azul cyan obtendremos el VERDE por la izquierda, mezclando el amarillo con el carmín obtendremos un ROJO más o menos anaranjado dependiendo de la cantidad de uno u otro primario (a la derecha) y finalmente cuando mezclamos azul cyan con carmín obtendremos el VIOLETA (abajo). * Comprobamos entonces que tenemos tres colores secundarios.

Colores terciarios:

Los colores terciarios comprobamos que se obtienen al mezclar cada primario con cada uno de los dos secundarios que tendrá más próximos, por tanto habrá 6 coloresterciarios.

Empezando por el Amarillo, tendrá un secundario por la parte del azul, que será el Verde, así que mezclando amarillo+verde obtendremos el terciario AMARILLO VERDOSO (que virará más a verde o a amarillo según las cantidades que intervengan); tendrá otro secundario por la parte del carmín, que será el Rojo, y por tanto la mezcla de amarillo+rojo nos dará el AMARILLO ANARANJADO que según las cantidades en la mezcla virará hacia uno de ambos.

Continuando con el Azul, igualmente tendrá un secundario por la parte del Verde y el otro estará por la parte del Violeta y comprendereis que en la mezcla con cada uno de ellos aparecerán un AZUL VERDOSO o bien un AZUL VIOLÁCEO que tenderá hacia uno de los colores intervinientes a nuestra voluntad. Finalmente el Carmín dispondrá a ambos lados del rojo y del violeta y es fácil deducir que en la mezcla con uno de ellos (violeta) saldrá un rojo más o menos violáceo y con el otro tendremos un violeta que tenderá más o menos al rojo.Debeis observar la Rueda de Colores de arriba mientras leeis esto, para comprender perfectamente lo explicado pues es básico, es el abc de la

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pintura y mientras no la conozcais al dedillo y por tanto el comportamiento de los colores no podreis seguir adelante.

III. Armonización del color, gamas de colores en pintura. Pintura: un estudio sobre armonía en el color. Todo artista que se plantee pintar una obra deberá tener en cuenta entre otras cosas los principios sobre la ARMONIZACIÓN DE COLORES que aunque contiene unas normas claras, es además algo intrínseco en la propia naturaleza, pues siempre existirá en ella una tendencia de colores que relacionará unos con otros y al mismo tiempo se relacionarán todos entre sí.

Todos hemos podido comprobar las diferencias existentes en los colores de un paisaje a plena luz en verano, y otro grisáceo en la zona norte en un día de niebla; y dentro del primero hemos comprobado las diferencias a mediodía o ya bien entrada la tarde donde los colores se vuelven anaranjados y rojizos y como consecuencia teñirá todos los cuerpos de estos tonos.

Cuando pintamos en plena naturaleza nuestra primera misión será descubrir la tendencia de ese paisaje para tratar de plasmarla en nuestro cuadro; y si la pintura la hacemos en el estudio, de memoria, tendremos que decidir una tendencia cromática y pintar de acuerdo con la misma.Vemos por tanto que nuestra paleta tendrá que ser adaptada en todo momento para ARMONIZAR los colores entre sí de manera que el resultado sea agradable a la vista.La solución será conocer y hacer uso en cada caso de las GAMAS DE COLORES.

Todo aquel que se pregunte: "quiero aprender a pintar un cuadro,¿como lo hago? " deberá tener muy en cuenta estos temas, que voy a ofrecer como siempre en estos cursos online gratuítos que nunca serán igual que un taller donde la prática es continua, pero trataremos de enseñar lo importante y luego cada uno deberá llevar a la prática lo aprendido.Espero os sea de utilidad. Nunca pases por alto estos temas teóricos, pues aunque hay tendencia a pensar "...para que quiero yo saber esto...", la realidad es que se trata de temas importantes para el futuro artista; no encontrarás en la vida real actividad alguna en la que antes de comenzar con la práctica, no necesite primero conocer la teoría...Así pues, trata de aprender (y sobre todo "comprender") estos temas que te ofrecemos, aunque parezcan de poco valor. Saludos

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IV. Estudio de los colores en pintura: una perfecta guía para conocerlos. 

• En este ambicioso curso sobre el estudio de los colores voy a dar una serie de consejos para que todo aquel que tenga el deseo de aprender a pintar, pueda tener aquí una guía valiosa sobre el comportamiento de aquellos colores que considero imprescindibles en la paleta:

  :: Blanco de titanio    :: Amarillo de cadmio limón    :: Amarillo de cadmio medio    :: Ocre amarillo    :: Tierra siena tostada    :: Tierra sombra tostada    :: Rojo de cadmio     :: Carmín de garanza    :: Verde permanente    :: Verde esmeralda    :: Azul ultramar oscuro    :: Azul cobalto oscuro    :: Azul de Prusia    :: Negro de marfil. 

‐ Ya deberíamos saber que en teoría, con los tres colores primarios se debería poder conseguir cualquier color existente en la naturaleza; mas esto no es del todo así, ya que según el amarillo, el azul y el rojo que elijamos habrá un cambio total en las mezclas, e incluso intervienen los componentes químicos que contiene cada color.‐Es por eso que recomiendo estos 12 colores (más el blanco y el negro) que como habreis observado no son más que variaciones de las familias de los amarillos, azules y rojos.   ‐ De todas formas debo decir ‐‐y no me cansaré de repetirlo‐‐, que la pintura no se podrá aprender jamás memorizando lo que se lee, nada más lejos de la realidad: si quieres llegar a pintar no tendrás más remedio que llevar a la práctica los consejos que recibas, combinando colores y viendo el comportamiento de dichas combinaciones, viendo los diferentes matices que adquirirá un mismo color, etc...   ‐ Veamos pues cada color por separado, haciendo un estudio pormenorizado: 

 

 

 

 

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** BLANCO DE TITANIO 

   Decir antes de nada que en pintura al óleo existen tres clases de BLANCO: el de plata, el de cinz y el de titanio.   *Blanco de plata: es más opaco, tiene más cubriente y seca más rápido; nos permitirá pintar de una manera más texturizada pero tiene la desventaja de provocar en algunas circunstancias, agrietamientos o cuarteamiento.   *Blanco de cinz: es el más transparente y fluido de los tres, pero tiene un secado muy lento que podría influir en la ejecución de una obra.   *Blanco de titanio: tiene una composición intermedia, que le hace ser más usado que los anteriores.   El blanco es muy usado en cualquier tipo de pintura opaca como el óleo o la témpera pues interviene en una gran parte de las mezclas, es por ello que los tubos que nos venden en cualquier comercio, son de un tamaño mucho mayor que cualquier otro color. ‐ 

 ** AMARILLO CADMIO LIMÓN   

  Es el color más claro del grupo de los amarillos, siendo además el AMARILLO BÁSICO PRIMARIO y con una calidad fría, teniendo además una ligera tendencia verdosa.   ‐Hay que tener en cuenta que es un color opaco que restará transparencia en las mezclas y además tiene un secado bastante lento.   ‐Al mezclarlo con blanco (para aclararlo) presentará unos tonos muy limitados y bastante apagados.    ‐Si mezclamos este amarillo con blanco, ocre y rojo podremos obtener una gama muy extensa y bonita de COLORES CARNE.   ‐Mezclado con los rojos, obtendremos unos naranjas brillantes pero habrá que tener muy controlada la adición del rojo porque es muy fácil pasarse; debemos tener en cuenta que un naranja llevará siempre mucho amarillo y una ínfima parte de rojo.   ‐Con los azules, el amarillo limón conseguirá una espléndida y luminosa variedad de verdes (claros, brillantes...).   TENER MUY EN CUENTA QUE:   *Al mezclar amarillo (sea limón o de cadmio) con los azules cobalto y ultramar, los verdes resultantes serán "agrisados" por ser los azules en cierto modo complementarios de los amarillos y siguiendo por tanto la norma de que "dos complementarios, al mezclarse entre sí darán negro".   *Como consecuencia de lo anterior, los verdes más auténticos se conseguirán con el amarillo limón mezclado con el azul de Prusia, y con el verde esmeralda. ‐ 

 ** AMARILLO CADMIO MEDIO   

  Si lo comparamos con el limón, es más oscuro y con un matiz claramente anaranjado; se trata de 

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un color bastante opaco y estable a la luz.   ‐Para aclararlo deberíamos usar el amarillo limón y el blanco.   ‐Por su propia naturaleza conferirá un matiz cálido a todas las mezclas ‐‐una tendencia anaranjada‐‐.   ‐Si lo mezclamos con rojos restará brillantez a los naranjas obtenidos, especialmente al ser mezclado con carmín de garanza.   ‐En las mezclas con azules y con verde esmeralda, comprobaremos que los verdes que obtengamos son mas "parduscos" que con amarillo limón.   TENER MUY EN CUENTA:   *Para "iluminar" usaremos amarillo limón, y para "oscurecer, dorar" el cadmio medio.   *Para lograr verdes claros, brillantes, deberemos usar el limón, mientras que para poder obtener "verdes dorados, vejiga" recurriremos al cadmio medio.  

 ** OCRE AMARILLO   

  Este color aunque pertenece al grupo de los amarillos, es un color de tierra.   ‐Se trata de un color "quebrado" que podríamos obtener a base de mucho amarillo, un poco de carmín y casi nada de azul.   ‐Es más oscuro que los dos amarillos estudiados y con tendencia claramente dorada.   ‐Color muy opaco y bastante estable a la luz.Lo podemos aclarar con cualquiera de los amarillos y blanco.   ‐Como color quebrado que es tendrá tendencia a ensuciar los colores en las mezclas, pero así y todo es indispensable usarlo para poder armonizar el entorno.   ‐Al mezclarlo con rojo o carmín obtendremos una gama de tierras y sienas que serán de suma importancia en cualquier paleta.   ‐Con verde esmeralda y azul de Prusia se obtienen verdes "parduscos" pero luminosos, y como debeis suponer con azul cobalto y ultramar los verdes serán pardos y agrisados. ‐ 

 ** TIERRA SIENA TOSTADA   

  Se trata de un color rojo de tierra, y lo calificamos de "quebrado" al que podremos recomponer con amarillo limón y carmín de garanza mezclados casi a partes iguales y muy poquito de azul de Prusia.  ‐Deduciremos de lo anterior que en cualquier mezcla en que intervenga, aportará su parte de amarillo, de carmín y de azul y en consecuencia los colores obtenidos deberán ser necesariamente también "quebrados".   ‐Tiende al ennegrecimiento, asi que será necesario usarlo en pequeña cantidad y casi siempre en mezclas.   ‐Lo podremos aclarar con amarillos, ocre y blanco.   ‐Si le añadimos blanco con cuidado obtendremos bonitos colores salmón.   ‐También obtendremos una gran riqueza de grises al meclarlo con verde esmeralda y con azules. 

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  ‐Al mezclarlo con verde esmeralda (su complementario) dará un "casi negro" muy adecuado para grandes zonas oscuras de vegetación.   TENER MUY EN CUENTA:   *Se pueden obtener grises en una gama muy amplia al mezclarlo con azules y añadiendo algo de blanco, grises que serán necesarios para pintar sombras en aquellas zonas que no sean completamente negras.  

 ** TIERRA SOMBRA TOSTADA   

  Como sabemos se trata de un color de tierra, de los más oscuros, y como ya imaginais se tratará de un color quebrado que podríamos obtener a base de mucho carmín, menos amarillo y un poco de azul.   ‐Lo podemos aclarar a base de amarillos, el ocre, el rojo y el blanco.   ‐Es muy transparente y tiende al ennegrecimiento, así que deberíamos usarlo en muy pequeñas cantidades.   ‐Seca muy rápido y no sería prudente usarlo en capas gruesas   TENER MUY EN CUENTA:   *Al mezclarlo con blanco dá un gris tostado muy particular que deberías estudiar.   *Con amarillo y blanco dará unos particulares verdes oliva amarillentos muy útiles.   *No deberá faltar en la paleta, por cuanto es imprescindible para obtener "negros", y para romper estridencias, siendo el color fabricante de grises por excelencia.   *Pero OJO porque usado en forma inexperta puede ser un peligro debido a su poder de agrisarlo todo, pero una vez nos familiaricemos con él será imprescindible.   *Podremos componer con él un NEGRO PERFECTO a base de esta combinación:       Tierra sombra tostada + carmín + azul de Prusia  (NEGRO al que además le podremos dar una un otra tendencia azulada o morada, sin más que cambiar las cantidades).  

 ** ROJO DE CADMIO   

  Es un color semitransparente y bastante estable a la luz, y es más claro que el carmín de garanza.‐Se puede aclarar con amarillos y blanco.   ‐Es el color más adecuado cuando queramos representar un rojo claro.   ‐Es muy característico el rosa que obtendremos cuando lo rebajemos con blanco.   ‐Con él podremos obtener unos bonitos "rojos teja" mezclándolo con los tierra, ocre y siena, y dará unos perfectos naranjas al mezclarlo con los amarillos.   TENER EN CUENTA:   *En sus mezclas con verdes y azules, el resultado es muy importante para "ennegrecer".   *Se obtendrán violetas y morados en sus mezclas con azules, pero tienen tendencia a ser menos limpios que con carmín de garanza. 

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 ** CARMÍN DE GARANZA   

  El carmín de garanza puede considerarse uno de los colores primarios (básicos), y es un rojo con tendencia azulada, muy transparente y estable a la luz.   Lo podremos aclarar con amarillos, rojo de cadmio y blanco.Es el más adecuado para representar el rojo oscuro.   Si lo mezclamos con mucho blanco, produce un rosa muy característico limpio y muy luminoso.   Si lo mezclamos con los amarillos dará rojos algo anaranjados, más con el de cadmio.   No deberá faltar en cualquier paleta, como primario que es y por tanto generador de secundarios, terciarios...   Mezclado con amarillos y algo de blanco, producirá una variada gama de "colores carne", cremas y anaranjados.   TENER EN CUENTA:   *Se pueden obtener con él "negros profundos" al mezclarlo con tierra sombra tostada y con verde esmeralda, negros que podremos influenciar dándole una tendencia al carmín, al verde o al pardo sin más que variar las proporciones en las mezclas.   *Los morados y violetas (en su mezcla con azules y un mínimo de blanco)serán más limpios que con el rojo de cadmio, y serán adecuados para pintar sombras transparentes.   **Mezclando con azul de Prusia obtendremos un violeta "casi negro", causa sin duda de la ley de complementarios (pues el Prusia tiene algo de verde y éste es complementario del carmín). ‐ 

 ** VERDE PERMANENTE   

  Se le puede definir como un verde claro y luminoso con una tendencia menos azulada que el verde esmeralda.‐Color semiopaco con buena resistencia a la luz.   ‐Lo aclararemos con amarillos, ocre y blanco; al mezclarlo con mucho blanco nos dará un bonito tono verde pastel bastante limpio y vivo.   ‐Al tener algo de tendencia cálida, es generador de verdes amarillos calientes al mezclarlo con ellos.   ‐Con ambos rojos generará colores oscuros debido como sabemos a su grado de complementariedad.   ‐En todas las mezclas con tierras rojizos, se producirán tierras más tostados.   ‐Y con los azules obtendremos "verde‐azules" muy oscuros, sobre todo con el Prusia. ‐ 

 ** VERDE ESMERALDA   

  Es un verde de tendencia azulada que podremos calificar como "terciario", un verde muy frio y muy transparente.‐Podremos comprobar su tendencia azulada al mezclarlo con el blanco.   ‐Con amarillo limón obtendremos un verde limpio y frío mientras que con el cadmio su tendencia será más cálida. 

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  ‐Si lo mezclamos con ocre, obtendremos un verde oliva, y con siena tostada el verde será muy oscuro.   ‐Servirá para oscurecer los rojos, hasta el punto de obtener un negro si queremos.   ‐Obtendremos un precioso verde al mezclarlo con azul cobalto, mientras que con los otros azules, resultarán verdes oscuros, especialmente con Prusia (también con ultramar).   TENER EN CUENTA:   *Es imprescindible en la paleta, tan necesario como cualquiera de los primarios.   *Obtendremos un verde pálido pero con una gran calidad lumínica si mezclamos verde con blanco y al resultado le añadimos amarillo limón.   *Y podremos obtener cualquier verde imaginable al mezclarlo con azules y blanco en la proporción correcta, añadiendo al resultado uno de los amarillos.   *Es el color ideal para participar en las sombras, tanto claras como oscuras, para hacerlas más transparentes.   *En teoría podría ser el único verde en la paleta, ya que con él podríamos obtener todos los verdes posibles.Claro que para ello hay que dominar la paleta.   

 ** AZUL ULTRAMAR   

  Lo podremos incorporar al grupo de los terciarios; es un azul violáceo con tendencia acarminada, bastante transparente y resistente a la luz.   ‐Es ideal para representar el azul oscuro del cielo, por su tendencia violácea.   ‐Si lo mezclamos con bastante blanco se obtiene un azul claro caliente y acarminado.   ‐Fácilmente se deduce que será ideal para pintar sombras opacas, oscuras. ‐ 

 ** AZUL COBALTO   

  Es el auténtico azul, un azul neutro con tendencia más fría que el ultramar y más cálida que el Prusia.Con mucho blanco obtendremos un azul muy luminoso.   ‐Sirve para aclarar los otros azules y su potencia de tinte es menos que los otros.   ‐Con siena y sombra produce unos colores tierra y vino de gran interés.   ‐Ideal para intervenir en cualquier sombra por su tendencia neutra, haciéndolas luminosas y transparentes.   ‐Oscurece los rojos, especialmente el garanza. ‐ 

 ** AZUL DE PRUSIA   

  Es un azul frío con una clara tendencia verdosa, de gran transparencia pero sensible a la luz, lo que le hace tender a la decoloración.   ‐Es muy potente en tinción, por lo que hay que tener mucho cuidado en su uso y hacer siempre 

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pruebas aparte porque con facilidad estropearemos una mezcla en cuanto nos pasemos lo más mínimo con él, ya no habrá vuelta atrás.   ‐Es muy característico el azul obtenido en su mezcla con blanco.   ‐Obtendremos verdes oscuros pero limpios con los amarillos.‐Y a medida que añadamos ocre, sienas o sombras el verde será cada vez más profundo pero siempre limpios.   ‐Y con los rojos obtendremos unos pseudonegros interesantes.   ‐Podremos decir sin duda que aunque es capaz de invadir cualquier otro color, si lo usamos en su medida justa nos procurará muchas satisfacciones por generar unos matices muy transparentes siempre.En definitiva: nunca abusar de él. ‐ 

 ** NEGRO   

  Y llegamos al negro, el tan debatido color ¿usarlo?, ¿no usarlo?, he de decir que yo hace tiempo que lo desterré de mi paleta y como mucho he llegado a usar como sustituto el Gris de Payne, un gris oscuro a veces muy válido.   ‐Pero es que la cosa para mí está muy clara: ¿para que usar el negro si podremos nosotros fabricarnos "nuestro negro" para cada ocasión?.   Vereis:   *1/ tierra sombra tostada+carmin garanza+verde esmeralda=NEGRO,   *2/ tierra sombra tostada+carmin garanza+azul de Prusia=NEGRO,   *3/ tierra sombra tostada+azules,   *4/ tierra siena tostada+verdes,   *5/ verde esmeralda+rojos,etc.......   ‐Todas estas mezclas nos producirán unos negros limpios y óptimos para cada ocasión, por ejemplo la oscuridad verde de un árbol frondoso, ¿como vamos a crearla con verde más negro?, sería un desastre; lo suyo sería un verde esmeralda con siena tostada, e incluso sombra tostada, e incluso(más oscuro aún) con carmin de garanza y tendríamos un verde oscuro creíble y acorde con el entorno.   Tened siempre en cuenta que en la naturaleza no encontraremos nunca el negro‐negro, sino que serán "negros" influenciados por el entorno; se tratará por tanto de ver que tipo de negro necesitamos en cada ocasión, y crarnoslo a nuestra medida.Es fácil, solo hay que saber "ver". 

V. Mezcla de colores: aclarar u oscurecer un color.  NORMAS QUE DEBERÍAS CONOCER A LA HORA DE MEZCLAR TUS COLORES PARA PINTAR UNA OBRA. MEZCLA DE COLOR EN PINTURA -

> Este tema que voy a tratar hoy aquí es muy importante para cualquiera que desee iniciarse en el arte de la pintura, pues vá a tocar una cuestión que es fundamental entender, como es el saber mezclar en la paleta los colores de que disponemos, pero el mezclar colores no es solamente juntar dos o más pigmentos con el fin de obtener un color determinado sino que además hay que conocer el porqué de esa mezcla y lo que es más importante y difícil, hay que saber como se aclara y se oscurece un color; de inmediato cualquier principiante contestará:

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"pues se aclara con blanco y se oscurece con negro" y yo le contestaré: "totalmente equivocado".-Y es que debemos tener en cuenta una cuestión muy importante: ¿qué es el gris?, pues es una mezcla a partes iguales de blanco y negro al 50%. - Así que visto lo anterior se desprende que cualquier color mezclado con blanco o con negro "se ensucia" (sobre todo con el negro), así que es muy importante comprender como se puede aclarar u oscurecer un color, sin tener que recurrir al blanco o el negro. - Lo que tampoco quiere decir que tengamos que prescindir de ellos de una forma radical, pero sí usarlos con moderación en los casos imprescindibles y a veces hasta vienen bien, pues sabemos que un amarillo limón por ejemplo, mezclado con unos toques de negro, dá un bonito verde que en ocasiones es muy aconsejable.-Pero, precaución y veremos las alternativas. - Efectivamente, si observamos con atención la rueda de colores podemos observar que cada uno de los colores básicos nos están dando la pista sobre el tema de aclarar o de oscurecer un color

> Observemos el AMARILLO y nos daremos cuenta enseguida de que la oscuridad le viene de la parte de los rojos, mientras aclara hacia los verdes y azules; con lo cual deducimos sin duda que una gama del amarillo bien compuesta debería ser así: -

-

- En concreto vemos que comenzaría con el blanco, seguida de una mecla de blanco-amarillo-verde, luego vendría un amarillo limón (como sabemos tiene tendencia algo verdosa), a continuación un amarillo como el de cadmio, seguido de un amarillo algo anaranjado, luego un siena con naranja, seguido del siena; para continuar con un rojo pero con tendencia violácea y acabaríamos en un negro (con toque de rojo, carmín de garanza por ejemplo).-Esta gama sería perfecta para pintar un tema amarillo al que le tendríamos que dar lógicamente un montón de sombras (oscuros) y de partes con diferentes luces (claros). - Haced la prueba (es la mejor manera de aprender) de pintar un plátano por ejemplo al que debereis añadir las partes en sombra y expuestas a la luz; pero teneis que realizarlo dos veces, la primera probad a pintar dicho plátano y tanto las sombras como las luces las dais a base de aclarar con blanco el amarillo usado, y de oscurecer con negro dicho amarillo.-Cuando acabeis, dibujar el mismo plátano, y esta vez seguid los consejos de la gama ofrecida arriba; COMPROBAREIS LA DIFERENCIA tan abismal entre uno y otro método. - Si pasamos a otro de los primarios, el AZUL veremos como también la rueda de colores nos

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dá las pistas necesarias para realizar la gama correcta, pues enseguida caemos en la cuenta de que al azul, le viene la claridad del lado del verde (y más allá del amarillo),mientras que la zona oscura caerá del lado del azul oscuro más intenso, que será el que a su vez vire al rojo, es decir: el azul ultramar de tendencia violácea: -

-

- La imagen prácticamente lo dice todo, la gama empieza con blanco, sigue con mezcla de blanco y azul para irse a un azul claramente verdoso al que luego se le añade más azul hasta terminar en el cobalto, viene luego una mezcla de cobalto y ultramar hasta llegar al ultramar puro, y deducís como continúa: el ultramar con carmín de garanza para reforzar el violeta y acabaría con un casi-negro (por ejemplo ultramar+garanza+ un toque de negro).-¿Vais comprendiendo la importancia de las gamas?. - Como ejercicio importantísimo, volved a realizar dos dibujos iguales de algo que vais a pintar en azul, una caja cuadrada por ejemplo; probad ahora a pintarla de un azul (el que querais, por ejemplo el ultramar) y dadle las luces y las sombras en un caso aclarando y oscureciendo con blanco y negro, y ya sabes, en el segundo caso a base de seguir la gama explicada. -¡Qué diferencia tan enorme!.-Pero te aseguro que si no realizas el ejercicio las veces necesarias para dominarlo..., si te limitas a leer este tema y pensar que lo has comprendido...no te habrás enterado de nada.PRÁCTICA, eso es lo que se necesita en pintura.

- Y vamos a acabar con el ROJO que al igual que los otros dos primarios tiene su posición en la rueda de colores y nos indica sin lugar a dudas que la claridad le viene del lado del naranja y amarillo, y la oscuridad del lado del azul intenso violáceo: -

- De carrerilla explico que la gama sería blanco; blanco+rojo+pizca amarillo (pues daría un rosa algo amarillento); blanco+rojo (rosa más rojizo); rojo más amarillo (un naranja con mucho amarillo);un naranja con menos amarillo; rojo; rojo violáceo; el anterior con algo de negro, para acabar en un casi-negro (ultramar+carmín+negro). - Y creedme, no olvideis realizar varios ejercicios sobre esta gama, dibujad dos manzanas por ejemplo, y practicad las dos maneras de aclarar y oscurecerlas llevando a cabo todo lo explicado sobre el rojo. - Nunca me cansaré de repetir: PRÁCTICA de continuo si quieres aprender a pintar. - Cuando hayais comprendido (y practicado muchas veces) todo lo explicado, tened por seguro que habreis conseguido un gran logro en este difícil arte de la pintura, que no es otra cosa que entender el comportamiento de los colores, y luego llevarlo a la práctica; quiero decir que pintar no es solo mezclar color para conseguir otro que andamos buscando como veis, es además comprender el porqué de lo que hacemos e incluso estudiar los distintos comportamientos.-

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Además, es aprender cosas en las que nunca habíamos caído, como por ejemplo todo lo visto en este tema: ACLARAR Y OSCURECER LOS COLORES. ** Nada más, espero que hoy sepais más de pintura que antes de leer este capítulo, lo cual no es poco.  

VI. Pintura: pasos para conseguir obtener un color. Como conseguimos un color: Para poder conseguir un color deseado, tendremos que contestar previamente a varias preguntas, lo que nos vá a permitir igualar un color al cual queremos llegar. Dichas preguntas podríamos resumirlas en las siguientes: *¿QUE COLOR ES?--> La respuesta podrá ser: rojo, naranja, azul, verde, amarillo, gris.... *¿ES UN COLOR PURO O CON ALGUNA TENDENCIA?--> La respuesta, si no se trata de un color puro será que tiene tendencia hacia...; si por ejemplo se trata de un rojo, podrá tender hacia un naranja o hacia un violeta (recordad la rueda de colores), y si es un amarillo tendrá tendencia al naranja o al verde; siendo un azul, la tendencia sería hacia el verde o hacia el violeta.... *¿COLOR BRILLANTE O APAGADO?-->Es decir, presenta la máxima intensidad del color, o es de tendencia grisácea (y en qué grado).-Cualquier color nos podrá presentar su máxima saturación o bien tener una saturación media (con cierta cantidad de gris), o ser simplemente un gris con una pequeña cantidad del color (saturación baja). *¿ES UN COLOR CLARO U OSCURO?-->Dependiendo del grado de claridad del color, podrá ser alto, medio o bajo --siempre comparándolo con los valores de la escala. - ** AQUÍ ABAJO TE PROPONGO 2 EJERCICIOS EN LOS QUE PUEDES VER COMO SE LLEGA AL COLOR BUSCADO

<<< ESTE ES EL COLOR QUE BUSCAMOS EN EL EJERCICIO 1

< Hemos cogido el violeta de nuestra paleta y analizamos la diferencia más destacada respecto al original: es de tono y en concreto hacia el claro. < Agregamos pues un poco de blanco y observamos que la diferencia ahoraes de tendencia, pues nuestro color tiende al rojo, así que añadimos azul (y blanco si vemos que es necesario). < Vemos que la diferencia ahora es de intensidad, ya que nuestro color es más brillante que el original (que es más agrisado) < Así que para reducir la intensidad y agrisar el color, un toque del color complementario (amarillo-naranja), con lo que tendremos el color buscado.

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   <<< Y ESTE EL BUSCADO EN EL EJERCICIO 2 

    

 

 <  Cogemos el amarillo que tengamos en la paleta, en este caso amarillo‐cadmio, observando diferencia en tono, concretamente hacia el oscuro.  <  Oscurecemos con negro fabricado (carmin+verde) y observamos, viendo que aún es demasiado amarillo, así que procedemos a rebajar la intensidad.  <  Para ello usaremos un poco del complementario: el violeta (azul+carmin) y observamos, comprobando que hay tendencia al rojo.  <  Así que reducimos esa tendencia con un toque del complementario del rojo (el verde), con lo cual hemos conseguido igualar perfectamente el color. 

  

    Se trata de una lección importante en la parte teórica de la pintura, que debes esforzarte por comprender perfectamente, así como practicarla cuantas veces necesites. Está ligada íntimamente con el tema de "obtener un color determinado". 

    Aquí lo que debes hacer es elegir un color al azar que te parezca algo complicado. Una vez que lo tengas, házte las preguntas que hemos visto en esta lección y trata de obtener dicho color siguiendo las reglas que has visto. En principio te puede parecer complicado, pero verás que llega un momento en que la obtención de cualquier color no tendrá secreto alguno para tí; de eso se trata ¡¡ ni más ni menos !!. Venga, que no es tan complicado como parece. 

 

VII. EL COLOR CARNE EN PINTURA.  - Voy a tratar hoy un tema que creo muy interesante para cualquier artista, y en especial para aquel que se sienta inclinado a pintar la figura humana bien sea en retrato individual o en una vista en que aparezca aquella; dicho tema es el de encontrar una respuesta a la pregunta ¿de que color es la carne?, y la respuesta inmediata será "no hay un único color carne". - Ello es debido a que dicho color depende mucho de las características de la piel --podrá ser morena, blanca, sonrosada, con tendencia enfermiza...y enfín de persona anciana o muy joven--, sin olvidar que también variará en función de la luz que reciba, que podrá ser natural o artificial.-Sin olvidarnos que será además el artista quien decida la paleta que vá a usar y por tanto los colores con los que jugará en su pintura. - Vamos a tratar de verlo todo poco a poco y a ver si soy capaz de transmitir los conocimientos que tengo sobre el tema, para que luego cada uno sepa interpretarlos y adaptarlos a su estilo propio, de manera que pueda elegir lo más adecuado en cada caso. - Creo que unas imágenes os darán una idea muy clara de la interpretación tan diferente que han hecho

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diversos artistas sobre el color de la carne, y de como tratándose de colores tan diferentes los elegidos, la carne ha sido perfectamente representada, observad:

- Se aprecia perfectamente como en el primero de la izquierda, Andrè Derain hace un uso de cualquier color imaginable y contrastes muy acusados, pero perfectamente estudiados; en el del centro Gauguin nos muestra una de sus obras sobre mujeres tahitianas que tan bien conocía, donde la paleta mucho más limitada consigue igualmente transmitir el color carne característico de los habitantes de aquellas latitudes.Finalmente, a la derecha vemos un fragmento de una obra de Lucien Freud en el que nos aparece una piel totalmente distinta a las anteriores y que representa a la perfección una tez pálida tan diferente de las otras dos....y seguimos. - Comprendereis pues que ante la pregunta ¿que colores para la carne?, la respuesta es muy simple, pero es que no hay otra: cualquier color resultado de la mezcla del amarillo, rojo y azul, con o sin el blanco; habrá que saber elegir el amarillo, rojo o azul adecuados en cada caso y mezclarlos en las proporciones justas, sin que tengan que intervenir los tres a un tiempo.Si además tenemos en cuenta que el pintar el color de la carne, es pintar un degradado que vá de las partes más luminosas hasta las más oscuras en sombra de una forma progresiva y evitando las durezas, todo ello mediante el oscurecimiento de las mezclas de forma correcta. - Deberemos también tener muy en cuenta que además será muy importante relacionar los colores de la figura y los del ambiente, para que toda la obra tenga uniformidad. - Por lo general, los colores que necesitaremos usar cuando pintemos el color de la carne van a ser: BLANCO, AMARILLOS CADMIO Y LIMÓN, OCRE AMARILLO, VERDE ESMERALDA, ROJO CADMIO, CARMÍN DE GARANZA, y AZUL ULTRAMAR que usados convenientemente nos van a permitir un amplio abanico de tonos-carne. ○ Veamos algunas mezclas posibles: * Amarillo limón+rojos+blanco nos darán unos colores perfectos para zonas iluminadas que podremos ir oscureciendo y matizando con toques de ocre, pudiendo jugar con las mezclas para obtener colores más rosáceos o acarminados. * Amarillo cadmio medio+rojos+blanco que nos dará mezclas algo más apagadas y tendencia al naranja, pudiendo también oscurecer con toques de ocre; serán algo más "calientes" que las anteriores, como consecuencia del amarillo usado. En ambos casos, el paso gradual a las zonas oscuras se hará como hemos dicho con toques de ocre, pero

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si queremos acentuar las sombras sin saltos bruscos, tenemos la ayuda de los colores tierra (siena natural y tostada), y además del azul ultramar, siempre sin pasarse. ○ Pero si queremos adentrarnos en una gama fria de tendencia verdosa: * Amarillo cadmio medio+Ocre+Verde permanente+Blanco * Amarillo limón+Ocre+Verde perm.+Blanco, y para oscurecer, Siena tostada (siempre tener en cuenta que los toques de verde, ocre y siena deberán ser muy tenues porque es muy fácil pasarse sin solución, salvo empezar de nuevo) * Amarillo cadmio medio+Ocre+Verde esmeralda+Blanco será otra mezcla que dará mucho juego y que se irá oscureciendo con Siena tostada. - Y no olvidemos que a su vez el Siena tostada podremos oscurecerlo con unos ligeros toques de azul ultramar, lo que nos permite tener nuevas mezclas de cara a obtener las zonas en sombra. - Será la experiencia y la práctica la que nos permita observar qué colores son los más adecuados en cada caso, teniendo en cuenta el planteamiento que vayamos a hacer de la obra.Sabeis también que en toda sombra intervendrá probablemente el color azul, además del color de la carne en tono oscuro y a veces incluso el color complementario del usado. - Todo depende del deseo que tengamos de contrastar e incluso dramatizar el juego luz-sombra. - Lo más emocionante en pintura es experimentar, pues tenemos en nuestras manos los medios (los colores) y cada uno según su particular visión del tema, hará el uso que crea mejor de dichos medios.

Ved en este cuadro de Andrè Derain "Retrato de Matisse", como supo llevar al extremo lo que acabo de explicar respecto a complementarios, matices, etc...:

- Impresionante ¿verdad?, pues no te cortes y deja volar la imaginación, experimenta con diversas gamas, con colores complementarios, con degradados suaves y potentescomo este, puesto que solo tú deberás encontrar EL COLOR DE LA CARNE, "tu color de la carne"; puedes ver a continuación como lo interpretó Picasso en una de sus obras "Retrato de Olga":

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donde todo está perfectamente calculado, no solo la figura sino el entorno. - Espero de verdad que esta lección te haya servido para despejar tus dudas acerca del planteamiento inicial que hacíamos: ¿de que color es la carne?, si lo he conseguido me doy por satisfecho.-Hasta la próxima ocasión.

 

VIII. Ley de la "sección áurea" o "regla dorada" en pintura.  Vamos a ver hoy una regla matemática que descubrió Euclides en el siglo III a.C. pero que tiene vigencia aún hoy para utilidad del artista en el momento de proceder a encuadrar la futura obra que pretenda abordar, y por tanto a la hora de componer la misma.    Fué el matemático Pacioli quien en el siglo XV descubrió la mencionada fórmula y procedió a reflejarla en un libro que escribió ("Divina Proportione") y que ilustró Leonardo da Vinci, donde se propuso desarrollar la citada fórmula, la cual en esencia lo que hace es establecer los "puntos dorados" o "estética de las proporciones" (como los llamaba Euclides).    Viene a decirnos que "para que un espacio dado, el cual es dividido en partes desiguales resulte agradable y a la vez sea estético, deberá haber entre la parte más pequeña y la mayor la misma relación que entre dicha parte mayor y el todo". 

 Lo explicado anteriormente se puede ver claramente en la siguiente imagen:  

        donde suponemos que tenemos una superficie (un lienzo por ejemplo) de unas medidas determinadas; entonces lo que haremos será multiplicar tanto el ancho como 

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el alto del mismo por 0,618, es decir, si mide de abajo hasta arriba 56 cm. lo multiplicamos por dicha cifra y nos dará 34,6 por lo que hacemos la marca superior trazando una línea; seguimos ahora y repetimos esa medida desde arriba hacia abajo por lo que tendremos otra línea.    Ahora realizamos la operación a lo ancho, supongamos que el lienzo tiene 78 cm. así que habrá que multiplicar por 0,618 y obtendremos 48,2 cm. por lo que llevamos esa cifra de derecha a izquierda y trazamos la vertical izquierda, luego repetimos de izquierda a derecha y trazamos la vertical derecha a 48,2 cm. desde el lado izquierdo.‐Tendremos así cuatro líneas que al cruzarse nos darán los "cuatro puntos dorados" agradables y estéticos de los que hablábamos. 

 

  Esto llevado a la práctica significa que en toda composición que realicemos a la hora de pintar un cuadro, debería tener en cuenta entre otras, la regla que acabamos de ver, así lo han hecho artistas famosos como Monet: . 

                               veis como si efectuais los cálculos, ha tomado para el horizonte la línea inferior que veíamos hace un momento y además ha hecho que el peso del cuadro (los árboles) coincida con los puntos de intersección que también hemos visto.    Pero por si no queda claro, el propio Monet en su cuadro "Poppy Field.." nos dá otra lección sobre el uso perfecto de la sección dorada, ved: 

  

 

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 el horizonte alto y los pesos de los colores colocados en los lugares adecuados, así que como no 

podía ser de otra manera: resultado agradable y estético.  ¿Y qué decir del gran maestro Van Gogh cuando tuvo la genialidad de crear esto?: 

. 

  su famoso "Trigal con cuervos" donde podeis recrearos y comprobar con qué maestría llevó a la 

práctica todo lo que hemos visto. 

 

IX. Estudio sobre las veladuras en pintura al óleo. • Estudio de las veladuras en pintura

La veladura no es más que una fina capa de pintura transparente, la cual se aplica sobre una capa de pintura ya seca y modificará su color (que puede ser fina o espesa); ello vá a permitir que la capa inferior sea visible a través de la veladura, por lo que habrá un resultado que no se podría conseguir de ninguna otra manera, mediante colores opacos.

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La veladura se ha venido aplicando desde hace siglos, y los pintores del Renacimiento ya la usaban con profusión para conseguir unos colores muy luminosos, especialmente los rojos y los azules a base de sucesivas capas de color, más rico cada vez (y utilizando poquísima pintura opaca).

Así podemos ver como Rembrandt hacía un buen uso de esta técnica, sobre todo en sus retratos, pues tenía una habilidad especial tanto para conseguir la luz como las sombras a base de ricas veladuras, he aquí un ejemplo en el que se aprecia como conseguía una especial iluminación sin que se determine con exactitud la procedencia de la luz, y a la vez unas sombras difusas que envolvían el retrato con una atmósfera especial, como él sabía conseguir.: - . -

Podríamos decir que la veladura es un método de mezcla del color, ya que altera el color de la capa que está debajo; cierto, pues se puede comprobar fácilmente como una veladura de azul, sobre una capa de amarillo ya seca, dará como resultado un tono verde. •¿Como preparar una veladura? Para preparar un color como veladura, deberemos usar mucho medio y poco pigmento: el medio consiste en una mezcla de aceite de linaza y esencia de trementina, aproximadamente al 50% (si queremos una veladura de más transparencia podremos usar aceite de nuez en vez de linaza). La forma de prepararla es muy sencilla, pues consiste en echar una cantidad del medio preparado y añadirle un poco de pigmento, lo necesario para teñir el medio pero manteniendo siempre la transparencia; se prueba y si es necesario se añade algo más de pigmento pero sin pasarse. También podremos añadir al medio una mezcla de colores previamente realizada aparte, siempre teniendo en cuenta que lo que una veladura persigue es el modificado del color seco ya prepintado, de una forma sutil. Existen mediums sintéticos para preparar veladuras, que se venden para este propósito en tiendas especializadas y será el artista quien tras probar con distintos preparados, decida como preparar la mezcla y cuando usarla en uno u otro caso.

Se deduce que para aplicar una veladura es válida la teoría del color pues habrá que hacer un estudio previo de las mezclas a usar en cada caso. Se pueden aplicar varias veladuras sucesivas para ir modificando el color cada vez, pero será importantísimo dejar siempre secar muy bien la veladura inferior, ya que si la aplicamos sin estar perfectamente seca, lo que haremos será una mezcla "húmedo sobre húmedo" que nos dará colore

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agrisados, perdiendo por tanto el fin de la veladura: colores transparentes.

• Como aplicar una veladura Es lo más sencillo, pues habreis deducido por las explicaciones dadas que no es más que aplicar con un pincel (que no sea muy fino) unos trazos firmes, sin insistir mucho, encima de la capa previa ya seca.-Vale tanto para realzar las zonas de luz, como para hacer mucho más profundas las sombras, variando en cada ocasión los colores aplicados, claro. Si se quieren obtener veladuras muy brillantes, se puede aplicar al medium que hemos preparado, un poco de "barniz holandés" pero con mucho cuidado y siempre probando antes. Observad atentamente el uso magistral que hacen otros artistas:

-

Turner nos ofrece en esta obra un cielo luminoso conseguido a base de finísimas veladuras, y Constable (abajo) nos ofrece otra buena demostración de como usarlas en provecho de un acabado magnífico, luminoso y que de otra forma sería casi imposible de conseguir:

Espero amigos que os haya parecido interesante este tema, en el que como siempre me esfuerzo para ofreceros algo que ayude a todo aquel principiante en pintura a conocer el medio en el que se desenvolverá y le vaya perdiendo ese "respeto" injustificado al arte de pintar.-En realidad es muy sencillo si te lo propones; otra cosa ya es el conseguir unas obras que obtengan el reconocimiento de los demás.Ahí influyen ya muchas cosas (subjetivas), y ese pequeño don que llevamos dentro todos; hay luego que saber explotarlo.

 

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X. Cursos gratis de pintura y dibujo. Debemos ingresar a: http://artpad.art.com/artpad/painter/?RFID=140772 

 ‐ Ofrezco aquí una utilidad que me parece muy interesante, puesto que haciendo uso de ella se pueden pintar obras on‐line y sobre todo sirve perfectamente para que uno pueda acostumbrarse a "ver" la perspectiva y la profundidad; observa como con ella y en un momento he insinuado una playa con el mar y unas montañas al fondo: 

                    y puedes pintar lo que se te ocurra, eso sí, debes tener la precaución de pintar desde formas muy transparentes a opacas. 

  Te explico brevemente el funcionamiento: cuando conectas se te abre un lienzo en blanco con un conjunto de herramientas a la izquierda: Y paso a explicarte como funciona para que si lo deseas puedas hacer tus "pinitos" sin estropear lienzo ni pintura, así que interesantísimo ¿verdad?.‐Ves que arriba a la izquierda hay una paleta de colores que aunque reducida, dispone de un conjunto de ellos aceptable; luego a la derecha existe el conjunto "TOOLS" que consta de un icono para escribir texto si lo deseas ( T ), luego viene el icono con un cubo por si quieres "salpicar" pintura (para el caso de un cuadro abstracto por ejemplo), y finalmente el icono "pincel" que no necesita más explicación.   Debajo, está la sección "SIZE" (tamaño) con una escala graduada en la que escoges el tamaño del pincel ‐‐más o menos grueso según la marca que elijas en la escala‐‐, y más abajo ves la sección "OPACITY" donde puedes elegir si la pintura será más o menos transparente.   Jugando con estos parámetros, es sencillo pintar un cuadro del tipo que sea.   Pero además, si te equivocas siempre tienes la opción que ves un poco más abajo "UNDO" (borrar), picando en ella te borra siempre lo último 

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que hayas pintado y si picas varias veces pues irás borrando paso a paso.   Si no te gusta lo que llevas hecho y quieres cambiar de tema solo tienes que picar sobre "start over" (comenzar) y aceptar para que vuelva a salirte otra vez el lienzo en blanco.‐Mira este otro cuadro que he "pintado" con el bote en plan de manchas y que es realmente interesante si lo trabajas bien: 

                           

  Para comenzar un paisaje por ejemplo, empieza de atrás hacia adelante y vete poco a poco cogiendo pintura muy transparente ("Opacity" al mínimo) y pinceles no muy grandes para el fondo (ya sabes, en "Size"); enfín lo mejor es que vayas jugando con diversas posibilidades y con la opción "Undo" y enseguida le cogerás el truco y verás como consigues obras interesantes. 

 

XI. Pintar con óleo: curso sobre profundidad en la pintura.  PRESENTACIÓN DEL TUTORIAL SOBRE PROFUNDIDAD EN LA PINTURA A través de este tutorial que te ofrezco, voy a tratar de explicarte en unas cuantas lecciones unas normas y trucos importantísimos para cualquier principiante a la hora de enfrentarse al reto de CONSEGUIR PROFUNDIDAD en cualquier obra que pretenda pintar; como en todo, hay que seguir unas pautas sin las cuales difícilmente serás capaz de evitar que el cuadro aparezca "plano" y por tanto no posea esa "tercera dimensión" tan importante en pintura. Así que a medida que disponga de tiempo iré ofreciendo los temas que ves enumerados en el menú de la izquierda, que en mi opinión serán los que necesites para poder dominar la PROFUNDIDAD EN LA PINTURA.- Es importante dedicar tiempo para conseguir dominar este tema, especialmente al abordar un paisaje y conseguir darle un "toque real". El no seguir las normas de profundidad cuando pintas una obra, dará como resultado que esta será "plana" y por tanto perderá valor. A ello dedicaré los siguientes capítulos que espero te resulten interesantes.

1. Aprender a pintar un cuadro con óleo y aplicar el efecto de "profundidad" 

PROFUNDIDAD EN PINTURA MEDIANTE CONTRASTE EN LOS COLORES

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El tema que voy a ofrecer hoy, que se vá a componer de algunos capítulos para no hacer excesivamente pesada la página, vá a tratar sobre la profundidad en los cuadros o lo que es lo mismo, dará unas pautas para que el principiante consiga comprender qué es la profundidad aplicada al pintado de un cuadro, y como se consigue esta profundidad. Es un fallo muy común que suele delatar la falta precisamente de estos conocimientos; y la consecuencia de no observar unas reglas mínimas sobre la profundidad es encontrarse conpaisajes "planos" donde todo parece encontrarse en un primer término y que será apreciado por cualquier espectador, incluso aunque este no tenga ni idea de perspectiva ni de profundidad, etc.-La vista es muy inteligente y siempre sabrá "que eso que está observando no funciona", aunque no sepa apreciar qué es lo que falla si que sabrá que eso que mira no le transmite algo..., precisamente es eso: LA FALTA DE PROFUNDIDAD. Así que tras este preámbulo un consejo: estudiar siempre en una obra la profundidad, y hacer los cambios que sean necesarios para tratar de conseguirla siempre, y os preguntaréis ¿cómo se logra?; de éso van a tratar los temas que os anuncio, y que podríamos decir que en esencia vais a aprender a pintar teniendo en cuenta "la tercera dimensión".-Vamos a ello. -

Para comenzar, nada mejor que un guión de lo que tratará este tutorial para que ya desde el principio podais haceros una idea global del mismo; dicho guión como hemos dicho vá a enseñados la forma de lograr profundidad en un cuadro, lo que conseguiremos: 1/.-Mediante el contraste en los colores, 2/.-El uso de los colores adecuados, 3/.-La inclusión de "atmósfera" en el cuadro, 4/.-El efecto de perspectiva, 5/.-El saber incluír un "primer término". Así que en este primer capítulo y siguiendo el guión expuesto vamos a ver como se puede conseguir profundidad a base del contraste de colores, o lo que es lo mismo, hay que saber "iluminar las partes en sombra" e igualmente "oscurecer las partes iluminadas"; nada mejor que un ejemplo que he realizado paso a paso sobre la marcha y mediante "pintura virtual" que como sabeis podeis realizar en la página para

pintar (http://artpad.art.com/artpad/painter/?RFID=140772). Veis que de forma muy sencilla he pintado una casa con una pared delante, unos árboles a los lados y una montaña al fondo: 

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Lo que quiero que veais y comprendais es que estamos ante el caso típico que expliqué (aunque llevado a su extremo) de un paisaje "plano" en que la profundidad no existe, y para solucionarlo, vereis que simplemente con llevar un poco a la práctica lo que comenté arriba de "oscurecer partes iluminadas e iluminar partes oscuras" funcionará; he aquí una primera aproximación: -

Donde observareis que tan solo con proceder de forma suave a oscurecer un poco la zona de los árboles tocante con las paredes de la casa y a su vez oscurecer un poco la montaña del fondo, la obra tiene un cambio radical y al instante ha dejado de ser plana y adquirir una cierta profundidad, ya se empieza a adivinar esa "tercera dimensión" de la que hablé.-Se puede ver perfectamente además, que incluso la casa parece estar más iluminada (aunque aseguro que no la he tocado para nada). Doy un paso más y procedo a reforzar lo explicado:

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Es decir, reforzar sombras y algunos trazos claros en las aristas de las paredes de la casa, además de la inclusión de otra arboleda por la izquierda y la derecha que ayudarán además a resaltar los primeros árboles, a darles volumen y a incluir un plano más en la obra, con lo cual la profundidad estará garantizada como veis.-Debeis estudiar el cambio que ha tenido la casa sin necesidad de tocarla en absoluto (pues tiene los colores originales desde el inicio que visteis en la primera foto), ha creado un primer plano "por contrastes", que además ayuda a la profundidad del conjunto. Estudiar bien la imagen y aparte de practicar lo estudiado, debeis saber observar y llegar a apreciar CUATRO PLANOS distintos en la misma, perfectamente definidos: el primero formado por la casa y la carretera, el segundo que forman los árboles de los lados, un tercero que define la arboleda más lejana y finalmente la montaña; pero es que aún se podrían observar dos más: uno existente entre la arboleda del fondo y la montaña y el sexto que estaría entre la montaña y el cielo. ¿Los veis?, si no, debereis esforzaros e ir educando la vista para que poco a poco sea capaz de ver todo lo que explico pues cuando se pinta mucho vás dándote cuenta como la vista (que es muy vaga por naturaleza) vá adquiriendo cada vez mayor poder de percepción ESTO ES IMPORTANTÍSIMO créeme.-Cuando tu vista esté "educada" serás capaz de ver estas cosas, e incluso verás colores que los profanos en la materia no son capaces de ver....y si no al tiempo. Pero no te pienses que con el tema de hoy ya está todo hecho, ¡ni mucho menos!, porque aún quedan muchas cosas por ver, y cuando comprendas todas ellas y seas capaz de poder llevarlas a la práctica una y otra vez, será cuando habrás comprendido todo.

2. Pintar cuadro al óleo:  como aplicar el efecto de "profundidad en pintura",  colores que "acercan" o "alejan" 

COLORES QUE "ALEJAN" Y OTROS QUE "ACERCAN" EN PINTURA -Presento un nuevo capítulo del tutorial "La profundidad en la pintura" que espero os resulte igualmente interesante; hoy vamos a estudiar como los colores por sí solos ya son capaces de crear profundidad en un cuadro ¿sorprendido?, pues es así, existen colores que tienen la capacidad "de alejar" y otros por el contrario son capaces "de acercar". - De esta forma podemos decir que existen los "colores cálidos que acercan" y los

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"colores frios que alejan" y dentro de estos también podemos establecer que por orden de proximidad en los cálidos, el amarillo es el que tiene mayor poder para acercar, y le siguen el naranja, el siena, el rojo y carmín... - Y en cuanto a lejanía el que tiene un mayor poder de alejar es el azul (o gris azulado), los violetas, azul medio y verde. -No hay nada tan sencillo de demostrar, verás: si utilizas un trozo de lienzo y pintas en él una franja azul claro arriba y otra franja amarilla debajo de la anterior vas a comprobar que inmediatamente el amarillo se te acerca y sin embargo el azul "parece que se vá lejos" ¿a que si?: -

-Puedes comprobar por la imagen (hecha muy deprisa porque solo trato de que podais ver y comprobar lo que digo) que he trazado varias franjas de color siguiendo lo explicado y sin necesidad de añadir nada más ellas por sí solas han sido capaces de crear unas montañas lejanas, otras elevaciones que a pesar de estar debajo de la anterior, por efecto del color "parecen estar más cerca" (crean profundidad), luego debajo he pasado a pintar un verde que también "se viene" más hacia el espectador...y así sucesivamente hasta llegar como veis al amarillo que dá la sensación de ser la zona más cercana a nosotros, ¿porqué?, pues son solo franjas pintadas una debajo de la otra..., creo que no hace falta insistir.-Vais a ver una aplicación de lo anterior un poco más elaborada:

-Bueno, más elaborada en el sentido de que entremezclo colores pero como veis siempre me atengo a las normas que os acabo de dar y al respetarlas, en cuatro brochazos consigo que el paisaje adquiera una gran lejanía (profundidad).

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-Así que espero amigo que a partir de ahora cuando te enfrentes al reto de pintar un cuadro, aparte del boceto, el encuadre, la perspectiva, etc...., no te olvidarás de las normas que te acabo de dar y con ello tendrás parte de la batalla ganada porque si en las mezclas que deberás elaborar tienes siempre en cuenta el poder de lejanía y acercamiento del color, tu cuadro ganará enteros ¡no lo dudes!.

 

3. Conseguir "atmósfera"  en un paisaje. 

Vamos a seguir viendo en este tema otra forma de lograr la profundidad en la pintura, que como recordareis se vá a referir a "lograr una atmósfera" en el cuadro --para enriquecer los otros temas vistos, referentes al uso de colores según su grado de calidez o frío, y al empleo de contrastes adecuados--. Y lograr una atmósfera no tiene nada que ver con el lograr expresar el estado atmosférico (verano, invierno...) sino a conseguir que en una obra aparezcan los objetos perfectamente trabajados, de tal manera que siguiendo unas pautas o normas establecidas se consiga expresar esa tan repetida "atmósfera" que contribuirá a dar "profundidad" al conjunto y por tanto ser agradable a la vista. Y como una imagen vale a veces más que mil palabras, observa: -

Te darás cuenta inmediatamente de qué hablo; verás que en esta obra la profundidad está totalmente conseguida, y principalmente porque se han aplicado al 100% las normas que te voy a explicar y que son: 1/.-Hay que ir eliminando los detalles a medida que nos vamos alejando en la obra: efectivamente verás como en la imagen se observa perfectamente esta norma y tanto en las

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casas como en los árboles y demás, la lejanía se consigue a base de ir eliminando detalles y en consecuencia haciendo todo más difuminado..., observa atentamente los tejados de las casas, cómo a medida que nos adentramos en "la atmósfera" del cuadro, tan solo se convierten en unas manchas del color del tejado y ya dejan de apreciarse ventanas, chimeneas o cualquier otro detalle; y si te fijas en los árboles, pues exactamenet igual, en primer término se aprecian las ramas, los colores nítidos pero a medida que nos alejamos se van convirtiendo en masas de color sin detalle alguno, ¡importantísimo!. 2/.-Hay que hacer uso de las normas estudiadas en otro capítulo anterior acerca del poder de los colores para ofrecer lejanía o cercanía; puedes apreciar es uso magistral de estas normas en dicha obra: colores amarillos, ocres, sienas...a fin de realzar la cercanía y un adecuado empleo de verdes, azules, violetas para dar profundidad (una profundidad tremenda que nos hace darnos cuenta inmediatamente de los muchos kilómetros existentes desde las casas hasta la zona alejada del fondo ¿lo ves?, pues esta lejanía, esta "profundidad" se ha logrado en unos pocos centímetros de un lienzo, pero haciendo uso de unas normas básicas. 3/.-El empleo de "primeros términos" que estudiaremos en otra lección próximamente. Como ves, son normas que necesariamente se deben seguir al pintar, y hay mucha gente (cuando se empieza en esto y aún existe poca experiencia) que las deja de lado, bien porque no las conoce o por otras circunstancias y como digo siempre, el resultado será una obra "plana", sin valor alguno.-Así que a partir de hoy y si afrontas la pintura de paisajes sobre todo, ya no podrás decir "...es que a mí eso no me lo han explicado...". Observa otra obra donde se aplica con precisión todo lo explicado:

Analízala y saca tus propias conclusiones, estudiando como se van minimizando los detalles, como se emplean colores adecuados, el primer término...¿lo ves? y sobre todo ¿lo comprendes?, creo que sí.

 

XII. Presentación del tutorial sobre espesante en pintura. Son muchos los que se han dirigido a mí en varias ocasiones solicitándome un tutorial que tratase sobre la forma de pintar piedras, rocas..., es decir, la forma de lograr un gran relieve en ellas y en consecuencia poder darles "realismo" a los paisajes, por ejemplo. Por falta de tiempo lo había ido posponiendo pero digamos que "a petición popular" no he tenido más remedio que afrontar el reto y por tanto te ofrezco (de forma totalmente gratuíta -

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no podía ser menos-) en tres lecciones el referido tutorial. Este valioso tutorial en el que quisiera enseñarte a resolver el espinoso tema derepresentar la piedra, que como todo en esta vida es complicado cuando no sabes solucionarlo, pero espero que con mi ayuda y si eres capaz de comprenderlo ¡¡ y practicarlo !!, a partir de hoy te resulte sencillo. El público que asiste a mis exposiciones me tiene catalogado de forma cariñosa como "especialista en representar rocas", supongo que por conseguir que "parezca piedra" y no nubes o cualquier otra cosa menos piedra (¿no lo habeis notado en algunas obras sobre todo de novatos que comienzan?). Y te aseguro que tú también serás pronto especialista en representarlas.-Me esmeraré en conseguirlo.

Aprovecha la ocasión para adquirir unos conocimientos que son de gran valor y que posiblemente no vás a encontrar en otras webs -al menos de forma gratuíta-. Vás a aprender a lograr relieve en tus obras -especialmente en los primeros planos-, lo que hará que mejore la profundidad en esa obra que pintas, sobre todo si se trata de paisajes, donde como sabrás, la profundidad juega un gran papel en el resultado final si deseas conseguir realismo.

 

XIII. Terminología del color.  -Hablando del color, existe una terminología específica que debemos conocer y que voy a tratar de explicar aquí: .: Colores primarios: -Son los rojos, azules y amarillos que no podremos obtener mediante mezcla de otros colores. .: Colores secundarios: -Aquellos que se obtienen mediante la mezcla de dos colores primarios, por ejemplo la mezcla de azul+amarillo=verde, o rojo+amarillo=naranja, ...). .: Colores terciarios: -Los que resultarán al mezclar un primario con otro secundario (por ejemplo al mezclar el rojo con el verde, obtendremos un marrón). .: Colores complementarios: -Aquellos colores que se encuentran totalmente opuestos en la rueda de color (por ejemplo el amarillo y el violeta; el rojo y el verde...); en teoría al mezclarlos nos darán "negros".

.: Tono: -Cuando hablamos de "tono" nos estamos refiriendo al grado de oscuridad o luminosidad de un color. .: Matiz: - Y al hablar del "matiz" de un color, nos referimos a la propiedad que hará se le pueda identificar como "rojo", "amarillo", o "verde". .: Intensidad:

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-Que se conoce también como "saturación", o también como "croma"; describe el brillo de un color. Por tanto podremos decir que dos colores son rojos por definirlos el "matiz", pero lo que los diferencia es el brillo o "croma". :: AJUSTAR COLOR Y TONO: En pintura es muy importante aprender a identificar los "tonos" de los colores, cosa difícil puesto que el ojo humano es mucho más receptivo al color que a la oscuridad o luminosidad del mismo. Pero se comprende fácilmente que es importantísimo el aprender a identificar los tonos, ya que los contrastes entre claros y oscuros lo son todo en pintura. Para ayudarnos en esta tarea, es de gran utilidad el prepararnos "Cartas Tonales", que para hacerte una idea de lo que se trata, te ofrezco una aquí:

-Consiste como vés en una columna con 8 casillas en la que tenemos en un extremo el blanco y en el otro el negro, y las 6 casillas restantes las rellenamos con grises (que podremos preparar a base de blanco+15% de negro en la casilla 2; blanco+30% de negro en la casilla 3, y así sucesivamente...). .Bien, pues una vez tengamos esta escala de grises, se tratará como veis de preparar a su derecha un rectángulo con 6 filas y las columnas que queramos --podremos empezar con 4 como veis en la figura, e ir ampliándolas--; ahora el ejercicio consistirá en ir tú mezclando colores primarios, secundarios, terciarios, de manera que obtengas colores resultantes que mejor se correspondan con cada grado de gris a la izquierda. Podrás también ejercitar las mezclas añadiendo a los colores el blanco el negro, comprobando igualmente su grado de correspondencia con la escala de grises.  

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XIV. Las claves tonales en pintura. Oleo, acuarela, pasteles. Pintar un cuadro. 

 .: Esquemas de las 6 claves básicas    .: TEMA   .: Ejemplos basados en los esquemas 

 alta clara  

 alta oscura   

  media clara  

 PINTURA: LAS CLAVES TONALES: 

   Aunque en un tema que vayamos a abordar se manifiesten una gran gama de tonos, siempre deberían reunirse de manera que agrupemos los que más se parezcan entre sí, en 3 categorías que clasificaremos en: CLAROS, INTERMEDIOS, OSCUROS    No deberíamos utilizar más de cuatro o cinco tonos si pretendemos que el efecto resulte simple y tenga impacto. Con un tono claro, otros intermedios (no más de dos o tres) y otro oscuro, debería ser más que suficiente para poder resolver la mayoría de los temas.    Será una buena ayuda el entornar los ojos y así conseguir un "desenfocado" de los tonos y también se vuelvan borrosos, lo que servirá para poder simplificar y agrupar aquellos tonos más similares, evitando así el común error de querer representar todos.    Para determinar los límites tonales habrá que buscar el tono más claro y el más oscuro del tema y establecerlos en el lienzo de tal modo que no los rebasemos; así, el resto de la gama tonal se debe desenvolver entre estos dos extremos.    Una obra puede ser resuelta en una clave tonal alta (con dominio de claros), o bien 

alta clara  

 alta oscura  

 media clara  

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  media oscura   

  baja clara   

  baja oscura  

en una clave baja (con dominio de oscuros).    Si hacemos uso de cuatro valores: uno blanco, otro intermedio claro, otro intermedio oscuro y el último negro, habremos constituído las 6 claves tonales básicas que, con una estructura correcta nos ván a ofrecer los mejores resultados tonales y un efecto de simplicidad, gran vigor y expresión.    En cada una de las claves deberá actuar un tono que sea dominante en extensión.    Por ejemplo, en un tema de clave alta como puede ser un paisaje con nieve, el blanco debería ser el tono dominante, y armonizándose con este los tonos intermedios y el negro.    En los temas de clave media ‐bien sea clara u oscura‐, que aparecerían en algunos paisajes y escenas de calle, el tono dominante será el tono intermedio claro u oscuro respectivamente.    En temas de clave baja, como por ejemplo un tema nocturno iluminado por luz artificial, el dominante sería el negro.    De lo anterior deducimos que en otros casos como por ejemplo un paisaje con niebla, la gama nunca contendría los valores extremos (blanco‐negro) y por tanto debería limitarse a todos aquellos valores intermedios.  

media oscura    

baja clara   

 baja oscura